Современное искусство: точка сборки
Фото экспозиций: II Биеннале «Искусство будущего»; «Феномены. Современная московская живопись и пересборка реального»; «Формулы вечности»; «Дэмиен Херст. Из огромной любви к детям».
Поздравляем с долгожданным началом лета! Июнь, солнце, воздух и… современное искусство? Лучший способ открыть сезон — отправиться на поиски волнующих впечатлений, свежих открытий и художественных очарований по музеям и галереям. Мы сделали подборку нашумевших экспозиций в крупных институциях Москвы. Спланируйте свой культурный маршрут на лето!
ММОМА (Петровка, 25) | До 19 июля «Феномены. Современная московская живопись и пересборка реального» В эпоху нейросетей и digital-потока классическая живопись перерождается. ММОМА собрал 11 звезд московской сцены (выпускников Суриковского и Строгановки), чтобы доказать, что картина — не устаревший медиум, а актуальное средство рефлексии. От гиперреализма до беспредметности, от личных травм до ностальгии по смыслу. Каждому художнику выделили отдельный зал-инсталляцию.
Еврейский музей и центр толерантности | До 5 июня «Дэмиен Херст. Из огромной любви к детям» У вас осталась буквально неделя! Культовый британец, лидер Young British Artists, представлен работой «Из огромной любви к детям». Здесь есть всё, за что мы любим (или спорим) с Херстом: вихри спин-арта, бабочки и напряжение между жизнью и смертью. Проект ломает формат классического музея — вы погружаетесь в контекст создания шедевра, его интерпретации и место в глобальной истории.
Дом культуры «ГЭС-2» | До 19 июля «Формулы вечности» Самая поэтичная выставка этого лета. ГЭС-2 рассматривает холод через оптику архитектуры, астрофизики и живописи XVII–XX веков. Три новеллы: История холодильника-дворца архитектора Жолтовского (утопия против функциональности). «Зимний путь» — классические пейзажи в обрамлении стихов Шуберта. Реликтовое излучение и космос: температура близкая к абсолютному нулю как основа Вселенной… Отправляемся, чтобы освежиться телесно и когнитивно в июньский зной!
Мультимедиа Арт Музей | До 6 июня II Биеннале «Искусство будущего» Ультимативный техно-оптимизм. Роботы, ИИ, цифровые аватары и 3D-печать. Звездный состав: Павел Пепперштейн, Аристарх Чернышев, Андрей Бартенев и десятки молодых ярких авторов. Многие работы созданы эксклюзивно для биеннале. Спешите посетить!
Желаем вам лета, наполненного теми самыми встречами с искусством, которые заставляют сердце биться чаще!
Кураторские заметки: как экспонировать видео?
Когда видеоарт покидает темный кинозал и оказывается в галерее, зритель теряет анонимность и превращается из поглощённого экраном сновидца в соучастника, которого видят другие. В этом, пожалуй, главный нерв исследования Екатерины Избрехт: фигура зрителя из пассивного реципиента превращается в один из изобразительных знаков, а куратор — тем, кто сталкивает работы в диалоге, в котором рождаются новые смыслы.
В тексте — три ярких кейса: телевизоры на разной высоте в кёльнском «Black Box Reader», бездушные манекены напротив танца по колючей проволоке в Centre Pompidou и спектакль «Психоз», где видеоарт переползает из VR в театр через фиджитал-коридор. Читайте полностью по ссылке.
Александр Зельдович, AES+F, «Психоз», 2016 г. Электротеатр Станиславский
Продолжаем погружение в мир видеоарта… Мы привыкли думать, что «найти себя» — значит обрести нечто устойчивое. Точку опоры. Чёткий образ в отражении. Но что, если самоощущение подобно ряби на воде? Сегодня — подборка из двух работ современных российских художниц, которые посвящают свои видеоарт-работы исследованию нестабильности идентичности.
Проект Елизаветы Неустроевой «Поймать образ» — об ускользающей природе самоощущения. Вместо чёткого изображения в этой работе — фрагменты, движения, свет, искажённые отражения повседневности. Автопортрет, который можно собрать лишь на миг, чтобы тут же признать его текучесть.
В своей серии «Ласточка» Мария Македонова стремится найти своё место через полное слияние с природой в тишине. Встать в позу ласточки — замереть, подражать, стать статичной. Однако чем точнее повторяешь закон природы, тем острее чувствуешь: равновесие не может быть вечным.
Чтобы посмотреть работы, переходите по ссылкам в теле текста!
Александра Митлянская. «Пятиэтажка», 2008; Александра Митлянская. «Когда я дома одна», 2020.
Александра Митлянская — известная российская художница, видеохудожник и педагог. Член Московского союза художников с 1989 года. Удостоена стипендии Берлинской академии искусств, стипендии Фонда Иосифа Бродского, также была резидентом Американской академии в Риме.
Александра начинала свой путь в искусстве с живописи и графики, однако последние годы она полностью сосредоточена на видеоарте. Видео для Митлянской — это прямое продолжение её живописного поиска. Её видеоработы отличают композиционная выверенность, колористическая живописность и особая работа со светом, она осознанно использует статичную камеру и минимизирует эффекты, концентрируясь на чистом визуальном ряде. Магистральные темы её творчества — исследование философии времени, раскрывающееся через медитативную длительность, бессюжетное созерцание и эффект почти неподвижной картинки… Работы Митлянской обладают особой атмосферой, — часто им свойственна камерность, интимность и автобиографичность, светлая меланхолия и поэтика ускользания.
В большом интервью для art.mediiia художница рассказывает, как прошла путь от фигуративной живописи и офорта к реди-мейдам, а затем — к видео. Честный разговор о том, как видеоарт меняет наш способ смотреть на мир, о том, что «смотреть» и «видеть» — не одно и то же, и зачем художнику каждый раз заново учиться удивляться.
«Мне нравится смотреть на то, на что можно смотреть долго. Как, думаю, любой человек, я люблю смотреть на облака, воду, огонь, колышущуюся траву, ветер, красивые лица. Я люблю смотреть на это больше, чем на искусство. Недавно в Бурятии я только и делала, что смотрела — ещё и заставляла свою камеру смотреть. И это было совершенно бесконечное удовольствие. А еще люблю смотреть свои видео. Иногда. У меня в доме практически нет моей живописи, а вот когда смотрю свои видео-работы, я как бы продлеваю, расширяю время. Переношусь в то время, когда я эту работу делала».
Александра Митлянская: от первого лица
Рефик Анадол — Машинные галлюцинации — Природные сны (2021)
Время в видеоарте обретает пластичность: оно замедляется, зацикливается, дробится на осколки. Художник превращает стрелу времени в петлю, заставляя зрителя погружаться в мгновение глубже и глубже.
Видеоарт часто использует эти возможности медиума для погружения зрителя в изменённое состояние сознания. Временные сдвиги и преломления рождают гипнотический ритм, способный ввести смотрящего в лёгкий транс — механизм, схожий с медитацией, где время замедляется, бытие ощущается объёмнее, исчезает «я» и остаётся чистое восприятие реальности.
Именно эту природу медиума раскрывают в своих исследованиях Екатерина Избрехт и Анна Суббота:
— Состояние транса: видеоарт между реальностью и галлюцинацией.
— Медитативное время и дзен в видеоискусстве: Билл Виола и Хироси Сугимото.
Pipilotti Rist. Lungenflügel; Арт-группа Синий суп. Каскад; Douglas Gordon. 24 hour psycho; Nam June Paik. TV Buddha.
Bill Viola, Tristan’s Ascension, 2005
Поговорим о видеоарте?
Стартовой точкой возникновения жанра считается 1965 год, когда художник Нам Джун Пайк купил первый портативный Sony Portapak и отснял папское шествие в Нью-Йорке, тут же показав запись в кафе. На сегодняшний день видеоарт прошёл огромный путь. Теперь это и многоканальные 4K-инсталляции, и видео, небрежно снятые на телефон, и 3D-анимация, и саунд-дизайн, и VR… Границы стёрты: современный художник строит уникальные художественные миры — часто на пересечении с другими формами медиа-арта.
Начните знакомство уже сегодня. Для начала редакция делится небольшой подборкой материалов об истории и теории видеоарта, а также о ключевых его художниках:
— Глобальный кайф: краткая история видеоарта — от авангарда до триумфа. — Видеоарт от А до Я. — Видеоарт и его суперспособности.
Вид экспозиции «Убежище. Заговор тополей. Акт III» в галерее «Виктория»;
Вид экспозиции «Свет идёт из-под земли» в галерее БУДУЩЕЕ / FUTURO.
РУБРИКА: АНОНС
Художники отказываются от линейного повествования и привычной оптики, предлагая зрителю войти в пространство искажения, деформации и «кривых контекстов». Это сознательная стратегия познания мира через его поломку, ошибку, сбой в реальности.
Свежую подборку проектов, исследующих эту оптику, подготовил обозреватель art.mediiia Михаил Арутюнян. В его новом лонгриде — пять выставок от Москвы до Апатитов, объединенных темой преображения материи, сбоя времени и игры со странностями. Делимся краткой выжимкой:
🔹 BIZZARRO Галерея Shift (Москва) | до 28 мая Групповой проект, построенный вокруг метафоры «вывихнутого времени».
🔹 «Время дует. Возмущение материи» PA Gallery (Москва) | до 28 июня Персональный проект Андрея Сяйлева. Андрей Сяйлев конструирует дадаистские аттракционы, где законы физики и хронологии дают сбой. Художник трактует исторический момент как возмущенную материальную массу.
🔹 «Свет идёт из-под земли» *Галерея БУДУЩЕЕ / FUTURO (Москва) | до 22 мая Персональный проект Данила Пирогова. Художник работает с хтоническими, досимволическими образами на грани хаоса и формы.
🔹 «Убежище. Заговор тополей. Акт III» Галерея «Виктория» (Самара) | до 24 мая Проект Кати Горячевой продолжает цикл, посвященный городским деревьям как немым свидетелям и скрытым протагонистам городской жизни.
🔹 «Истории от Папы Карло» ЦСИ «Сияние» (Апатиты) | до 1 мая Фёдор Мухаметшин обращается к архетипу мастера-чудака. Папа Карло здесь не столько сказочный персонаж, сколько философская фигура.
Читайте полную версию с разбором каждого проекта в новом материале по ссылке.
Арт-группа ППСС | Кабинет онейрического психоанализа | 2025
РУБРИКА: ГЛАВНЫЕ ИМЕНА
Продолжаем знакомство с ключевыми фигурами актуального российского искусства.
Арт-группа ППСС — творческий тандем, основанный в 2020 году известным художником и писателем Павлом Пепперштейном и художницей Соней Стереостырски. В своем творчестве авторы исследуют состояние современного общества через призму поп-культурных феноменов. Развивая традиции московского романтического концептуализма и психоделического реализма, группа также задает новое направление — карнавальный концептуализм.
Отличная новость: долгожданный сайт арт-группы на art.mediiia увидел свет в этом месяце. На нем уже доступны лонгриды с описаниями работ, постеры на продажу, а также интервью, в котором участники творческого союза рассказывают о своем совместном пути.
Как институции осваивают инновационные методы, чтобы отвечать вызовам времени?
В подборке Полины Лукиной — 4 книги о том, зачем музеям менять привычные подходы и как они пробуют новые форматы, чтобы не потерять связь с современностью. Вот что она предлагает почитать, чтобы погрузиться в нюансы актуального музейного дела:
• Нина Саймон. Партиципаторный музей. М.: Ад Маргинем Пресс, 2017.
• Клементин Делисс. Метаболический музей. М.: Музей современного искусства «Гараж», 2021.
• Клэр Бишоп. Радикальная музеология, или Так уж «современны» музеи современного искусства? М.: Ад маргинем Пресс, 2014.
• Мультисенсорный музей: междисциплинарный взгляд на осязание, звук, запах, память и пространство. Под редакцией Нины Левент и Альваро Паскуаля-Леоне. М.: Музей современного искусства «Гараж», 2022.
Подробнее читайте в полном лонгриде по ссылке.
Владимир Абих, серия «Субтитры», 2021; Кирилл Кто, «Возможно, эта надпись лишняя…», 2017; Тимофей Радя, «Я бы обнял тебя, но я просто текст», 2013.
В дополнение к выставке «5 углов» — два исследования об уличном искусстве в России.
Первое — обзорный гид по ландшафту российского стрит-арта. Авторы проводят читателя по четырём ключевым городам: Москве, Санкт-Петербургу, Екатеринбургу и Нижнему Новгороду. Вы узнаете, как уличное искусство живёт и дышит в разных городских средах, в чём особенности каждого региона и кто формирует их визуальный облик. Читать исследование — по ссылке.
Второе — исследование с более широкой оптикой: «Текст и шрифт в российском современном искусстве 2010–2020-х годов». В фокусе — работы Владимира Абиха, Тимофея Ради, Кирилла Кто и других. О том, как слово выходит на улицу. Читать исследование — по ссылке.
«Фактически выставка „5 углов“ представляет коллекционеров как провидцев и хранителей живой сути уличного искусства. Их деятельность — акт сохранения импульса, рожденного в городе. Однако проект закономерно ставит сложный вопрос: как собирать и показывать в выставочном пространстве искусство, неотделимое от контекста улицы».
Майкл Арутюнян Выставка «5 углов» в Фонде Ruarts: коллекционирование «уличной волны»
Last chance! Ещё одна выставка, на которую стоит поспешить, — «5 углов» в Фонде Ruarts: уличное искусство из коллекций пяти коллекционеров, продолжающая работу до 10 мая.
Обозреватель art.mediiia, куратор и исследователь Майкл Арутюнян побывал на выставке и составил подробную рецензию.
На переднем плане: Миша Most. ''Android'', 2024. Бронза. Из коллекции Сабины Чагиной ©Пресс-служба Фонда Ruarts
Впереди — майские праздники, удачное время для маршрута по выставкам современного искусства. Какие выставки посетить в мае?
Персональная выставка Дани Пирогова «Свет идёт из-под земли» в галерее БУДУЩЕЕ\FUTURO (на Винзаводе) — масштабный художественный проект 2026 года, исследующий тему погружения в неизвестное, темноту и глубину через образы подземного мира. Художник трансформирует пространство галереи, создавая атмосферную среду, где привычные формы переплетаются с абстракцией.15 апреля — 22 мая
«Кибер-Эдип» — первая за семь лет персональная выставка известного фотохудожника Олега Доу, проходящая в галерее a—с—t—р—a на Винзаводе. Проект исследует тему телесности в цифровую эпоху, превращая человеческие образы в скульптурные, «кибернетические» формы, балансирующие между реальностью и симуляцией. 22 мая — 23 мая
Итоговая выставка 13-го сезона Открытых студий Винзавода «Вы достигли места назначения». Экспозиция представляет работы десяти художников, созданные за полгода работы в арт-резиденции под кураторством Полины Могилиной. Выставка исследует процесс «пути» к финишу через искусство, инсталляции и живопись. 22 апреля — 11 мая
Галерея Ruarts представляет первую персональную выставку «Последняя капля» петербургского граффити-райтера и художника уличной волны — Димы Retro, который активно занимается студийной практикой, экспериментируя с материалами и плоскостями, создавая работы с текстами. 22 апреля — 21 мая
Фотографии экспозиции из рецензии Майкла Арутюняна. Произведениям современных художников противопоставляются копии знаменитых античных скульпторов: Леохара, Поликлета; а также советского скульптора Шадра, в чьем творчестве видно воздействие античности.
На выходных завершила работу выставка «Нетемные века: новеллы о Средневековье и академизмах» — масштабный проект в Доме культуры «ГЭС-2», блистательный пример объединения в одном пространстве наследие прошлого и искусство сегодняшнего дня. В экспозиции соседствовали классическая живопись, произведения модернистов, манускрипты и миниатюры, иконы XII века и работы современных художников.
Путешествие по выставке здесь — вдумчивое блуждание в попытке найти в разрозненных фрагментах и образах прошлого опору для нестабильного настоящего. Как и «Манифеста 10», как и дискуссия о современном искусстве в классическом музее, этот проект показывает, насколько важно это соседство и живой диалог, какой объём смыслов он порождает и как необходимо оглядываться назад, чтобы увереннее определить точку, в которой мы находимся сегодня.
Специально для art.mediiia обозреватель и куратор Майкл Арутюнян подготовил рецензию на выставку с подробным описанием и анализом экспозиции. Благодаря этому материалу можно погрузиться в проект и мысленно прогуляться по нему.
Выставка «Бывают странные сближенья» в Пушкинском музее
Продолжим разговор о диалоге классического музея и современного искусства. На этот раз зададимся вопросом: имеет ли актуальное искусство право соседствовать в одном зале с Давидом?
В 2014 году в программе «Наблюдатель» на канале «Культура» встретились два подлинных знатока, великих человека — Ирина Антонова, советский и российский искусствовед, музейный деятель, телеведущая, с 1963 по 2013 год директор, а с 2013 по 2020-й — президент Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве, и Леонид Бажанов, российский искусствовед, историк искусства, куратор, художник, член-корреспондент Российской академии художеств, заслуженный работник культуры РФ, основатель и руководитель ГЦСИ. Их встреча была посвящена ключевым вопросам музейного дела: «Как сегодня формировать музейную коллекцию?» и «Должно ли искусство выдержать испытание временем, прежде чем обрести признание и право остаться в истории?».
Эта беседа двух мастеров захватывает, подкрепляя уверенность в том, что музей более не может оставаться герметичной, замкнутой на себе территорией. Он вынужден распахивать двери современности — ведь альтернативой становится застывшая обращённость в прошлое, окостенение. Диалог институции с сегодняшним днём — насущная необходимость: именно в этом живом разговоре рождается обновлённый, живой музей. Как же бесценно и пронзительно сейчас, когда этих мудрых собеседников уже нет с нами, вновь вслушаться в их разговор — в мерцающем свете их мыслей обнаружить ответы на вопросы, которые время задаёт нам снова и снова.
Новый Эрмитаж. Зал Геракла. Лара Фаваретто. Без названия. Инсталляция, 2014; Главный штаб. Томас Хиршхорн. Срез. Инсталляция. 2014.
Как современное искусство попадает в классический музей? Что происходит, когда современный художник встречается с «сакральным» залом Эрмитажа, античной колонной или иконой XII века? Конфликт? Оммаж? Или рождение нового смысла?
Сегодня мы погружаемся в большой разговор о том, как современные художники и классические музеи учатся слышать друг друга, и как искусство XXI века рождает напряжённый, поэтичный и необходимый диалог с прошлым.
Начнём с обращения к истории — вспомним «Манифесту 10». Представьте: 2014 год, Санкт-Петербург. На фоне геополитического кризиса в стенах Эрмитажа разворачивается «Манифеста 10». Куратор Каспер Кёниг превращает имперские залы в пространство рифм. Он сознательно отказывается от политического нарратива, чтобы сосредоточиться на главном: диалоге между современным высказыванием и музейным контекстом.
На выставке работы Луиз Буржуа рифмуются с рокайльными ракушками, бетонные блоки вступают в спор с римской скульптурой, а в зале Матисса «Танец» уступает место работам Марлен Дюма, оспаривающим идеалы европейского модернизма. «Манифеста 10» показала: классический музей — не мавзолей, а территория, где возможен диалог, а старые, устоявшиеся правила могут меняться.
Подробный разбор биеннале «Манифеста 10» в Эрмитаже в 2014 году, с анализом взаимодействия современного искусства с классическим музеем, городом и обществом — в исследовании Марии Паниной на art.mediiia.
«Обычно я работаю с геометрическими формами. Это абстрактный язык, на котором заговорили авангардисты прошлого века. Он невольно делает работу артикулированной: форму — дискретной, а связи между элементами — функциональными. Однако предметом своего творчества я вижу не столько супрематический мир, сколько Метафизику, которая может быть выражена абсолютно любой формой. Поэтому я решился на эксперимент многомерного события, в котором участвуют образы реальных предметов и вещей».
Мир легче ловить глаголами Интервью с художником Платоном Инфанте
Платон Инфанте | Интерхрон (Два времени) | 2024 | Выставка «Небесные артефакты» | ГЭС-2
РУБРИКА: ГЛАВНЫЕ ИМЕНА
Платон Инфанте — известный российский современный художник и режиссер, работающий на стыке реального и виртуального пространств. Родился в 1978 году в семье художников Франциско Инфанте и Нонны Горюновой, классиков московского концептуализма и ведущих представителей русского кинетического искусства 1970-2010-х гг.
Художник создает мультимедийные инсталляции, объекты и видео-арт. Центральная тема его творчества — создание многомерного явления, которое можно было бы описать как интуитивный выход на новый метауровень восприятия.
В этом месяце на платформе art.mediiia вышло крупное интервью с Платоном, в котором редакция поговорила с ним о его творческом пути, художественном методе, основных работах.
Ника Хахаева, Из серии «А ты?», 2025; Катерина Киселева, живопись из серии «Шум», 2026; Иван Клековкин, Цветы 2.0, 2025.
«Я ищу контур, в котором могу узнать себя. Пытаюсь найти, зафиксировать и сохранить свою идентичность навсегда, избежав распада и забвения. Это попытка найти устойчивую точку в потоке изменяющегося „я“ и зацепиться за неё. И с каждой новой итерацией я всё больше осознаю, что процесс — это и есть суть».
Ника Хахаева Из серии «А ты?», 2025
Позади марафон апрельских ярмарок — «Арт Москва», Catalog, «ВИН-ВИН», «Архитектура мечты» от Фонда Cosmoscow остались за спиной. Что делать, если вы не успели поймать тот самый ритм, не нашли «своего» художника или чувствуете, что коллекционная жажда только разгорелась?
Отличный повод нырнуть в онлайн-галерею современного искусства — маркетплейс shop.mediiia.com. Здесь собраны работы актуальных российских авторов, которые ждут своего главного ценителя.
А чтобы вы не потерялись в многообразии, редакция создала для вас авторскую подборку вдохновляющих произведений, от которых невозможно оторвать взгляд. Листайте, вглядывайтесь, влюбляйтесь:
Ксения Анненко, Из серии «Зайчики», 2024 Катерина Киселева, живопись из серии «Шум», 2026 Ника Хахаева, Из серии «А ты?», 2025 Елена Власова, «back side of the spaces’6», 2024 София Чичкина, «Перекличка», 2025 Иван Клековкин, «Цветы 2.0», 2025
РУБРИКА: АНОНС
Грядущие выходные обещают быть насыщенными: глаза разбегаются от обилия вариантов. Параллельно проходит сразу несколько крупных событий в мире современного искусства и театра. Редакция делится подборкой:
Арт Москва в Гостином дворе. 22-26 апреля. XXIII международная ярмарка современного, классического и ювелирного искусства АРТ МОСКВА — ключевое событие года для коллекционеров, ценителей и профессионалов арт-рынка. В апреле 2026 года ярмарка будет праздновать 30 лет со дня основания. В ней примут участие свыше ста тщательно отобранных участников — от крупнейших российских и зарубежных галерей до начинающих художников, чьи работы уже успели заинтересовать ведущие мировые культурные институции.
Эхо фестиваля {Танец без ума от себя и от любви} в Музее «Гараж». 24–26 апреля. «Танец без ума от себя и от любви» — фестиваль современного танца в Санкт-Петербурге, объединяющий перформансы, лаборатории и другие способы практиковать танец. В эти выходные события из его программы покажут в Музее «Гараж». Зрителей ждут движущиеся тела, исследующие саму суть современного танца сегодня — в самом широком смысле этого понятия.
«Фестиваль молодой драматургии» в Театре.doc. 22-26 апреля. В выходные состоится основная программа фестиваля на двух площадках театра — Док Industrial и Док на Лесной. В планах — режиссёрские читки самой актуальной современной русскоязычной драматургии, пьесы из шорт-листа и других конкурсных программ Независимого фестиваля драматургии «Любимовка».
«Тон-ФесТ». 23–30 апреля. В этом месяце открылась интригующая площадка — новый центр концентрации современного искусства «Тон-центр» на Комсомольской площади. В честь запуска центр приглашает на ежегодный Фестиваль молодого искусства, объединяющий музыку, театр, фотоискусство и хореографию. Это пространство для экспериментов молодых авторов. Программа насыщена мультидисциплинарными высказываниями — от саунд-инсталляций и концертов до медиаций и дискуссий.
Александр Джикия. Я с рыбой, 1993
РУБРИКА: ГЛАВНЫЕ ИМЕНА
Ещё один выдающийся российский художник, которого стоит открыть для себя, — Александр Джикия, график, дизайнер, архитектор и действительный член Российской академии художеств. В его графике органично сплелись алогизм, ирония и драматизм, поэтическое переосмысление реальности и глубокий интерес к античности.
В цифровом каталоге художника на art.mediiia «живут» его легендарные кальки — произведения, напоминающие сюжеты снов, пронизанные глубокими и парадоксальными образами.
Быть художником — это не значит делать большие бессмысленные объекты на продажу. Главное для художника — пытаться понять, что вокруг происходит и чем он занимается. Но так как вокруг всё беспрестанно меняется, тебе всю жизнь приходится переопределять для себя смысл своего художества.
Искусство — это смысл. Интервью с художником Александром Шабуровым
Выставка «Кухонный супрематизм» в Государственной Третьяковской галерее, 2006.
Из серии «Русские чудища», 2012.
14 перформансов в бункере. Кадр из видео, 1999
РУБРИКА: ГЛАВНЫЕ ИМЕНА
1999 год, Москва. Александр Шабуров и Вячеслав Мизин создают легендарную для российского контекста современного искусства арт-группу «Синие носы». Художники сознательно противопоставили элитарному концептуализму новое «народническое» искусство, сделанное «на коленке» и понятное «простодушным обывателям». В работах они активно перерабатывали образы масскульта и использовали приёмы интернет-фольклора, возводя в гротеск и осмеивая как «высокое» искусство ХХ века, так и актуальные проблемы, повсеместно присутствовавшие в их повседневности.
В марте на платформе art.mediiia вышло свежее интервью с Александром Шабуровым, художником, участником и сооснователем группы «Синие носы». В нём он поделился размышлениями о том, существует ли «современное искусство», можно ли стать «великим художником», живя в провинции, и историей возникновения группы «Синие носы». Приглашаем к прочтению!
Время, вероятно, уходит впустую, если не разметить его именами событий, вещей и явлений. Предшествующие номера ХЖ только фиксировали первые симптомы наступавшей декады, эти же призваны решительно сформулировать ее понятия — жест перформативный, ведь эпоха лишь подобралась к своему экватору. Сейчас, взирая на это упражнение авторов ХЖ из другого десятилетия, мы понимаем, что постфактум оно оказалось подведением итогов перед наступлением других времен (которые с тех пор сменились не раз и не два).
Александр Писарев Обзор ХЖ 91/92. Глоссарий 2010-х
Разворот журнала WAM № 8–9
Развиваем насмотренность дальше. Где искать ключи к отечественной арт-сцене и где узнать о художниках, которые развивали российское современное искусство у самых истоков и сформировали фундамент для его развития сегодня?
Вот два источника, которые могут пригодиться:
Первый — сдвоенный номер журнала WAM № 8/9 «Художники начала века». Это журнал-книга в переплёте, где собрано более пятидесяти имён, без которых сегодняшнюю московскую арт-сцену вообразить невозможно. Этот сборник, выпущенный в году, посвящен московскому актуальному искусству начала века. В выпуск вошли произведения наиболее активной и оригинальной части столичного арт-сообщества тех лет. Представленные работы иллюстрируют основные тенденции, сформировавшие облик отечественного искусства нового тысячелетия в самом его начале. Подробнее прочитать о журнале можно по ссылке.
Второй — «Художественный журнал» (2013, № 91/92), сразу два выпуска глоссария 2010-х. Замысел авторов был в том, чтобы не просто зафиксировать симптомы наступавшей декады, но решительно сформулировать её понятия. Первая часть описывает опыт протестных движений 2011–2012 годов — «пробуждение политического»: от новых течений до переосмысленных забытых категорий, а вторая часть посвящена новым поэтикам. Следующие статьи выходят за рамки осмысления 2010-х, рисуя масштабную картину наступления нового этапа в развитии искусства. Ссылки на первый и второй выпуск на сайте Художественного журнала.
«Все напоказ?» — блестящий пример того, как современное искусство внедряется на территорию усадеб, препарирует их локальные истории, переосмысляет судьбы жильцов, выводя необычные смыслы и производя оригинальные, трогающие душу, образы. Проект выступает в роли тонкого реставратора памяти Замоскворечья и является достойным образцом так называемого альтернативного или художественного краеведения, в котором формы искусства и формы социогуманитарных наук кристаллизуют новое историческое знание.
Майкл Арутюнян Выставка «Все напоказ?»: Легенда о доме, который помнит всех
Виды экспозиции выставки «Все напоказ?»
РУБРИКА: АНОНС
В продолжение разговора о работе с памятью в современном искусстве призываем вас не упустить возможность посетить выставку «Всё напоказ?» в усадьбе XVIII века под кураторством Ирины Горловой и Марии Салиной.
Экспозиция стала результатом коллективного художественно-исторического краеведческого исследования. В его рамках художники взаимодействовали с памятью места — историей самой усадьбы — обращаясь как к универсальным темам забвения и диалога между прошлым и настоящим, так и к сюжетам личной памяти, ностальгии по ушедшему.
Выставка открыта до 30 июня 2026 года по адресу: 1-й Казачий переулок, д. 6/1. Регистрация — на сайте.
Различные методы работы с памятью и историей стали явной тенденцией в искусстве начиная с 60-х годов. С одной стороны, это был способ осмысления беспрецедентного травматического опыта XX века (Вторая мировая война и Холокост, распад старых государств и создание новых). С другой стороны — реакция на мировые процессы глобализации и ускорения… Обращение к памяти может быть как способом проживания травматических ситуаций прошлого, так и ностальгией по утерянному раю.
Екатерина Иваницкая Введение. Места памяти: формы и методы работы в современном искусстве
РУБРИКА: ТЕОРИЯ И ФИЛОСОФИЯ
«Места памяти» (фр. lieux de mémoire) — концепция французского историка Пьера Нора, обозначающая материальные (памятники, музеи, архивы) или символические (гимны, события, исторические личности) объекты, которые хранят коллективную память группы или нации. Они возникают, когда живая память исчезает, и общество начинает целенаправленно фиксировать наследие.
О том, как современные художники работают с памятью и историей — визуальное исследование Екатерины Иваницкой.
Айлбхе Ни Бриайн «Интервал V», 2023
РУБРИКА: РАЗБОР РАБОТЫ
В продолжение разговора о синтезе живописи и инсталляции, расскажем о работе «Зимний путь» Ансельма Кифера (2015-2020). Автор в пространстве выставки конструирует мизансцену, в которую зритель может войти. Художник смешивает медиумы — внутри этой среды живопись (становящаяся подобием театральных декораций) соседствует с реальными объектами: госпитальной койкой, ржавым автоматом и грибами, подписанными именами немецких поэтов. Перед зрителем возникает фантомный лес, словно из сказок братьев Гримм. Отправной точкой для создания работы стал предсмертный цикл композиций Шуберта. Художник работает с памятью и травмой — в произведении переплетены мотивы немецкого романтизма с трагедиями послевоенного терроризма. Этот мрачный пейзаж, где лес оборачивается военно-полевым госпиталем, а тюремная палата — призрачным лесом снов, напоминает о трагедии Второй мировой, превращая романтический пейзаж в гротескную рифму к руинам истории.
Выставка «Обе белые» — сложное хронологическое высказывание. Название проекта отсылает к известному психологическому эксперименту в СССР 70-х годов, в котором испытуемым предлагалось назвать цвет пирамиды.
КУРАТОРСКАЯ КОЛОНКА: О ВЫСТАВКАХ
Простой и звонкий пример выставки, в которой использована описанная в исследовании стратегия помещения живописи в инсталляцию, — выставка художника Владимира Потапова «Обе белые».
Третья часть выставки представляет разрушенные стены выставочной галереи, за которыми обнажаются исторические стены здания, на которых расположены «белые» работы (выполненные путем соскабливания грунта с холста).
Маргарита Варакина. «Живопись как часть инсталляции в современном искусстве», 2022
РУБРИКА: О МЕДИУМАХ
Синтез живописи и инсталляции: как картина перестаёт быть отдельным объектом?
Сегодня современное искусство всё чаще заставляет нарушить дистанцию между зрителем и произведением, приглашает его обойти произведение или вовсе войти внутрь живописного пространства. Полотно обзаводится экспозиционной средой, двухмерное и трёхмерное переплетаются, меняя зрительский опыт просмотра.
Визуальное исследование Маргариты Варакиной рассматривает проекты, где встречаются живопись и инсталляция. Через примеры разных работ автор демонстрирует, насколько разными могут быть подходы к их соединению.
2026 год обещает стать триумфом масштабных зарубежных выставок, которые определят новые векторы в мировом искусстве. Культурная повестка активно смещается к глобальному диалогу и переосмыслению наследия великих авторов.
Майкл Арутюнян art.mediiia рекомендует: главные зарубежные выставки 2026 года
РУБРИКА: АНОНС
Практика насмотренности — ещё один важнейший инструмент в постижении современного искусства. Именно через регулярный контакт с живым высказыванием формируется оптика: важно ходить на выставки, изучать разные подходы, сравнивать, спорить с увиденным и выявлять то, что откликается лично вам.
Специально для art.mediiia Майкл Арутюнян, куратор-исследователь, обозреватель раздела «музеи и галереи» и преподаватель, подготовил дайджест самых ожидаемых зарубежных выставок 2026 года, среди которых несколько значимых проектов современного искусства, точно заслуживающих внимания. Отправляетесь в путешествие? Берите на заметку и отмечайте в календаре главные выставки года по всему миру!
Рубеж XX и XXI веков был переломным периодом для искусства, когда интеллектуальное поле захлестнула волна постмодернизма. Казалось, что кроме гнетущих сомнений и язвительных выпадов искусство больше ни на что не способно. Но время идет, и несмотря на то, что первая четверть нового века тоже выдалась непростой, художники показали, что «прекрасное» по-прежнему на многое способно.
Александра Першеева Искусство XXI века. 25 художников, которых вам нужно знать
РУБРИКА: ГЛАВНЫЕ ИМЕНА
С чего начать погружение в искусство XXI века? Пожалуй, самое эффективное — делать это не с попытки объять всё разнообразие художественных практик, а со знакомства с фигурами, которые его сформировали.
Искусство сегодня, кажется, может быть чем угодно: коллективным взаимодействием, научным экспериментом, медитативной практикой, работой с травматической памятью или коллаборацией с нейросетью. Кто же те авторы, чьи жесты и концепции определили ландшафт сегодняшнего дня?
В статье «Искусство XXI века» Александры Першеевой, академического руководителя программы «Современное искусство» в Школе дизайна НИУ ВШЭ, кандидата искусствоведения и режиссера, — 25 ярких современных художников. Через их практики вы увидите спектр актуальных медиумов и стратегий, уловите тектонические сдвиги эпохи и поймёте, на каких языках говорит современность.
Аниш Капур. Погружение (Descension). 2014