Концепция
На протяжении веков художники скульпторы и архитекторы создавали произведения, рассчитанные на долговечность. Работы из мрамора, масляная живопись, фрески, мозаики — всё было расчитано на сохранность в течение веков. Эллинистический шедевр Ника Самофракийская или фреска Леонардо да Винчи «Битва при Ангиари», задуманная как самое большое его произведение, но утраченная из-за технологических экспериментов, — всё это примеры "борьбы со временем".
В XX веке ситуация изменилась. Некоторые мастера стали сознательно выбирать недолговечные материалы и уничтожать свои же произведения. Лэнд-арт, перформансы и другие эфемерные виды искусства стали распространённой практикой. Процесс разрушения перестал рассматриваться как недостаток и стал частью идеи автора. Если раньше потеря произведения считалась недостатком, то теперь она стала частью художественного замысла. Преходящий характер работы превратился в её концептуальную основу, что отражает изменение представления о роли искусства и его взаимодействии со временем.
Ника Самофракийская (ок. 190 до н. э.)
Мой интерес к теме эфемерности в искусстве возник из личного наблюдения: посещая музеи и читая книги по истории искусства, я заметила, как художники всё чаще стали экспериментировать, использовать скоропортящиеся материалы и не бояться утраты собственных произведений.
Питер Пауль Рубенс. Копия (1603) фрески Леонардо да Винчи «Битва при Ангиари» (1503-1506)
Основу исследования составили работы, разделённые на четыре тематических блока, каждый из которых написан в хронологическом порядке:
Эфемерность: эксперименты с формой и материалами Курт Швиттерс, «Мерцбау» (1923-37) Наум Габо, «Конструкция в пространстве: два конуса» (1936-68) Ева Гессе, 'Sans III' (1969) Аня Галлаччио, 'Intensities and Surfaces' (1996)
Эфемерность: диалог с окружающей средой Энди Голдсуорти, «Дождевая тень» (1984, 2024) Мотои Ямамото. Соляные инсталляции (1998-2000е)
Эфемерность: критика современного общества Густав Мецгер. Первая публичная демонстрация саморазрушающегося искусства (1960) Жан Тэнгли, «Оммаж Нью-Йорку» (1960) Зои Леонард, «Странный фрукт» (1992-97) Аня Галлачио, «Сохранить „красоту“» (1991–2003) Мона Хатум, «Карта» (1998) Олафур Элиассон, «Ледяные часы» (2014) Бэнкси, «Девочка с воздушным шаром» (2018)
Эфемерность: прощальный жест Джон Балдессари, «Проект “Кремация”» (1970) Майкл Лэнди, 'Break Down' (2001) и 'Art Bin' (2010)
Для анализа работ я больше всего обращалась к книге 'Lost Art' от галереи Тейт, также мною были использованы другие текстовые источники и онлайн-ресурсы, содержащие информацию об архивных произведениях художников и скульпторов.
Ключевой вопрос исследования: почему современные художники сознательно отказываются от традиционных материалов, выбирая разрушение как форму высказывания — и что это говорит о нашей эпохе? Гипотеза: эфемерность в современном искусстве трансформировалась в осознанный художественный язык, отражающий новые формы диалога со временем, природой и обществом.
1. Эфемерность: эксперименты с формой и материалами
Курт Швиттерс, «Мерцбау», фото: Вильгельм Редеманн (1933)
Курт Швиттерс — немецкий художник-авангардист, работавший в таких направлениях как дадаизм, экспрессионизм, сюрреализм. «Мерцбау» (1923–1937) — одно из его ключевых произведений. Инсталляция представляла собой постоянно трансформирующееся пространство из найденных объектов, обрывков бумаги и бытового мусора, превращённых в сложную абстрактную композицию. Работа была уничтожена во время Второй мировой войны, но её реконструкция находится в Музее Шпренгеля.
«Есть что-то уникально притягательное в произведениях искусства, которые существуют лишь недолго, прежде чем исчезнуть навсегда. Эти временные произведения заставляют нас присутствовать — по-настоящему видеть и переживать их в данный момент — потому что вскоре они будут существовать только в памяти и документации.
В отличие от постоянных инсталляций, эфемерные работы отражают саму жизнь: Мимолетные. Неповторимые. Драгоценные…» (фотограф Ноа Калина).
Наум Габо — художник и скульптор, один из представителей конструктивизма и кинетического искусства. В своих работах он использовал инновационные для XX века материалы, однако не всегда его эксперименты были удачными.
«В 1960 году реставраторы в Музее искусств Филадельфии заметили капли конденсата на „Конструкции в пространстве: два конуса“ — первые признаки того, что скульптура начала разрушаться. В некоторых частях появились трещины, а пластиковое основание и центральный элемент были сломаны. Была проведена реставрация, но произведение продолжало разрушаться... Художник посчитал, что ремонт невозможен, и, отказавшись тогда признать, что проблема может быть в самом материале, обвинил в ухудшении музейные условия хранения. Габо вернул скульптуру в музей, но только после того, как создал шаблоны различных элементов. Затем он использовал их для изготовления копии. В 1977 году он представил её галерее Тейт в Лондоне».
Наум Габо, «Конструкция в пространстве: два конуса» (реплика 1968), фото: Тейт
Все виды пластика со временем разлагаются, но делают они это с разной скоростью в зависимости от состава и факторов окружающей среды.
«Признаки ухудшения скульптуры из Тейт были впервые замечены в 1980 году: работа источала сильный запах уксуса, и вскоре на её поверхности появились капли влаги, похожие на пот. К 1982 году большая часть клея, скреплявшего части пластика вместе, разрушилась под давлением деформирующихся частей. Пять лет спустя основание было деформировано, и два угла были сломаны. Чёрное основание скульптуры было расколото и деформировано. Секции начали разделяться на составляющие слои. Исследования показали, что ухудшение версии Тейта «Конструкция в пространстве: два конуса» было вызвано изъяном в материалах, а условия хранения стали дополнительным катализатором.
Реставраторы Тейт заказали голографию работы в 1987 году. Оригинальное произведение и её копия представляют собой сломанные осколки и искаженные фрагменты, и с согласия наследников художника они теперь классифицируются как не подлежащие экспонированию".
Ещё одним материалом, с которым экспериментировали современные художники, был латекс. К примеру, его часто использовала Ева Гессе в своём творчестве.
В январе 1969 года была завершена её работа 'Sans III' — цепочка из 49 связанных латексных коробок, свисавших вертикально до пола. Французское слово sans («без») можно понимать двояко: как указание на пустоту внутри объектов или на их роль внешней оболочки («резинового скелета»). Изначально американская художница и скульптор-абстракционист создавала латексные слепки, но затем стала экспериментировать с цветом и прозрачностью материала, добавляя пигменты и наполнители. Не имея образования скульптора, она использовала латекс подобно краске, нанося его слоями на гипсовые формы. Каждый слой требовал не меньше 30 минут для высыхания, поэтому изготовление всех 49 элементов 'Sans III' оказалось трудоёмким процессом.
Ева Гессе, «Sans III» (копия)
«Натуральный эластичный материал, получаемый из деревьев, подвержен непрерывной, но непредсказуемой деградации. Изменения могут быть вызваны температурой, светом, кислородом или озоном, физическим напряжением и контактом с металлами, но ход и скорость деградации изменчивы. В зависимости от того, разрываются ли молекулярные связи, составляющие полимерные цепи, или соединяются вместе, испорченный латекс может стать порошкообразным, хрупким, смолистым, липким или даже жидким. Однако Гессе чувствовала, что ее непосредственная потребность в использовании материала важнее, чем опасения по поводу того, как скульптуры изменятся с годами. Она работала в период, когда идея произведения искусства как драгоценного и постоянного объекта оспаривалась многими современниками, и хотя ей хотелось, чтобы скульптуры сохранялись, у неё также не было возражений против их разрушения со временем». Незадолго до своей смерти от опухоли мозга она сказала:
«Жизнь не вечна; искусство не вечно. Это не имеет значения».
После 1997 года было обнаружено, что цепь порвалась, а коробки смялись. «Потемневшая и хрупкая, работа не подлежала ремонту (она не только изменилась внешне, но и не могла больше выдерживать собственный вес, когда висела на стене)».
⠀
С эфемерностью работает и Аня Галлачио — британская художница шотландского происхождения. Для работ она часто использует органические материалы (например: лёд, розы, яблоки) и даёт им разлагаться естественным образом.
Аня Галлаччио, «Intensities and Surfaces» (1996)
«После более чем десятилетия создания инсталляций Галлаччио практически нечего предъявить. Её многочисленные инсталляции и мимолетные скульптуры оказались не в коллекциях музеев и ценителей искусства, а в мусорном ведре. Осталось лишь несколько следов и снимков как доказательство того, что она вообще что-то создала, и они недостаточны в качестве доказательств. Так что, в конце концов, её работа живёт только в своеобразном музее наших воспоминаний» (куратор Ральф Ругофф).
2. Эфемерность: диалог с окружающей средой
Лэнд-арт — направление в современном искусстве, в котором художники работают с природными материалами и ландшафтом, создавая произведения, часто существующие лишь временно, подчиняясь естественным циклам природы. Такой процесс творчества можно назвать диалогом между человеком и окружающей средой.
Энди Голдсуорти — один из представителей лэнд-арта. В своих произведениях он передаёт хрупкость и изменчивость планеты. «Дождевая тень карьера Колбрук» — это мимолётный отпечаток человеческого присутствия в природном ландшафте. Художник расположился на дне заброшенного карьера во время дождя, позволив каплям омывать его тело, но не землю под ним — так появился сухой силуэт, постепенно исчезающий по мере намокания земли. Работа, существующая лишь на фотографиях, заставляет задуматься о том, что значит оставить свой след, которому суждено исчезнуть.
Энди Голдсуорти, «Дождевая тень карьера Колбрук» (2024)
Соль, ещё один природный материал, использует японский художник Мотои Ямамото для создания инсталляций и в последний день каждой выставки, при помощи зрителей, разрушает свои работы и возвращает материал в море.
Мотои Ямамото, инсталляция «Utsusemi» (2006) и «Коридор воспоминаний» (1998)
«Я продолжаю творить, чтобы не потерять воспоминания о своей семье. В 1994 году моя 24-летняя сестра умерла от опухоли мозга, а моя жена, которая была рядом со мной 25 лет, умерла от рака груди в 2016 году. Чувствуешь шок и боль, когда что-то важное, что должно существовать, исчезает у тебя на глазах. Не важно, насколько сильно ты хочешь воссоединиться — это реальность, которая никогда не изменится. Многие из моих работ представляют собой инсталляции огромных узоров, нарисованных солью. Сидя на полу и проводя долгие часы за рисованием, возможно, я пытаюсь сохранить воспоминания, которые со временем тускнеют. Я создаю работы, чтобы защититься от забвения, ищу убедительную форму принятия, чтобы смириться с расставанием» (Мотои Ямамото).
Мотои Ямамото, процесс работы, фото: Макото Моримура / Мотои Ямамото, «Лабиринт» (2012), фото: Yatzer
3. Эфемерность: критика современного общества
Густав Мецгер (1926–2017) — британский художник польско-еврейского происхождения, разработавший концепцию «саморазрушающегося искусства», ставшую одним из художественных манифестов XX века. Его идеи сформировались под влиянием личного опыта (бегство от нацизма) и протеста против ядерной угрозы Холодной войны.
«Первая публичная демонстрация “саморазрушающего искусства” Густава Метцгера состоялась в галерее Темпл в Лондоне 22 июня 1960 года. В начале представления художник был невидим для своей аудитории, отделённый от неё большой стеклянной панелью, на которой был натянут лист белого нейлона. Затем, используя модифицированную кисть, Метцгер нанес на ткань раствор соляной кислоты. Когда нейлон вступил в контакт с кислотой, он немедленно растворился, создав на стекле закрученное клееподобное покрытие, через которое художник медленно становился видимым для зрителей».
