Японский оверсайз: от утилитарности до современных трендов
1. Введение
В современном глобальном медийном пространстве силуэт oversize воспринимается как универсальный и повсеместный, часто лишаясь своего первоначального глубинного смысла. Как форма, генетически связанная с утилитарностью, послевоенной бедностью и аскетизмом, смогла трансформироваться в один из самых влиятельных и интеллектуально насыщенных языков современной моды? Японский оверсайз представляет собой идеальный объект для анализа, поскольку позволяет через конкретный визуальный элемент — силуэт — исследовать более широкие культурные процессы: диалог между восточной и западной эстетическими системами, переопределение понятий роскоши, красоты и телесности, а также механизмы адаптации традиционных принципов в глобальном контексте. Таким образом, исследование направлено на то, чтобы увидеть за модным «трендом» сложную историческую и смысловую ткань и понять, почему именно японская интерпретация формы оказала такое революционное влияние на мировую моду.
Центральным вопросом данного исследования является следующий: каким образом традиционная японская эстетика, принципы кроя и философия одежды, сформированные утилитарными и духовными практиками, были реконтекстуализированы японскими дизайнерами во второй половине XX — начале XXI века и привели к глобальному утверждению оверсайза как языка сдержанности, свободы и новой телесности? На основе этого вопроса выдвигается основная гипотеза: японский оверсайз является не столько стилистическим приёмом, сколько результатом сознательной художественной стратегии. Эта стратегия основана на деконструкции и переосмыслении локальных традиций (будь то рабочий костюм или церемониальное кимоно) в диалоге и полемике с западной модной системой. Подобная трансформация позволила перевести утилитарные и духовные категории — такие как скромность, асимметрия, принцип «ма» (работа с пространством) и эстетика wabi-sabi — в плоскость мощного актуального высказывания. В результате отказ от подчёркивания тела стал восприниматься не как отсутствие дизайна, а как новая форма эстетической и этической роскоши в глобальной культуре.
Принцип отбора визуального материала строится на критериях репрезентативности и контрастности, что необходимо для полноценного раскрытия темы. Материал структурирован в три ключевых блока. Первый блок составляют исторические и этнографические источники: фотографии, гравюры и музейные экспонаты, демонстрирующие традиционную японскую одежду (кимоно, хаори, юката) и рабочую униформу (нораги, монпэ). Их цель — визуально зафиксировать истоки силуэта, плоский крой и отношение к телу как к объёму, а не как к объекту для облегания. Второй блок — архивные модные образы — включает каталожные снимки и редакционные фотографии ключевых коллекций японских дизайнеров-авангардистов 1980-1990-х годов, в частности, Rei Kawakubo (Comme des Garçons), Yohji Yamamoto и Issey Miyake. Акцент делается на тех кадрах, которые наиболее ярко демонстрируют революцию в пропорциях, асимметрию, деструкцию формы и «бедность ткани», ставшую художественным жестом. Третий блок посвящён современному контексту: в него входят рекламные кампании, lookbook’и и стритстайл-фотографии из Токио, представляющие как наследников авангарда (Sacai, Maison Mihara Yasuhiro), так и бренды, популяризирующие философию оверсайза в массовом сознании (Uniqlo U, Visvim). Этот блок позволяет проследить эволюцию и интеграцию феномена в повседневную культуру.
Структура самого исследования следует хронологически-тематическому принципу, двигаясь от исторических предпосылок к современным интерпретациям. После введения, где формулируются проблема, цель, ключевой вопрос и гипотеза, следует раздел «Историческая база». В нём анализируются визуальные и концептуальные истоки явления. Далее, в разделе «Деконструкция и переосмысление», фокус смещается на визуальный анализ «авангардного взрыва» 1980-х как момента радикального разрыва с западными канонами. Раздел «Постмодернистская эстетика» исследует синтез традиций, высоких технологий и глобального контекста в практике современных брендов. Центральным элементом станет часть «Визуальный анализ», которая будет представлена в виде сравнительной таблицы или серии коллажей, непосредственно сопоставляющих конкретные визуальные параметры (силуэт, линию плеча, драпировку) традиционного кимоно и современной оверсайз-вещи, например, пальто Yamamoto или парки из линейки Uniqlo U.
Принцип выбора и анализа текстовых источников направлен на создание прочного теоретического каркаса для интерпретации собранного визуального ряда. В приоритете находятся первоисточники — манифесты, эссе и интервью самих дизайнеров, чьи слова помогают понять интенции, стоящие за визуальными образами. Критически важны ключевые академические работы историков и теоретиков моды, которые непосредственно занимались анализом японского авангарда и его места в культурном ландшафте. Для углублённого понимания контекста привлекаются труды по традиционной японской эстетике (wabi-sabi, ma) и постмодернистской философии культуры. Наконец, актуальная аналитика из авторитетных отраслевых изданий позволяет зафиксировать contemporary-контекст и дискурс вокруг современных брендов. Анализ текстов будет направлен на выявление ключевых понятий и нарративов, которые затем станут инструментом для «чтения» визуальных образов. Цитаты будут применяться точечно, для подтверждения или иллюстрации собственных выводов, сделанных в результате сравнительного визуального анализа.
Итоговой целью данного визуального исследования является создание целостной и аргументированной картины, в которой текстовые и визуальные источники вступают в постоянный диалог. Через сопоставление исторических фотографий, эскизов, современных рекламных образов и теоретических выкладок я стремлюсь сделать процесс трансформации японского оверсайза — от утилитарной практики ремесленников до глобального культурного кода — наглядным, убедительным и интеллектуально насыщенным. Это позволит показать, что за кажущейся простотой свободного силуэта скрывается сложная история, философия и сознательный художественный жест, бросивший вызов общепринятым нормам и изменивший саму оптику восприятия одежды в мире.
2. Историческая база: Истоки японского силуэта — от драпировки к философии формы
Истоки эстетики японского оверсайза неразрывно связаны с фундаментальными принципами национального костюма, сформированными веками. Его главная отличительная черта — отношение к телу не как к объекту для облегания и демонстрации, а как к объёму, организующему пространство вокруг себя. Это отношение произрастает из трёх ключевых пластов: традиционного церемониального и повседневного костюма (кимоно и его формы), сугубо утилитарной рабочей одежды крестьян и ремесленников, и, наконец, глубокой символической системы, в которой материя, крой и ношение наполнены культурным и этическим смыслом. Этот раздел исследует эти пласты, демонстрируя, как они подготовили почву для революционного переосмысления одежды японскими дизайнерами XX века.
2.1. Традиционный костюм: Плоский крой, прямые линии и принцип «ма»
Историческое развитие японской одежды привело к утверждению плоского кроя в качестве доминанты. В отличие от западного костюма, стремящегося смоделировать трёхмерную форму тела с помощью сложных конструктивных швов и вытачек, традиционная японская одежда строится на прямоугольных полотнищах ткани, которые драпируются и фиксируются на теле с помощью пояса (оби). Прототипом этого подхода можно считать древнейшие формы вроде «кантои» (яп. 貫頭衣) — простого полотна с отверстием для головы, распространённого ещё в период Дзёмон. Эта базовая идея получила своё совершенное воплощение в кимоно (букв. «вещь для ношения»).
Эволюция кимоно как основного вида одежды завершилась в период Эдо (1603–1868 гг.), когда «косодэ» (малый рукав) из нижнего белья аристократии превратился в универсальную верхнюю одежду всех сословий. Его конструкция гениальна в своей простоте: прямые швы, Т-образный силуэт, отсутствие застёжек. Тело не подгоняется под одежду; напротив, одежда, будучи по сути «плоской» в развёрнутом виде, создаёт вокруг тела динамичное пространство — то самое «ма» (間). «Ма» — это не просто пустота, а активная, значимая пауза, промежуток, порождающий напряжение и гармонию. В контексте одежды «ма» — это воздух, движение, свобода между тканью и кожей. Этот принцип напрямую отрицает западную идею «второй кожи», предлагая вместо неё «персональную архитектуру».
Эстетика периода Эдо, особенно в городской культуре, развила эту идею в концепцию «ики» (粋) — утончённой, сдержанной элегантности. «Ики» выражалось не в броской роскоши, а в тонкой игре оттенков, фактур и намёков. Например, огромную популярность в среде горожан приобрели полосатые и клетчатые узоры (縞, сима). В условиях строгих законов, запрещавших роскошь (как, например, в период реформ Кансэй и Тэмпо), полоска стала остроумным ответом. Она была формально скромной, но позволяла создавать бесконечное разнообразие рисунков — от простой «такисима» (полоска «водопад») до сложных именных клеток, таких как «Китиэмон-госи» (клетка Китиэмона). Полоска визуально вытягивала силуэт, что соответствовало моде на стройность, и в то же время скрывала контуры тела, подчиняя их абстрактному геометрическому ритму. Это был первый шаг к тому, чтобы узор и крой, а не форма тела, стали главными выразительными средствами.
Помимо кимоно, существовали и другие формы, закрепившие принцип свободного силуэта. Хаори (куртка-накидка поверх кимоно) и простая летняя юката сохраняли ту же прямоугольную логику. Их можно рассматривать как исторические прообразы современного оверсайз-пиджака или халата — предметов, которые не облегают, а набрасываются поверх, создавая новый, независимый контур.
2.2. Утилитарность и долговечность: Одежда труда как источник формы
Параллельно с эстетикой аристократии и горожан развивался мощный пласт утилитарной одежды рабочего класса — крестьян, ремесленников, строителей. Здесь функциональность была абсолютным императивом, и именно в этой среде сформировались многие черты, позже канонизированные как «японская эстетика».
Крестьянская одежда регламентировалась властями и для её изготовления предписывалось использовать простые и доступные ткани, такие как лён и хлопок. Главными требованиями были прочность, удобство в работе и защита от непогоды. В ответ на эти требования родилась техника «сасико» (刺し子) — стёжка в несколько слоёв грубой ткани. Изначально чисто утилитарная, эта стёжка со временем эволюционировала в сложные декоративные узоры, несущие символический смысл (пожелания урожая, защиту от злых сил), демонстрируя превращение ремесленной необходимости в искусство.
Классические примеры рабочего костюма
«Нораги» (野良着): многослойная куртка-халат полевого работника. Часто перешивалась из старых кимоно, бесформенная, с широкими рукавами, подпоясанная просто пояском-веревкой. Её силуэт — чистый оверсайз, продиктованный необходимостью активного движения и ношения нескольких слоёв в холод.
«Монпэ» (もんぺ): широкие штаны, стянутые у щиколоток, — рабочая униформа японских крестьянок XX века. Их мешковатая форма, позволявшая свободно приседать и наклоняться, стала позднее мощным символом и отправной точкой для дизайнерских экспериментов.
Деним: хотя джинсовая ткань пришла с Запада, её японская рецепция в XX веке была глубоко осмысленной. Японские мастера восприняли её не как материал для молодёжного бунта, а как современный аналог прочной рабочей ткани, достойный детального изучения и совершенствования. Культура японского денима с его вниманием к весу ткани, методам крашения индиго и архаичным методам ткачества (например, на станках с летучим челноком) — это прямая реинкарнация философии «нораги» и «сасико» в современном контексте. Это уважение к материалу и процессу, возведённое в абсолют.
Именно из этого мира грубых тканей, функциональных силуэтов и этики «сделано на века» японские дизайнеры-авангардисты почерпнули мотив «бедности» и аскетизма, наполнив его, однако, высоким художественным смыслом.
2.3. Символика: Сдержанность, уважение к материалу и отказ от телесности
Третий, смысловой пласт, объединяющий аристократический кимоно и крестьянское «нораги», — это система ценностей, в которой одежда является не отражением индивидуального тела, а выражением социальных отношений, уважения к природе и духовной дисциплины.
Уважение к материалу — традиция видит в ткани не пассивную субстанцию, а живой материал с собственной историей и душой.
Техника крашения индиго (藍, аи) — ярчайший пример. Процесс ферментации и окисления, дающий глубокий, живой синий цвет («джин-ай»), требовал мастерства и терпения. Каждый этап — от выращивания растения тадэаи (蓼藍) до создания красителя «сукумо» (蒅) — был ритуалом.
Носить одежду, окрашенную индиго, означало носить кусочек природы и труда мастера.
Долговечность и починка
Одежда ценилась высоко, её берегли, чинили и перешивали. Заплатки («цудзираси») и стёжка «сасико» не скрывали, а подчёркивали историю вещи, её возраст и использование. Это эстетика «ваби-саби», находящая красоту в несовершенстве, следствии времени и ручного труда.
Вещь, становясь старше, не теряла ценности, а обретала её.
Сдержанность и отказ от телесной демонстративности
В японской культуре, особенно под влиянием конфуцианства и буддизма, выставлять тело напоказ считалось неприличным. Кимоно скрывало гендерные и возрастные особенности фигуры, подчиняя индивидуальное общему правилу. Даже в городской культуре Эдо, где мода была развита, элегантность («ики») проявлялась в тонкой игре подкладки, пояса, края рукава, но никогда — в облегании.
Тело было вместилищем, а не объектом. Эта фундаментальная установка является ключом к пониманию шока, который произвели в 1980-е годы коллекции Йоджи Ямамото и Рей Кавакубо: они не обнажали тело, а намеренно его маскировали, но делали это столь радикально, что заставляли задуматься о самом его существовании.
Традиционный костюм дал философию пространства («ма») и сокрытия тела, рабочая одежда — культ функциональности, прочности и достоинства простоты, а общая символическая система утвердила уважение к материалу, долговечность и сдержанность в качестве высших добродетелей. Когда в конце XX века японские дизайнеры вышли на мировую сцену, они принесли с собой не просто новые силуэты, а целый культурный код. Их «оверсайз» был не размером, а позицией: сознательным выбором в пользу пространства, материи и внутренней свободы против диктата формы, сезонности и телесной демонстрации.
3. Деконструкция и переосмысление: Авангардный взрыв 1980-х
В 1980-е годы мир моды стал свидетелем тихой революции, инициированной японскими дизайнерами в Париже. Их коллекции бросили вызов не просто сезонным трендам, а самым основам западной модной системы, построенной на идеалах роскоши, сексуальности и идеализированной телесной формы. Рей Кавакубо (Comme des Garçons), Йоджи Ямамото и Иссей Мияке предложили радикально новую эстетику, корни которой уходили в японскую историю и философию. Они трансформировали принципы утилитарности, асимметрии и сдержанности в мощное художественное высказывание, где оверсайз стал не размером одежды, а манифестом свободы и деконструкции устоявшихся канонов.
Issey Miyake
Yohji Yamamoto
Rei Kawakubo
Приход японских авангардистов совпал с пиком «культуры изобилия» 1980-х на Западе, с её подчёркнутой сексуальностью (как в работах Джанни Версаче или Клода Монтаны), широкими плечами как символом власти и откровенным гламуром. В этом контексте их работы были восприняты как «хулиганские» и «антимодные». Однако их подход был глубоко осмысленным.
Ключевой философской основой стала деконструкция — не в узком литературоведческом смысле, а как метод разборки и анализа устоявшихся структур. Дизайнеры деконструировали саму идею платья: они отвергли традиционный крой, подчёркивающий талию, грудь и бёдра, и предложили альтернативу — одежду как «архитектуру для тела», как «объект» или «оболочку», существующую самостоятельно. Это был прямой диалог и вызов западному представлению о красоте, восходящему к эпохе Возрождения, где одежда служила для лепки и демонстрации «совершенного» тела. Японский авангард, напротив, скрывал тело, намеренно искажал его пропорции, заставляя зрителя воспринимать не форму, а идею, пространство и материал.
Этот жест был не агрессивным, а, скорее, ироничным и меланхоличным. Коллекции Кавакубо и Ямамото начала 80-х, выполненные преимущественно в разрушенных чёрных, серых и белых тонах, получили название «Хиросима шик» и «нищенский шик» в западной прессе. Такие ярлыки отражали культурный шок, но и демонстрировали полное непонимание сути. Для дизайнеров это был не шик разрушения, а поэтика несовершенства (wabi-sabi), утверждение красоты в намёке, износе, асимметрии и пустоте (ma).
Авангардный взрыв 1980-х, инициированный японскими дизайнерами, стал поворотным моментом в истории моды. Рей Кавакубо, Йоджи Ямамото и Иссей Мияке не просто предложили новую эстетику — они изменили саму оптику восприятия одежды. Превратив «бедность ткани», асимметрию и оверсайз в мощные художественные жесты, они осуществили философскую деконструкцию западных канонов красоты. Их игра с пропорциями и текстурами была не формальным экспериментом, а ироничным и глубоким ответом диктату «идеального тела», утверждением ценности индивидуальности, внутренней свободы и интеллектуальной глубины. Они доказали, что роскошь может заключаться в скромности, а сила — в уязвимости, заложив основы для всего последующего развития концептуальной моды и утвердив японский оверсайз как язык высокого искусства.
4. Постмодернистская эстетика: Wabi-Sabi как новая роскошь и глобальный язык
После авангардного переворота 1980-х японская эстетика не остановилась в развитии. Она перешла в фазу зрелого постмодернизма, где первоначальный шоковый жест трансформировался в сложную систему кодов, доступных для глобальной аудитории. На смену прямой деконструкции пришла интеллектуальная игра — синтез противоречий. В XXI веке японский оверсайз окончательно эволюционировал от утилитарного и радикально-концептуального к статусу утончённой философии одевания, где центральной парадигмой стала традиционная концепция «ваби-саби». Это мировоззрение, находящее красоту в несовершенстве, мимолётности, простоте и следе времени, легло в основу новой роскоши, основанной на глубине, а не на показном богатстве.
Если в 1980-е западные критики говорили о «нищенском шике», не понимая его сути, то к 2000-м философия «ваби-саби» стала ключом к пониманию всей японской материальной культуры. Её принципы — асимметрия, грубость, простота, скромность, естественность — прямо противоположны западным идеалам глянцевой безупречности и вечной новизны. В моде это выразилось в культе вещей, которые красиво стареют, обретая индивидуальность.
Эта эстетика стала связующим мостом между традицией и ультрасовременностью. Она объясняет, почему намеренный эффект износа на дениме (потертости, потертые кромки) ценится выше, чем безупречно новый продукт, — это повествование о времени и использовании, визуальная поэзия несовершенства. Она же лежит в основе любви к натуральным, некрашеным тканям, к ручной стёжке «боро» (техника ремонта, превращающая дыру в украшение), к неправильному крою, который ценится за уникальность. Оверсайз в этой системе — не просто свободный покрой, а проявление «скромности» («ваби») и «свободы от навязанных форм». Тело не стремится заполнить одежду идеально; между ними остается воздух, история, возможность для мысли — то самое «ма».
Современные бренды: Ремесло, технологии, ирония
Sacai (Тикасе Абе)
Ученица Рей Кавакубо, Абе развивает тему деконструкции, но делает её изящной и носимой. Её фирменный приём — гибридизация: она буквально сшивает два разных предмета одежды в один (например, тренчкот и пиджак, юбку и брюки). В результате рождается сложный, многослойный силуэт оверсайз, который, однако, остаётся невесомым и женственным. Абе играет с восприятием, заставляя зрителя разгадывать головоломку кроя. Это интеллектуальная игра с формой, постмодернистская цитатность, доведённая до виртуозности.
Maison Mihara Yasuhiro
Михара Ясухиро известен своим методом «перешивания по выкройке»: он берёт классические предметы (оксфордские туфли, кеды Converse, тренчкоты) и как бы «расплавляет» их, создавая эффект медленного стекания или нарочитой деформации. Его оверсайз выглядит так, будто подвергся воздействию времени и гравитации. Это сознательное внесение «несовершенства» (саби) в индустриальный объект, превращение массового продукта в уникальную скульптуру. Его «архитектурные» куртки и брюки с искажёнными пропорциями — это прямая речь о красоте упадка.
Uniqlo
Uniqlo, особенно в коллаборациях (линия Uniqlo U) или под руководством дизайнера Ютаки Дзайцудзена, играет ключевую роль в глобальной популяризации философии японского оверсайза. Здесь он лишается радикального подтекста, но сохраняет суть: комфорт, сдержанность, внимание к деталям и универсальность. Uniqlo переводит сложные концепции — драпировку, работу с объёмом, принцип многослойности — на язык массового производства, делая «сдержанную свободу» доступной повседневной практикой.
Сегодня оверсайз — универсальный код в мировой моде. Однако его японская версия остаётся уникальной благодаря своей ментальной основе. Это осознанный выбор в пользу:
- Сдержанной свободы: Свободы не столько физической, сколько ментальной — от диктата трендов, гендерных норм, необходимости постоянно выставлять себя напоказ.
- Диалога с материалом: Уважение к ткани, её истории и тактильным свойствам остаётся священным. Деним с эффектом износа, «умные» ткани с памятью формы (технологии, в которых преуспел Issey Miyake) — всё это инструменты для ведения этого диалога.
- Иронии и интеллекта: Японский оверсайз редко бывает буквальным. Он всегда содержит в себе игру, намёк, цитату или скрытую усмешку над самим понятием моды, что роднит его с лучшими образцами современного искусства.
5. Визуальный анализ. Сравнение классического женского кимоно и коллекции Yohji Yamamoto
Фундаментальное сходство заключено в архитектонике кроя. Традиционное кимоно, например, женское «фурисодэ», конструируется из прямых полотнищ ткани, образуя Т-образный, статичный в развёрнутом виде силуэт. Его цель — не облегать тело, а создавать вокруг него самостоятельный объём. Современный оверсайз-пальто наследует эту логику: через опущенные плечевые швы, широкую пройму и прямой крой оно точно так же отказывается моделировать фигуру, предлагая вместо этого архитектурную «оболочку». Это отрицание западного принципа «второй кожи» в пользу автономной формы.
Ключевым объединяющим понятием является принцип «ма» — значимого пространства. В кимоно «ма» возникает между тканью и телом, а также в динамике развевающихся пол и рукавов. Тело не выставлено напоказ, а лишь намечено внутри одежды, что является выражением сдержанной эстетики. Современный оверсайз виртуозно играет с этим пространством. Объёмная ткань, асимметричные драпировки и растворяющий очертания чёрный цвет у Yamamoto или сознательный минимализм Uniqlo U работают на создание аналогичной интеллектуальной и физической дистанции. Свобода движения, заложенная в крое, становится метафорой свободы от диктата навязанных форм.
Существенная трансформация произошла в сфере материалов и декора. Если кимоно зачастую выступало носителем сложной социальной и символической информации через дорогие ткани, техники окрашивания «юдзэн» и вышивку, то современный оверсайз смещает акцент на тактильность и концептуальность. Фактура грубой шерсти, мятый лён, технологичные мембраны или нарочитая неидеальность строчки становятся новыми маркерами ценности. Украшение уступает место высказыванию, где следы времени или намёк на деструкцию читаются как признаки глубины и индивидуальности, отсылая к эстетике wabi-sabi.
Наконец, происходит радикальная смена социально-культурной функции. Кимоно было строгим визуальным кодом, регламентирующим статус, возраст и повод. Современный оверсайз, напротив, является инструментом декларации личной свободы и интеллектуальной позиции. Он предлагает платформу для самоопределения, отрицая внешние предписания.
Японский оверсайз — это не заимствование внешней формы, а сложная реинтерпретация культурного кода, где традиционные принципы пространства, скромности и уважения к материалу обретают актуальное звучание в контексте современной идентичности.
6. Вывод
Путь оверсайза от рабочего «нораги» к парижскому подиуму и далее — в гардеробы миллионов через бренды вроде Uniqlo — это история трансформации ценностей. Изначальная утилитарность, диктовавшая свободный крой для труда, и духовность традиционной эстетики, видевшей в скрытом теле знак скромности и достоинства, были подхвачены авангардистами 1980-х. Рей Кавакубо и Йоджи Ямамото совершили ключевой поворот: они перевели эти категории в плоскость художественного жеста и интеллектуального протеста. «Бедность ткани» стала эстетикой wabi-sabi, а отказ от телесности — мощным вызовом западным канонам красоты.
В современную эпоху эта философия обрела новое звучание. Скромность превратилась в новый тип роскоши — роскоши понимания, внимания к деталям, качества материала и долговечности вещи перед лицом одноразовой культуры. Свободный силуэт перестал быть символом бунта и стал инструментом сдержанной свободы — свободы от гендерных рамок, от диктата возраста, от необходимости соответствовать. Японский оверсайз предложил модель, в которой идентичность конструируется не через облегающую одежду, подчёркивающую тело, а через интеллектуальный выбор и отношение к пространству вокруг себя.
Таким образом, японский оверсайз доказал свою устойчивость и значимость. Он показал, что мода может быть не только поверхностным отражением эпохи, но и глубоким культурным переводчиком, способным адаптировать древние философские принципы к вызовам современности. От рабочего халата до концептуального произведения искусства и предмета массового потребления — этот путь иллюстрирует, как локальная традиция, переосмысленная через призму индивидуального гения и технологический прогресс, способна сформировать универсальный язык.
Этот язык говорит о личности, о вневременных ценностях, утверждая, что истинная элегантность кроется в свободе, осознанности и уважении к материи.
Кудзи, С. Структура «ики» [«Ики» но кодзо] / С. Кудзи. — Токио: Изд-во Иванами сётэн, 1930. — 258 с.
Пастуро, М. Дьявольская ткань. История полосатого рисунка / М. Пастуро; пер. с фр. М. Ю. Некрасова. — Санкт-Петербург: Издательство Ивана Лимбаха, 2020. — 128 с.
Koren, L. Wabi-Sabi for Artists, Designers, Poets & Philosophers / L. Koren. — Беркли: Stone Bridge Press, 1994. — 96 p.
Mears, P. Japanese Contemporary Fashion / P. Mears, Д. М. Гослинг. — Нью-Йорк: Yale University Press; Музей искусств округа Лос-Анджелес (LACMA), 2005. — 48 p. — Каталог выставки.
Okakura, K. The Book of Tea / K. Okakura. — Нью-Йорк: Duffield & Company, 1906. — 160 p.
Sudjic, D. Rei Kawakubo and Comme des Garçons / D. Sudjic. — Нью-Йорк: Rizzoli International Publications, 1990. — 128 p.
江戸時代の服装とは / ホームメイト [Электронный ресурс] // Touken World. — Режим доступа: https://www.touken-world.jp/culture/kimono/edo-period/ (дата обращения: 04.12.2025). — Текст на яп. яз.
縞模様は江戸時代に大ブーム！しかし、西洋では悪魔の柄だった… [Электронный ресурс] / Motoji // Мотодзи. — 2018. — 5 нояб. — Режим доступа: https://motoji.com/kimono-blog/shirokujima-history/ (дата обращения: 04.12.2025). — Текст на яп. яз.
着物用語辞典 [Электронный ресурс] // 37gi.com. — Режим доступа: https://www.37gi.com/words/ (дата обращения: 04.12.2025). — Текст на яп. яз.
«Nikkapokka» Pants in Style on the Construction Site (Photos) [Фотографии] // Nippon.com. — URL: https://www.nippon.com/en/images/i00045/ (дата обращения: 04.12.2025).
Jūnihitoe [Фотографии] // wikipedia.org. — URL: https://en.wikipedia.org/wiki/J%C5%ABnihitoe (дата обращения: 04.12.2025).
Kimono [Электронный ресурс]: [веб-страница с изображениями] // Wikipedia. — URL: https://en.wikipedia.org/wiki/Kimono (дата обращения: 04.12.2025).
Maison Mihara Yasuhiro Peterson [Фотографии] // Maison Mihara Yasuhiro — URL: https://miharayasuhiro.jp/ (дата обращения: 04.12.2025).
Uniqlo U: как Кристоф Лемер и японский бренд создали новую классику [Электронный ресурс]: статья с иллюстрациями // Vogue Russia. — URL: https://www.vogue.ru/fashion/uniqlo-u-kak-yaponskij-brend-i-kristof-lemer-sozdali-novuyu-klassiku (дата обращения: 04.12.2025).
