Тайны Меленского диптиха XV века
Данный проект является учебной работой студента Школы дизайна или исследовательской работой преподавателя Школы дизайна. Данный проект не является коммерческим и служит образовательным целям
Рубрикатор
1. Концепция 2. Художники возрождения 3. Символы в картинах 4. Техника Жана Фуке 5. Меленский диптих XV века 6. Теории Искусствоведов 7. Левая сторона диптиха 8. Правая сторона диптиха 9. Вывод 10.Библиография и источники
Концепция
Искусство эпохи возрождения — столь впечатляющее зрелище, что привлекает интерес даже непосвященных в тайны искусства, философии и эстетики.
Это новый взгляд на человека, который занимает место Бога в картине мира, с зарождением и блистательным развитием светского искусства и светских форм и норм жизни. Эпоха Возрождения — это культурная революция, чему способствует и развитие городов, городской культуры, с распространением книгопечатания и грамотности. Эпоха Возрождения — это быстрое формирование литературного языка, вместо латыни, на основе народного языка, соответственно развитие национальной литературы и театра.
Цель исследования — проанализировать картину «Меленский диптих» XV века Жана Фуке, феномен классического возрождения в искусстве .Разгадать тайну этого произведения.
Святой Мартин и нищий.Фрагмент.Жан Фуке
Исследование данной темы связано с большим интересом к искусству Возрождения, его тайнам и загадкам .Великие мастера с помощью кисти оставили нам подсказки, символы к их виденью мира.
Характерно, что Возрождение началось именно в Италии — стране, где еще был жив дух Античности, где сохранилось большое количество памятников греко-римской архитектуры и скульптуры. Под эпохой Возрождения понимают период, начавшийся примерно в XIV веке и завершившейся в конце XVI, традиционно ассоциирующийся прежде всего с итальянским регионом. Идеи и образы Ренессанса во многом определили эстетические идеалы современного человека, его чувство гармонии, меры и ощущение прекрасного.
В данном визуальном исследовании рассматриваются основные художники с XIII по XV век
Всю живопись раннего возрождения можно описать цитатой советского искусствоведа В .Н Лазарева: «Для живописи и пластики дученто и раннего треченто крайне характерно непрерывное нарастание реалистических тенденций. Искусство постепенно утрачивает иератическую строгость, преодолевается византинизм, религиозные образы становятся все более эмоциональными и человечными, фигуры приобретают объем, складки одеяний располагаются более естественно, усложняются и углубляются архитектурные фоны, плоскостная трактовка постепенно вытесняется рельефной, основанной на светотеневой моделировке»
Художники Возрождения с XIII по XV
Джотто ди Бондоне
Что же касается новаторства визуального языка, Джотто — первый художник, отказавшийся от золотого фона в пользу голубеющего неба, в его живописи появляется пейзажность и намёк на перспективу и объём. А в падуанских фресках «Страшный суд» Джотто пишет свой автопортрет, по крайней мере, так принято считать в искусствознании и, помещает себя в ряд праведников. Вслед за ним этот приём активно будет использовать кватроченто, всё больше снимая дистанцию между сакральным и профанным
Фреска Джотто ди Бондоне"Страшный суд» хранится в капелле Скровеньи в Падуе. Её размеры: высота — 1000 см, ширина — 840 см.
Вид из Капеллы Скровеньи.Фреска.Страшный суд. Джотто ди Бондоне
Джотто прославляет Данте. Со своей стороны, несколько раз изображал Данте. Первый в часовне Скровеньи в Падуе, и именно среди избранных Страшного Суда. За предполагаемым Автопортретом в желтой шапке находится человек, увенчанный лаврами, которого критики отождествляли.
Джотто ди Бондоне. Страшный суд. Фрагмент
Любопытен данный фрагмент. Интерпретировать это можно двояко. Либо же все земные преставления иллюзорны перед высшей небесной реальностью. Либо Джотто намекает нам, что всё написанное им на стене Капеллы Скровеньи, при всей натуралистичности — всего лишь искусство.
Джотто, впервые после средневековья добился сюжетной, композиционной и пространственной объективизации. Изображения утратили иконный характер, не ориентированы на зрителя, но представляют событие, происходящее само по себе, согласно логике драматического действия.
Томмазо Мазаччо Троицу» — фреску выполненную Мазаччо для церкви Санта Мария Новелла во Флоренции, исследователи считают работой, положившей начало новой европейской живописи. Почему? Потому что именно здесь впервые была реализована идея построения пространства по законам математически выверенной правильной линейной перспективы. Для того чтобы этот эффект объема пространства получился, Мазаччо поместил фигуры Бога-Отца и Христа, распятого на кресте, в архитектурных декорациях. Чтобы точно изобразить перспективные сокращения всех деталей нарисованного им интерьера, художник вбил гвоздь в центре того места, где сейчас изображён пьедестал ниши, и натянул нити во все направления от него к верхнему и нижнему краям
Святая Троица.Томмазо Мозаччо.
Святая Троица.Томмазо Мозаччо.Фрагмент
Святая Троица.Размер 667×317 см
Фреска «Святая Троица» Томмазо Мазаччо (Томмазо Гвиди) привнесла в эпоху Возрождения новаторство в изображении Святой Троицы, использование линейной перспективы и новые интерпретации. Работа написана в 1425–1426 годах в доминиканской церкви Санта-Мария-Новелла во Флоренции.
Робер Кампен В работах основоположников северного Возрождения Робера Кампена хорошо видно, как воплотилась та же идея пантеизма в живописи. На нем четко видно, что ореховую доску, на котором написано изображение, «дотачивали» сверху и справа дополнительными фрагментами. Хорошо, что картина так называется, потому что, не зная названия, мы подумали бы, что огромный круг за головой Мадонны — это такой гигантский нимб. На самом деле это каминный экран округлой формы. Это тот редкий случай, когда младенец не отрешенный объект забот матери или поклонения окружающих, а полноценный участник сцены.
«Мадонна с Младенцем у камина» — диптих работы нидерландского живописца эпохи Северного Возрождения Робера Кампена.
В этой картине соединяются церковные каноны с деталями повседневной жизни. Мадонна показана в домашнем интерьере, а часть предметов воспринимается как символы (таз, кувшин, белое полотенце — знаки чистоты и невинности девы Марии). Обращение к сложной проблеме передачи света. Художник хотел показать взаимодействие нескольких источников света, в этом смысле Кампен опередил художников итальянского Ренессанса.
Жан Фуке (1420–1481) — французский живописец XV века, портретист и миниатюрист, глава Турской школы.
Создал один из первых автопортретов в северно-европейском искусстве (эмалевый медальон, около 1450, Лувр).
Жизненный путь Фуке был прослежен историками искусства по нескольким документально подтвержденным вехам. Он был сыном священника и стал писцом. Из некоторых источников известно, что еще в молодости между 1444 и 1446 годами он совершил путешествие в Италию; в Риме он написал портрет папы Евгения IV, который вызвал восхищение итальянцев. Там и, возможно, во Флоренции он видел великолепные образцы искусства Мазолино, Мазаччо, Доменико Венециано и Анджелико, изучал работы Антонио Филарете и Леона Баттисты Альберти.
Его можно считать родоначальником французской авторской живописи, он первым стал использовать цвет как самостоятельное выразительное средство живописи.
Фрагменты картин Жана Фуке.Использование цвета
Профиль мужчины.Жан Фуке
Жизненный путь Фуке был прослежен историками искусства по нескольким документально подтвержденным вехам. Он был сыном священника и стал писцом. Из некоторых источников известно, что еще в молодости между 1444 и 1446 годами он совершил путешествие в Италию; в Риме он написал портрет папы Евгения IV, который вызвал восхищение итальянцев. Там и, возможно, во Флоренции он видел великолепные образцы искусства Мазолино, Мазаччо, Доменико Венециано и Анджелико, изучал работы Антонио Филарете и Леона Баттисты Альберти.
Мазолино, Мадонна смирения, Флоренция.
Символизм в картинах Жана Фуке
Значительность этого заказа, порученного иностранному живописцу, свидетельствует о том, что Фуке к тому времени уже зарекомендовал себя в качестве официального художника. Поэтому исследователи считают возможным датировать «Портрет Карла VII»хранящийся в Лувре в Париже, временем, предшествующим поездке Фуке в Италию.
Взгляд короля устремлен немного влево, он словно скрывает его и, вместе с тем, находится настороже. Глубоко опечаленное лицо монарха кажется не соответствующим надписи на раме: «Самый победоносный король Франции». Он повернут на три четверти влево (как у нидерландских мастеров), руки просто сцеплены вместе и лежат на небольшой тахте, а не сложены в молитвенном жесте, как на официальных портретах кисти Рогира ван дер Вейдена, поэтому этот портрет кажется не официальным, а вполне домашним, напоминающим работы Робера Кампена и Яна ван Эйка. Однако вполне возможно, что Карл стоял на коленях перед этой тахтой, но устал долго сохранять молитвенную позу.
Художник создает новый тип портрета, воплощая образ новыми художественными средствами
Художник с поразительной откровенностью изображает короля. Перед нами не король, а слабый мужчина Уставшие глаза, спрятанные руки в рукава. Мастер умело передал это, видимо, постоянное выражение апатии и брюзгливости, что разрывает идеальный образ «победоноснейшего короля»
Жан Фуке.Миниатюра «Правосудие. Заседание суда под председательством короля Карла VI.
Особенности картины. Фигуры персонажей, держащие увенчанные короннами голубые щиты с золотыми лилиями королевского дома Валуа.Каре трибун и балдахин словно башня замка над стенами. Красный, белый, зелёный и голубой многократно повторяются в одеждах действующих лиц.
картина «Правосудие».Фрагмент
Картина «Правосудие».Фрагмент
Символика
Миниатюра «Правосудие. Заседание суда под председательством короля Карла VI» символизирует единство французской нации и справедливость королевского суда, осуществляемого при поддержке представителей всех трёх сословий — духовенства, дворянства и горожан.Это символическое значение проявляется в том, что зрелище, изображённое на миниатюре, запечатлевается в памяти как идеограмма, подчёркивающая эти качества.
Меленский диптих — гениальный шедевр французского придворного художника Жана Фуке (1420–1481), написанная маслом на двух панелях примерно в 1452 году.
Почти столетие назад ученые впервые обратились к загадке"Меленского диптиха», толчок к изучению которого дала парижская выставка"Французские мотивы».Вывешенные вместе картины, ставили зрителя в замешательство.Даже неискушенного зрителя поражало несходство, противоположность обеих частей диптиха.
Четкость пространственного построения левой створки-и отсутствие даже на глубину пространства за троном в правой; естественная карнация лиц донатора и святого-и сверкающая мраморная белизна лица Марии и тела младенца.Мягкая цветовая гамма слева и цветовые контрасты справа.Исследование показало незначительную разницу в технике исполнения и размера досок, на основании чего делается вывод, что створки выполнены в разное время.
Левая часть диптиха «Этьен Шевалье и святой Стефан» 1450 г. Королевский казначей Этьен Шевалье изображён коленопреклоненным в молитве. Рядом стоит его покровитель святой Стефан
Святой Стефан.Фрагмент картины Жана Фуке.
Словно изваяние стоит святой Стефан, правой рукой едва касаясь плеча донатора и в левой держа библию и камень- атрибут своего мученичества.Лицо святого, контрастируя с сосредоточенным, но земным выражением лица Этьена Шевалье, выглядит отрешенным, аскетичным, хотя с головы капают капли крови.Напоминающую зрителю сцену из жития Мученичества св. Стефана.Художник изобразил на одной из миниатюр Часослова
Часослов Этьена Шевалье.Побиение святого Стефана камнями.Жан Фуке.
Хоть и являясь частью картины, донатор поэтому кажется каким-то образом изолированным внутри её. Его взгляд задуман быть направленным прямо на развивающиеся события, но вместо того, чтобы выполнить требование своего заказчика, художник нарисовал его смотрящим скорее не на центр композиции, а диагонально наружу от него. Шевалье, высокопоставленный чиновник при дворе Карла VII и Людовика XI, показан в простом, но элегантном красном одеянии. Его длинные тонкие руки, чья бледная, немного вялая кожа так сильно контрастирует с коричневатым цветом его лица, сложены в молитвенном жесте.
Ученые из Дартмутского и Кембриджского университетов утверждают, что это не что иное, как ашельское ручное рубило. Каменный инструмент, которым пользовались предки человека более 500 тысяч лет. Эти доисторические инструменты были, как правило, овальной или грушевидной формы, часто изготавливались из камня и имели заостренный конец. И судя по всему, на картине Жана Фуке мы имеем дело с самым ранним художественным изображением ашельского ручного рубила.
Крупный план каменного объекта, изображенного на картине и сравнение его контура с археологическими находками
Самое любопытное, что сам Фуке, скорее всего, понятие не имел, что этот камень — дело рук человека.
Эти артефакты часто находили в регионе, где жил Фуке, но в XV веке люди были уверены, что они имеют естественное происхождение. Их даже называли «громовыми камнями, выпущенными из облаков».Возник извилистый мостик, протянувшийся от эпохи палеолита к эпохе Возрождения.
Правая панель. На ней изображены Богородица и Младенец Христос в окружении херувимов. Мадонна одета в голубое платье, белую мантию и корону, инкрустированную драгоценными камнями. На её коленях сидит Ребёнок, который левой рукой указывает на покровителя и святого.
Мадонна изображена в роскошных одеждах, за ней возвышается спинка богато украшенного трона.Ее хладнокровная безучастность вызывает в памяти образы Пьеро делла Франческа.Изящество позы и костюм, характерны для дамы, привыкшей диктовать свою моду, вкусы и свою волю
«Мадонна с Младенцем"Пьеро делла Франческа.1439 г
По старой традиции принято связывать его заказ со смертью фаворитки Карла VIII Анье Сорель, облик которой Фуке по просьбе заказчика воспроизвел в лике Мадонны.Из истории известно, что, будучи умной и образованной женщиной, Анье Сорель, участвовала в политической жизни страны.
«Меленский диптих».Фрагмент
Рисунок, сделанный при жизни фаворитки, подписан"Прекрасная Агнес»
Посмертный портрет XVI, написанный с прижизненного портрета Агнесс Сорель кисти Жана Фуке.Бросается в глаза, что одна грудь обнажена.Это объясняется тем, что в XV веке при дворе было модно ходить с одной обнаженной грудью.Такое могли позволить себе только смелые дамы.
Наука, так же связывала создание правой части диптиха со смертью Катрин Бюде. Несколько лет назад французский исследователь А. Шатле снова выступил в защиту этой точки зрения.Ссылаясь на тот факт, что диптих украшал место погребения Этьена Шевалье и его жены.Шатле считает здесь портрет Аньес Сорель совершенно неуместным и предполагает, что Жан Фуке придал мадонне черты сходства с Катрин Бюде.
Верхняя чать скульптурного мраморного надгробия на могиле Агнессы Сорель
Однако этой версии противоречит одно существенное обстоятельство: в соответствии с живописной иерархией образов в алтарных композициях XV века супруги-заказчики находились в равном положении перед объектом поклонения.Нет основания думать, что художник разрушил эту иерархию и возвысил Катрин Бюде.Вдобавок, не сохранилось изображения Катрин Бюде, с Аньес же дело обстоит иначе.
Подводя итог, разглядывая рисунки Аньес Сорель сходство с мадонной «Меленского диптиха» бросается в глаза сразу.
К этим сравнениям можно добавить, что многочисленные описания смелых костюмов"прекрасной Аньес», эпатировавшей двор, совпадают с трактовкой внешнего облика мадонны.
Скандальный фурор картины
Главная причина скандала среди общества в том, что они узнали влиятельную любовницу короля.Преднамеренная демонстрация чувственной красоты, что совершенно неуместно для Царицы Небесной шокировало людей.Мнение о работе различны.
Жан Фуке великий мастер, его кисть создала по истине чувственный образ.Тело- лишь форма. Мадонна, бледна, обнажена словно раскрытая лилия .Это ее отличает от других подобных изображений.
Идейно-художественное решение ансамбля Жана Фуке.Мастер по разному трактует пространство обеих створок именно потому, что это два пространства, совершенно различных по своей природе.Слева представлен земной мир-Этьен Шевалье изображен в дворцовых покоях.Это земное пространство реально, конкретно.В правой створке пространство абстрактно и закрыто херувимами.Жан Фуке противопоставляет земной и небесный мир.
Вывод
Эпоха возрождения ознаменовала расцвет искусства. Искусство в эпоху возрождения стало более реалистичным и выразительным.Художники начали экспериментировать с цветом и объемом.Стали использовать «линейную перспективу».Период возрождения оказал стал фундаментом для последующих эпох.Несомненно, творчество Жана Фуке существенно повлияло на развитие французского искусства XV века.Вдобавок, знаменитый «Меленский диптих» навсегда останется ярким, интересным, философским полотном в исторической ветви искусства.
