Художники неодадаисты принципиально расширили границы поля искусства, активно вводя в него реди-мейды, перформанс, хэппенинг и так далее. Эти художники восстали против эмоционально заряженных картин абстрактного экспрессионизма, которые доминировали на арт-рынке 1950-х годов.

Йозеф Бойс, художники движения Fluxus, Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Аллан Капроу, Джон Кейдж — открыли путь поп-арту, минимализму и концептуализму.

От первых новаторов в Лондоне, работавших с образами массовой культуры в 1950-е, до деконструкции американской массовой культуры в 1960-е годы — поп-арт стал одним из самых влиятельных художественных направлений постмодернизма.

В число художников этого направления входят Ричард Гамильтон, Джеймс Розенквист, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и другие.

В начале 1960-х годов молодые художники сознательно отказывались от недавнего искусства, которое, по их мнению, стало устаревшим и академичным. Новое искусство предпочитало интеллектуальную отстраненность «драматическому»: картины, написанные по линейке, скульптуры из промышленных материалов — подчеркивали анонимность, а не экспрессию. Они обращают внимание на материальность произведений и непосредственность реакции зрителей.

К этому направлению принадлежат такие художники, как Роберт Моррис, Дональд Джадд, Френк Стелла, Дэн Флавин и другие.

Постминимализм расширил круг идей художников предыдущего поколения, на первый план вышли такие категории, как процессуальность, материальность (как в плане фактуры инсталляций, так и в плане телесности художника и зрителя), эмоциональность. Многие художники разделяют с минималистами интерес к абстракции, но отвергают промышленные материалы, делая выбор в пользу более выразительных структур, передающих личные переживания автора.

К этому направлению относятся такие художники, как Луиз Буржуа, Ева Хессе, Вито Аккончи и другие.

Перформанс играл важную роль в авангардном искусстве на протяжении всего 20-го века, как в анархических движениях (футуризм и дадаизм), так и в современных художественных практиках. Наиболее значительный расцвет перформанса произошел в 1960-х годах, в период критики модернизма и больших нарративов первой половины века (например, в Венском акционизме или проектах группы Гутай).

Это искусство ангажировано и проактивно, для таких перформеров, как Йозеф Бойс, Йоко Оно, Марина Абрамович, Чжан Хуань и других — «личное» неотделимо от «политического». Акцент на теле и прямом действии иногда рассматривается как следствие отказа от традиционных медиа, хотя перформанс может заимствовать элементы других практик.

В центре внимания художника находится специфика конкретного места, он работает «на земле» с такими природными материалами, как камни, вода, гравий, глина и т. д. Своей монументальностью и простотой проекты лэнд-арта напоминают минималистские объекты, но они привержены и постминималистским ценностям, таким как спонтанность и процессуальность.

Лэнд-арт, как и перформанс, самой формой художественной практики бросает вызов арт-рынку (ведь такие произведения почти невозможно продать), отвергает коммерциализацию искусства.

Проекты лэнд-арт в разное время создавали Ричард Серра, Роберт Смитсон, Уолтер де Мария и другие.

Эти движения берут свое начало в практиках дадаистов и конструктивистов, а расцвет кинетического искусства наступил после определившей этот жанр групповой выставки Le Mouvement, состоявшейся в Париже в 1955 году.

В произведении кинетического искусства эффект зависит от движения, а оп-арт — искусство, ориентированное на оптику и визуальное восприятие, красота объекта может быть продуктом оптических иллюзий или хитроумного механического движения.

Проекты этого формата создавали Жан Тангли, Ласло Мохой-Надь, Наум Габо, Александр Калдер, группа «Движение» и другие.

Технонаучный прогресс, изменивший облик ХХ-го века, отразился и на искусстве. Инструментом художников сперва становится фотоаппарат, затем кинокамера, радио, видеокамера, компьютер, программный код и так дальше. Художники не только делают новейшие технологии своим медиумом, но и критически переосмысляют то, как они меняют нашу повседневную жизнь и само представление о человеке.

Поле медиаискусства весьма обширно, сегодня оно включает в себя видеоарт (Нам Джун Пайк, Билл Виола, Пипилотти Рист и др.), саунд-арт (Ла Монте Янг, Макс Нойхаус и др.), генеративное искусство и многое другое.

Наследуя авангардному духу дада и ситуационизма, это движение утвердило первенство концепции в произведении искусства. «Искусство как идея» и процесс знаковой коммуникации объявляются более значимыми, чем совершенство исполнения, концептуальное главенствует над визуальным.

Под влиянием простоты и ясности минималистского жеста художники-концептуалисты решили свести материальность объекта к минимуму, работая с найденными объектами, текстами, картами, схемами и т. д. Это критика не только привычных представлений об искусстве как о «красивом», эстетически значимом объекте, но и выпад против системы арт-рынка. Концептуализм стал не только поворотным моментам в истории искусства ХХ-го века, но и точкой отсчета в истории кураторства.

Значимыми художниками этого направления стали Джозеф Кошут, Сол Левитт, Йоко Оно и другие. Впрочем, с точки зрения некоторых исследователей, все искусство с 1960-х годов можно считать концептуальным по умолчанию.

После окончания Второй мировой войны живопись находилась в состоянии «кризиса идентичности», и только в 1970-е художники возвращаются к масштабным полотнам. Эмоциональная экспрессия и чувственность живописи противопоставлялась скудности образа в минимализме и концептуализме.

Неоэкспрессионисты пишут в спонтанной и нарочито грубой манере, воскрешая в своих работах приемы немецкого экспрессионизма, фовизма и арт-брют. Они берутся за исторические и мифологические сюжеты (в отличие от модернистов, отвергавших нарративность), работают с темами, которые болью отзываются в памяти.

К течению неоэкспрессионизма традиционно относят как немецких художников (Георг Базелиц, Джулиан Шнабель, Ансельм Кифер и др.), так и американцев (Жан-Мишель Баскиа).

На нашем таймлайне это наиболее сложная для описания «точка», поскольку, с одной стороны, все искусство после «концептуального поворота» середины 1960-х годов можно называть постконцептуальным в том смысле, что уже нет возврата в те времена, когда художник мог позволить тебе творить без формулирования конкретной идеи своего проекта, с другой же стороны, приставку «пост-» можно рассматривать как критику предыдущего этапа. В 1990-е в поле современного искусства появляется ряд художников, иронично или язвительно обыгрывающих в своих проектах «заговор искусства», то есть, состояние современного арт-сообщества, которое произведением готово назвать все, что угодно, лишь бы был складно написанный кураторский текст.

К таким постмодернистам-провокаторам относятся Young british artists (Дэмиен Хёрст, Трейси Эмин и др.), Ричард Принс, Джефф Кунс, Такаси Мураками и др.

На нашем таймлайне сайнс-арт — одна из самых неоднозначных «точек», ведь, с одной стороны, любое искусство, взаимодействующее с наукой, можно условно отнести к этой категории (от Леонардо да Винчи до биохудожников XXI века), с другой — сайнс-арт как осознанное направление формируется лишь в конце XX века, когда художники начинают не просто вдохновляться научными открытиями, но и активно использовать технологии, биоматериалы и исследовательские методы в своих работах.

В 1990–2000-е годы сайнс-арт переживает расцвет: появляются художники, которые не просто иллюстрируют науку, но и ставят эксперименты, сотрудничают с лабораториями, а иногда даже бросают вызов этическим границам. Это направление балансирует между восхищением прогрессом и критикой его последствий, между поэтикой открытий и тревогой о будущем.

К ключевым фигурам сайнс-арта относятся Стеларк, экспериментирующий с кибернетическими имплантами, Эдуардо Кац, работающий с биоинженерией, группа «Critical Art Ensemble», исследующая биополитику, а также такие художники, как Анна Дюма, Олафур Элиассон и Томас Сарацено, чьи проекты пересекают границы искусства, экологии и технологий.

Эту «точку» на таймлайне истории современного искусства пока стоит обозначить предварительно, посколько еще нет уверенности в том, что заметные сегодня тенденции получат полноценное развитие. Метамодерн и «новая искренность» стали ответом на кризис постмодернизма, обесценившего все, что когда-либо казалось важным в искусстве. Выходом из этого тупика представляется позиция художника, который «осциллирует между энтузиазмом модернизма и постмодернистской насмешкой, между надеждой и меланхолией, между простодушием и осведомлённостью» (Т. Вермюлен, Р. ван ден Аккера, «Заметки о метамодернизме», 2010). Искусствоведы, философы и ар-критики пока не пришли к единому мнению о сущности метамодернизма, этот термин еще нужно будет уточнять, анализируя искусство, которому только предстоит появиться.

К метамодернистам можно отнести таких художников, как Пилви Такала, Гвидо ван дер Верве, Рагнар Кьяртанссон и др.