Рубрикатор: 1. Концепция 2. Теоретические основы Кислера 3. Первые выставки-новаторы 4. Сюрреалистический дизайн выставок 5. Принципы выставочного дизайна Кислера 6. Заключение
Концепция
Выбор темы обусловлен прежде всего личным интересом к новаторским работам Фредерика Кислера в области выставочного дизайна. В хронике искусства и архитектуры 20-го века мало найдется таких выдающихся фигур, как Фредерик Кислер, дальновидный австрийско-американский художник, архитектор и теоретик, чьи новаторские работы в области выставочного дизайна произвели революцию в том, как мы воспринимаем искусство и взаимодействуем с ним. Родившийся в 1890 году Кислер занимался междисциплинарной практикой, охватывающей живопись, скульптуру, сценографию, мебель и архитектуру, но именно радикальное переосмысление галерейного пространства закрепило за ним репутацию истинного первопроходца.
Путь Кислера в выставочный дизайн был продиктован ненасытным любопытством и неустанным стремлением бросить вызов общепринятым нормам. Отказавшись от традиционной модели «белого куба», которая долгое время доминировала в галерейных пространствах, он представил новую парадигму, которая превратила бы выставку в иммерсивную среду, основанную на опыте, стирая границы между искусством, архитектурой и театром.
В основе подхода Кислера лежала его новаторская теория «корреализма», которая утверждала, что окружающая среда, объекты и люди взаимосвязаны в динамичной, постоянно развивающейся «галактике» отношений.
Эта философская мысль легла в основу дизайна его выставок, которые были направлены на создание пространств, способствующих глубокому взаимодействию между зрителем, произведениями искусства и окружающей средой. Благодаря своим дальновидным выставочным проектам Фредерик Кислер произвел революцию в том, как мы воспринимаем искусство, создав инновационную среду, которая бросает вызов условностям традиционных галерейных пространств. Его новаторские работы не только расширили границы выставочного дизайна, но и оказали глубокое влияние на развитие искусства инсталляций и кураторских практик, основанных на опыте, которые продолжают формировать мир искусства сегодня.
Для всестороннего изучения этой темы будет отобран и проанализирован ряд материалов, в том числе научные тексты, описывающие исторический контекст жизни Кислера, его влияние и теоретические основы, а также архивные материалы, современные обзоры выставок того времени и их критика. Эссе будет структурировано логически, в хронологическом порядке, а также с учетом тематического анализа: первый раздел является концепцией, а также вводит читателя в контекст творчества Кислера. Следующий раздел исследует теоретические концепции, которые сформировали его выставочную философию, что приводит к третьей и четвертой главам исследования: ранние новаторские выставки и сюрреалистические проекты. Также будут затронуты основные принципы и инновационные техники экспозиционного творчества Кислера, а в заключении исследования будет передано его влияние на современных деятелей искусства и на выставочный дизайн в наше время.
Теоретические основы Кислера
Как я уже упоминала, революционный подход Фредерика Кислера к выставочному дизайну лежал через его новаторскую теорию «корреализма», которая основывалась на радикально взаимосвязанном взгляде на окружающую среду, объекты и человеческий опыт. Корреализм бросил вызов традиционному представлению об «объекте искусства» как об изолированной сущности, вместо этого рассматривая его как часть целостной, динамичной галактики взаимосвязанных элементов. Корреализм Кислера основывался на идее о том, что сущность реальности заключается не в отдельных вещах, а в их взаимосвязях с окружающей средой.
Фредерик Кислер и модель для «Бесконечного дома», 1959
Как он выразился: «Традиционный арт-объект… должен рассматриваться в контексте этой расширяющейся среды. Окружающая среда становится такой же важной, как и объект, если не более важной, потому что объект не только вдыхает окружающую его среду, но и впитывает реалии окружающей»[1].
Эта философия рассматривала само выставочное пространство как сложную космическую систему, населенную множеством взаимосвязанных частиц — произведениями искусства, архитектурными пространствами, освещением, материалами и, самое главное, самими людьми-участниками. Кислер представлял себе выставку как мистическую, почти духовную встречу, где границы между искусством, архитектурой и зрителем растворяются в захватывающем едином целом. Корни корреализма можно проследить в новаторских работах Кислера в области театральной сценографии в 1920-х годах, таких как его культовая «Космическая сцена» для «Международной выставки новых театральных технологий» (International Exhibition of New Theatre Techniques) в Вене в 1924 году, но данная работа будет более подробно рассмотрена позже.
Видение Кислера стирало границы между дисциплинами — искусство сочеталось с архитектурой, которая переплеталась с принципами театра и перформанса. Как он заявлял: «Первобытный человек не знал разделения между миром грез и реальностью… когда он вырезал и расписывал стены своей пещеры, не было рамок или ограждений, которые отделяли бы его работы от пространства или жизни»[1]. Кислер стремился воссоздать это первоначальное единство между искусством, окружающей средой и человеческим опытом.
Фредерик Кислер работает над моделью «Бесконечного дома», 1959
Руководствуясь философией корреализма, Кислер переосмыслил выставочное пространство не как статичный контейнер для объектов, а как динамичную, постоянно развивающуюся «галактику» взаимосвязанных сил и элементов. Каждый компонент — художественное оформление, свет, цвет, материал, пространство — был призван установить тесные взаимосвязи, создавая среду, активно вовлекающую зрителей на мультисенсорном уровне. Экспозиционный дизайн Кислера манил посетителей отправиться в путешествие мистических открытий, где границы между собой и окружающим миром растворяются в трансцендентном, целостном опыте.
Первые выставки-новаторы
Радикальный подход Фредерика Кислера к преобразованию выставочного процесса впервые проявился в 1924 году, когда он руководил новаторской «Международной выставкой новых театральных технологий», упомянутой мной ранее. Это знаковое событие собрало вместе ведущих художников-авангардистов и представителей различных течений той эпохи, включая конструктивистов, футуристов и пионеров Баухауса.
В центре этой выставки находилась культовая инсталляция Кислера «Космическая сцена» — возвышающаяся спиралевидная конструкция, занимавшая весь зрительный зал Венского концертхауса. Эта огромная, отдельно стоящая сцена для кругового театра была не просто статичной скульптурой, но и смелой реализацией идей Кислера. Пространственная сцена стирала границы между аудиторией и представлением, создавая всеопоглощающую среду, которая окутывала зрителей.
Фредерик Кислер, «Космическая сцена», 1924
Кураторский подход Кислера выходил далеко за рамки традиционных выставочных практик. Черпая вдохновение в венской концепции «Gesamtkunstwerk» (тотального произведения искусства), он разработал единый визуальный язык, используя конструктивистскую геометрию и красные, черные и белые цвета. Этот целостный дизайнерский словарь распространился от выставочной архитектуры и экспозиций до печатных материалов, таких как плакаты и каталоги.
Фредерик Кислер, каталог «Internationale Ausstellung neuer Theatertechnik», 1924
Выставка 1924 года ознаменовала становление Кислера как смелого новатора, готового раздвинуть границы множества дисциплин — искусства, архитектуры, театра, графического дизайна — в соответствии со своим новаторским видением.
Как заметил один современный критик: «Он не был заинтересован в том, чтобы специализироваться и постоянно совершенствоваться только в одной области дизайна. Вместо этого он осознал потребность своей эпохи в новом, универсальном языке дизайна»[2].
Всего год спустя Кислер вывел свой авангардный выставочный подход на мировую арену, создав дизайн для австрийской секции парижской выставки 1925 года. Здесь он представил свою концепцию «Города в пространстве» (Raumstadt) — плавучего, подвесного городского сооружения, которое воплощало его идеи о взаимосвязи искусства, архитектуры и природы обитания человека.
Фредерик Кислер, «Город в пространстве», 1925
«Город в пространстве» отразил растущее стремление Кислера применять свои корреалистские принципы во все большем масштабе — от выставочного пространства до городской среды. Этот теоретический проект представлял собой автономный город, спроектированный в соответствии с его философией интегрированного дизайна, преемственностью между интерьером и экстерьером и динамичной взаимосвязью между объектами и окружающей их средой.
Благодаря этим новаторским выставкам в Вене и Париже Кислер зарекомендовал себя как радикальный представитель, бросающий вызов устоявшимся традициям. Его инсталляции и концепции, такие как «Космическая сцена» и «Город в пространстве», дают представление о его уникальном творческом мышлении, которое стремилось разрушить границы между дисциплинами и переосмыслить сам опыт просмотра пространств и пребывания в них. Эти ранние, новаторские проекты заложили основу для последующих революционных работ Кислера, которые переосмыслили экспозиционный дизайн как захватывающую, трансцендентную «галактику» взаимосвязанных элементов.
Сюрреалистический дизайн выставок
Именно в 1940-х годах революционное видение Фредерика Кислера выставочной среды, основанной на опыте, нашло свое наиболее полное выражение в его знаменитом сотрудничестве с художественным движением сюрреалистов. Эти новаторские проекты позволили Кислеру раздвинуть границы своих корреалистских принципов, создав всеохватывающую среду, которая бросила вызов традиционным представлениям о том, как должно демонстрироваться искусство и как его следует воспринимать.
В 1942 году легендарная меценатка Пегги Гуггенхайм поручила Кислеру разработать дизайн интерьера для ее нью-йоркской галереи «Art of This Century». Кислер превратил это пространство в авангардную сюрреалистическую среду с изогнутыми стенами, необычными световыми эффектами и мебелью-трансформером, которую можно было менять в соответствии с различными выставками. Позже сама Гуггенхайм рассказала, что хотела музей, который сам по себе будет являться произведением искусства.
Фредерик Кислер и Пегги Гуггенхайм, Венеция, 1950-е
Инновационный дизайн Кислера стирал границы между произведениями искусства и их окружением, создавая целостное, взаимосвязанное впечатление после себя. Посетители переносились в потустороннее царство, где традиционные различия между объектом и окружающей средой исчезали.
Фредерик Кислер, «Art of This Century», 1942
Всего несколько лет спустя сюрреалистические выставочные проекты Кислера достигли новых высот экспериментирования и погружения. В 1947 году для групповой выставки «Bloodflames» 1947 в Нью-Йорке он впервые применил такие методы, как размещение произведений искусства на полах, потолках и под необычными углами в красочно расписанных комнатах. Эта нетрадиционная постановка позволила зрителям увидеть работы с разных точек зрения, усилив их сенсорное восприятие.
Фредерик Кислер, эскиз экспозиционирования на выставке «Bloodflames, 1947
В том же году экспозиционный дизайн Кислера занял центральное место на знаковой Международной выставке сюрреализма в Париже. Здесь он создал знаменитый «Зал суеверий» (Room of Superstition) — сюрреалистическую обстановку, которая переносила посетителей в мистическое, сказочное царство. Тесно сотрудничая с такими художниками, как Жоан Миро, Ив Танги и Марсель Дюшан, Кислер создал иммерсивную инсталляцию, которая стерла грань между реальностью и фантазией.
Фредерик Кислер, архитектурный план «Зала суеверий», 1947
«Зал суеверий» представлял собой ряд взаимосвязанных пространств, каждое из которых пробуждало различные аспекты подсознания. От комнаты, заполненной мешками с углем и деталями манекенов, до другой, где доминировала массивная подвесная скульптура лавоподобных форм, выставка создавала у посетителей дезориентирующее, почти галлюцинаторное впечатление. Один современный критик говорил, что выставка является настоящим произведением искусства, сюрреалистическим синтезом живописи, скульптуры, архитектуры и дизайна.
Фредерик Кислер, комната «Зала суеверий», 1947
Благодаря этим новаторским выставкам Кислер полностью реализовал свое видение корреалистской среды — динамичной, взаимосвязанной «галактики», где искусство, архитектура и человеческий опыт сливаются в трансцендентное целое. Его инновационное использование нетрадиционных материалов, освещения и пространственной хореографии побуждало зрителей воспринимать искусство совершенно по-новому, обостряя их чувственное восприятие и провоцируя новые способы видения и переживания.
Принципы выставочного дизайна Кислера
В основе революционного подхода Фредерика Кислера к экспозиционному дизайну лежало фундаментальное переосмысление опыта зрителя. Отказавшись от традиционной модели галереи как нейтрального, статичного контейнера для арт-объектов, Кислер стремился создать иммерсивную, эмпирическую среду, которая активно вовлекала бы аудиторию на мультисенсорном уровне.
Одним из определяющих принципов работы Кислера было использование им нетрадиционных приемов постановки, стратегий освещения и материалов для усиления сенсорного воздействия выставочного пространства. Начиная с размещения произведений искусства на полах, потолках и наклонных стенах и заканчивая эффектным цветным освещением и трансформируемыми архитектурными элементами, Кислер создавал среду, которая бросала вызов восприятию и предположениям посетителей.
Фредерик Кислер, «Скриноскоп», 1929
Инновационное использование Кислером освещения также сыграло решающую роль в формировании эмпирического характера его выставок.
Кислер понимал силу света, влияющую на восприятие и настроение, начиная с эффектного точечного освещения, которое подчеркивало скульптурные формы в искусстве этого столетия, и заканчивая атмосферным цветным освещением, которое придавало необычной обстановке сказочный вид.
В основе всех выставочных проектов Кислера лежала глубокая приверженность пространственной хореографии — тщательной оркестровке движений, линий обзора и сенсорных стимулов для активного вовлечения зрителей в процесс навигации в пространстве. Его окружение представляло собой не статичные картины, а скорее динамичные, разворачивающиеся события, которые требовали физического и когнитивного участия зрителей.
Фредерик Кислер, Пегги Гуггенхайм у механизма Марселя Дюшана на выставке «Art of This Century», 1942
Проходя по выставкам Кислера, посетители сталкивались с постоянно меняющимся набором визуальных, тактильных и слуховых раздражителей, каждый элемент которых был тщательно продуман, чтобы вызвать новые способы восприятия и переживания. Эта пространственная хореография была не просто эстетическим выбором, но и продуманной стратегией, направленной на развитие обостренного чувственного восприятия и изменение предвзятых представлений о том, как следует воспринимать искусство.
В основе принципов Кислера лежала вера в преобразующую силу искусства, способную преодолеть границы физического объекта и стать всеобъемлющим, мультисенсорным опытом.
Его выставочные проекты были направлены на то, чтобы разрушить барьеры между произведениями искусства, окружающей средой и зрителем, создав целостную «галактику» взаимосвязанных элементов, которые охватывают весь спектр человеческого восприятия. Благодаря инновационному использованию нетрадиционных постановок, освещения, материалов и пространственной хореографии Кислер создал среду, которая требовала активного участия и сенсорного погружения зрителей. Его выставки были не просто показами, а скорее порталами в альтернативные миры, побуждающие зрителей отбросить свои предубеждения и по-новому взглянуть на искусство, почувствовать его и приобщиться к нему.
Заключение
Новаторские работы Фредерика Кислера в области выставочного дизайна ознаменовали собой значительный отход от традиционной модели галереи «белый куб», которая доминировала в мире искусства на протяжении десятилетий. Его радикальное видение преобразования выставочного пространства в иммерсивную среду, основанную на опыте, оказало глубокое и устойчивое влияние на развитие искусства инсталляций, кураторских практик и на само представление о том, как зрители взаимодействуют с искусством.
Фредерик Кислер, модель для «Бесконечного дома», 1959
Инсталляции Кислера, такие как «Космическая сцена» и сюрреалистические декорации для выставки Пегги Гуггенхайм в Париже, разрушили устоявшиеся представления о разделении арт-объекта и окружающего пространства. Стирая эти границы и создавая целостный, мультисенсорный опыт, Кислер проложил путь к появлению инсталляции как самостоятельной художественной практики.
Современные художники-инсталляторы, такие как Олафур Элиассон, Пипилотти Рист и Томас Сарацено, считают, что Кислер оказал на них непосредственное влияние, черпая вдохновение в его инновационном использовании нетрадиционных материалов, световых стратегий и пространственной хореографии для активного вовлечения чувств и восприятия зрителей. Эти художники подняли принципы Кислера на новую высоту, создав иммерсивную среду, которая бросает вызов самому представлению о том, что такое искусство и как его следует воспринимать.
Томас Срацено, «На орбите», 2013
Влияние Кислера также ощущалось в сфере экспериментального экспозиционного дизайна, где кураторы и учреждения все чаще придерживаются идеи создания динамичной среды, способствующей более глубокому взаимодействию с искусством. Начиная со знаменитой выставки музея Гуггенхайма «Деревня, будущее» в 2020 году и заканчивая иммерсивными инсталляциями на Венецианской биеннале 2022 года, влияние корреалистских принципов Кислера можно увидеть в том, как задумываются и проводятся современные выставки.
Музей Гуггенхайма, «Деревня, будущее», 2020
Более того, концепции Кислера о взаимосвязи, пространственной хореографии и стирании границ между искусством, архитектурой и зрителем оказались удивительно прозорливыми в эпоху цифрового искусства и новых медиа. Художники, работающие с виртуальной реальностью, дополненной реальностью и интерактивными технологиями, восприняли идеи Кислера о создании целостного, мультисенсорного опыта, который бросает вызов традиционным представлениям о зрительстве.
Во многих отношениях видение Кислера опередило свое время, предвосхитив растущий акцент на совместном, иммерсивном и эмпирическом подходах к искусству, которые стали определять современную практику.
Его радикальный отход от модели галереи «белый куб» вдохновил поколения художников, кураторов и институций на переосмысление способов представления и восприятия искусства.
Поскольку мир искусства продолжает развиваться и осваивать новые технологии и способы взаимодействия, наследие Кислера остается таким же актуальным, как и прежде. Его новаторские работы служат напоминанием о преобразующей силе искусства, способного преодолевать физические границы и создавать глубокие, мультисенсорные переживания, которые бросают вызов нашему восприятию и расширяют наше понимание окружающего мира.
[1]Bárbara dos Santos Coutinho and Ana Tostões. THE ROLE OF ARCHITECTURE IN AN ENGAGING AND MEANINGFUL EXPERIENCE OF THE PHYSICAL EXHIBITION // Sophia Journal URL: https://www.sophiajournal.net/sophia-5-the-role-of-architecture-for-an-exhibition-engaging-and-meaningful-aesthetic-experience (Дата обращения: 20.05.2024)
[2]Barbara Lesák. Friedrich Kiesler’s Work in Theatre. The Inception of an Interdisciplinary Universe // Springerin URL: https://www.springerin.at/en/2010/2/friedrich-kieslers-theaterschaffen/ (Дата обращения: 20.05.2024)
Biography // Kiesler URL: https://www.kiesler.org/en/biography-frederick-kiesler/ (Дата обращения: 19.05.2024)
Dimitris Lempesis. ARCHITECTURE: Friedrich Kiesler, Part I // DreamIdeaMachine URL: https://www.dreamideamachine.com/web/?p=23932 (Дата обращения: 21.05.2024)
Dimitris Lempesis. ARCHITECTURE: Friedrich Kiesler-Part II // DreamIdeaMachine URL: https://www.dreamideamachine.com/?p=24375 (Дата обращения: 21.05.2024)
Francesca Panseri. Frederick Kiesler // Peggy Guggenheim Collection URL: https://www.guggenheim-venice.it/en/art/in-depth/peggys-friends/frederick-kiesler/ (Дата обращения: 20.05.2024)
Phoebe Springstubb. The Animation of Frederick Kiesler’s Endless House // MoMa 16.07.2015 URL: https://www.moma.org/explore/inside_out/2015/07/16/the-animation-of-frederick-kieslers-endless-house/ (Дата обращения: 21.05.2024)
THE ESTATE of FREDERICK KIESLER // Jason McCoy Gallery URL: https://www.jasonmccoyinc.com/the-estate-of-frederick-kiesler (Дата обращения: 21.05.2024)
The Inception of an Interdisciplinary Universe // Springerin URL: https://www.springerin.at/en/2010/2/friedrich-kieslers-theaterschaffen/ (Дата обращения: 20.05.2024)
Thyr Björnson. Frederick Kiesler’s correalism in contemporary art // DesignBlog URL: https://designblog.rietveldacademie.nl/?p=64207 (Дата обращения: 21.05.2024)