Альтернативная классика. Гротеск в Древнем Риме, Ренессансе и в Новое Время

1.Гротеск — в искусстве Древнего Рима. 1)Особенности гротеска в Древнем Риме. 2)Шедевры гротеска в Золотом Доме императора Нерона. 3) Росписи Помпеи и Геркуланума. Дом Веттиев.Четвёртый декоратиный стиль 4)Дом Фавна — Помпеи. 2. Гротеск в эпоху Ренессанса 1)Особенности стиля гротеска в приод Ренессанса 2)Гротеск в живописи итальянского художника Бернардино Пинтуриккьо 3)Художники Возрождения, применявшие гротескные мотивы (Пьетро Перуджино, Доменико Гирландайо и Лука Синьорелли) 4)Рафаэль Сант —великий итальянский художник, скульптур, архитектор.Развитие гротеска. 5)Развитие и распространение гротеска в XVI веке 6)Микеланджело Буонарроти. Искусство гротеска. 7)Выводы. Развитие стиля гротеск в период Ренессанса.

3. Развитие гротеска в Новое Время. 1)Особенности развития гротеска в этот период. 2)Версальский дворец — жемчужина Франции. 3)Галерея Уффици.Роспись потолка коридора. Флоренция. Италия. 4)Дворец Бассано Романо. Рим. Италия. 5)Галерея Апполона .Лувр. Париж.Франция
4. Гротески в Петербургских интерьерах ХIХ века. 1)Малая Помпейская Столовая. Санкт -Петербург. Россия. 2)Новый Эрмитаж. 3)Лоджии Рафаэля в Зимнем Дворце 4)Дом министра государственных имуществ. 5)Мариинский дворец. 6)Павильоны Петергофа.
5. Заключение и выводы по теме.

Альтернативная классика в искусстве продолжает практику классической и традиционной направленности, но переосмысливая и внося новое, необычное, так как искусство всегда стремилось к поиску новых идей и форм. Одним из способов выражения альтернативной классика является — гротеск. Гротеск — это декоративный мотив, который был популярен в архитектуре и живописи Древнего Рима, Ренессанса и Нового Времени. Интересна история происхождения этого термина. Именно в ней кроется загадка и смысл этого приёма.

Гроте́ск (фр. grotesque, букв. — «причудливый», «комичный»; итал. grottesco — «причудливый», итал. grotta — «грот», «пещера». Это слово, в свою очередь, также восходит к латинскому crypta — «подземная», «скрытая», «подземелье». Перевод слова, как «причудливый», «комичный» -понятны, так как в изобразительном, декоративном искусстве и орнаменте этот термин означает характерную причудливость композиции в сочетании с фантастическими элементами. Но почему это понятие происходит от слова «грот» (пещера). Какая может быть связь? В Древнем Риме около 64 до н. э. года императором был Нерон. Именно при этом правителе и произошел знаменитый пожар, уничтоживший огромную часть города. Нерон решил построить, на удачно освободившейся площади, невиданно огромный и роскошный дворец. Назвал он его Золотой Дом.

По указанию Нерона архитекторами того времени Севером и Целером был спроектирован гигантский дворцово-парковый комплекс. В центре находился украшенный золотом и драгоценными камнями дворец, а вокруг него были разбиты сады, посажены леса, засеяны луга, вырыты пруды. Гигантский комплекс был готов в рекордные сроки, и тем не менее, отличался непревзойденным качеством отделки и богатством. Но простоять ему было уготовано очень недолго. Нерон приказал украсить стены комнат и коридоров необычными узорами, росписями с изображениями несуществующих животных и причудливых видов природы. Впоследствии дворец был разрушен императором Трояном.

От разрушенного Золотого Дворца остались лишь отдельные руины, засыпанные песком и ставшие основой для более поздних построек. В конце XV века начались раскопки древних Помпей и Геркуланума. Это даже были не раскопки, а разграбление античных домов, скрытых под слоем вулканического пепла. Искатели кладов пробивали дыры в кровле дома, спускались вниз, собирали ценности (только, то, что целое— битые вазы и статуи приравнивались к мусору). Когда эти исследователи попали внутрь, то им показалось, что они в гроте. Увиденные там причудливые фрески и мозаики получили название «гротеск». Гротески были найдены не только в Золотом доме. Эти элементы, как выяснилось, были невероятно популярны в римских настенных росписях. Живопись подземных помещений зародила моду на создание необычных узоров и изображений в убранстве домов, отделке мебели, посуды, украшений и причудливых фигурок. Дракон с виноградной лозой в зубах, грифон с яблоком в лапе, двухголовый лев, тело которого перевито плющом, — всё это типичные примеры гротеска в искусстве. Гротеску в искусстве свойственны гибриды и метаморфозы. Химера, являющаяся двухголовой помесью льва и козла, со змеёй вместо хвоста — гротеск.

В разговорной речи «гротескный» обычно означает «странный», «фантастический», «эксцентричный» или «уродливый» и, таким образом, часто используется для описания странных или искажённых форм, как, например, маски на карнавале или гаргульи на соборах. Таким образом, в широком смысле понятие «гротески» обозначает странные, карикатурные изображения. Главным для этого художественного приёма остаётся преувеличение и противопоставление.

Дж. Вазари в «Жизнеописании наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих написал: „Гротесками называют разновидность живописи, вольную и потешную, коей древние украшали простенки, где в некоторых местах ничего другого не подходило, кроме парящих в воздухе предметов, и поэтому они там изображают всякие нелепые чудовища, порождённые причудами природы, фантазией и капризами художников, не соблюдающих в этих вещах никаких правил: они вешали на тончайшую нить груз, которого она не может выдержать, приделывали лошади ноги в виде листьев, а человеку журавлиные ноги, и без конца всякие другие забавные затеи, а тот, кто придумывал что-нибудь почуднее, тот и считался достойнейшим“.

Источники: Вазари Дж. Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих: В 5 Т.- М.: Терра, 1993—1994. — Т.1. — С. 109-110

Отбор текстовых источников я проводила исходя из достоверности, полноты, актуальности содержания. При изучении данной темы я использовала материалы: научные статьи в журналах, интернет-ресурсы, книги, видео-ресурсы. Принцип рубрикации моего исследования — это структурировать контент, делая его более удобным для чтения и поиска, а также выделить ключевые темы.

1)Особенности гротеска в Древнем Риме.

Гротеск — порождение античного Рима. В Древнем Риме гротеск использовали для декора во фресках и мозаиках. Отличительные черты этого стиля: причудливое изображение животных, цветы, растения и мифологические существа. Все было изображено в ярких цветах и дополнялось геометрическими узорами. Гротеск также можно было встретить в огромном количестве орнаментов, например на разных вазах. Яркими примерами применения гротеска являются: Дворец Нерона в Риме, Дом Виттиев в Помпеях, Замок Святого Ангела в Риме.

2)Шедевры гротеска в Золотом Доме императора Нерона. Золотой дом Нерона в Риме является не только одним из самых впечатляющих дворцов жестокого правителя античных времен, но и самой огромной резиденцией императора во всей Европе. Дворец вместе с садами занимал от 50 до 120 гектаров земли. При строительстве Севером и Целером был использован недавно изобретенный цемент, и их считают первыми, кто стал пользоваться этим материалом, поэтому купола и арки не нуждались в опорах мощных стен, и дворец получился на вид очень легким и воздушным. Главный купол дворца был полностью покрыт позолотой, поэтому и название Золотой дом. В Риме, в то время, такие купола были лишь на храмах, но не на дворцах правителей. Также в украшении строения было использовано огромное количество камней и драгоценных металлов. Стены всех залов были полностью покрыты позолотой и мрамором. Здесь же был построен первый во всей истории лифт. Однако до наших дней дошла лишь малая часть от его былого великолепия. Но современная техника и компьютеры, а также дожившие до нас исторические материал, легко позволяют понять, как выглядел Золотой дом в период своего расцвета.

Император Нерон доверил работу росписи своего дворца известному художнику Рима Фабуллу (1 век н. э.), так как фресковая техника живописи по свежей штукатурке требовала быстрой и уверенной работы. Именно быстрота росписи придала его композиции необычайное единство. Плиний Старший (философ, историк в своей «Естественной истории» рассказывает, что Фабулл ходил в Домус всего на несколько часов в день, чтобы расписывать стены только тогда, когда свет был подходящим. К сожалению все работы этого художника оказались сосредоточены во дворце Нерона («темницей его искусства был Золотой Дом») и погибли вместе с дворцом в пожаре.

Золотой Дом был случайно обнаружен в XV веке. Фрески, хорошо сохранившиеся до того времени, под действием влаги начали разрушаться под влиянием воды и корней деревьев. В 1774 году римский покровитель искусств Людовик Мирри начал проект иллюстрирования интерьеров этого дворца: Он нанял трех художников: Винченцо Бренна, архитектора и рисовальщика из Виченцы, художника польского происхождения Франческо Смуглевича и Марко Карлони, римского гравёра и типографа. Благодаря этому эти уникальные работы сохранились. Но копии были раскрашены ярче, чем сами фрески. Кроме того художники в некоторых случаях дорисовывали детали, чтобы заполнить пробелы в оригиналах. Этот вид живописи открылся во всём своём великолепии и стал называться гротеском .Этот особый живописный настенный декор был популярен в Риме в эпоху Августа (63 г. до н. э. — 14 г. н. э.).

Однако не у всех художников и искусствоведов эти фрески вызывали восхищение. Джорджо Вазари (1511–1574 гг — итальянский живописец, архитектор и писатель) и римский архитектор Витрувий (70-80 гг до н. э.) резко критиковали этот древнеримский декор, считая его слишком эксцентричными даже уродливым. Но несмотря на такое мнение, гротески стали украшать лучшие дома итальянских высших сословий — от папских резиденций до герцогских дворцов.

Какие же композиции были здесь обнаружены?

Гротескный декор отличался использованием сказочных и мифических существ — крылатых гениев, сатиров, сфинксов, химер и пегасов. Эти стройные и гибкие фигурки часто переплетались с геометрическими и орнаментальными элементами, такими как канделябры или виноградные лозы. Все композиции отличались абсолютной симметрией. Рамки в форме побега виноградной лозы, а в них красочные фигуры -создают определённую лёгкость и воздушность.

Такие причудливые и игривые иллюстрации не всегда выполняли исключительно орнаментальную функцию часто имели образовательное или энциклопедическое предназначение, представляя собой своеобразную опись наук или мифических изображений. Тонкие позолоченные рамки делили свод на круглые, овальные и квадратные поля, в которых написаны мифологические сцены. Пышный и нарядный вид придавало обилие позолоты, и ярко-синий и красный фон полей, на которых четко выделялись светлые фигуры.

До наших дней дошли его орнаментальные композиции, городские пейзажи, сельские виды в нескольких помещениях. На рамках были изображены сидящие птички, иногда гирлянды с вазами, растительные орнаменты. а в верхних частях Фабулл любил помещать актерские маски, гиппокампов (морское чудовище).

3)Росписи Помпеи и Геркуланума. Дом Веттиев.

В 79 году нашей эры в Помпеях произошло извержение вулкана Везувий. Дому Веттиев удалось уцелеть. Это двухэтажное здание было построено во II веке до нашей эры. Целый город был похоронен под грудой пепла, а это здание уцелело. Его археологи обнаружили в ходе раскопок 1894–1896 годов. Это был подарок человечеству! Дом принадлежал двум вольноотпущенным рабам (Авл Веттий Конвива и Авл Веттий Реститут), чье имя и носит здание. Они разбогатели, занимаясь продажей вина. Здесь сохранились римские и греческие скульптуры из бронзы и мрамора, а внутренний двор, атриум, хозяева превратили в сад. Фонтаны и статуи украшали его. В комнатах остались нетронутыми дорогой декор и мебель. Обилие предметов искусства говорит о высоком статусе тех, кому принадлежит такой богато украшенный дом.

Традиция украшать стены дома росписями была перенята римлянами от греков. Но цветовая палитра римских живописцев гораздо богаче греческой. Римская настенная живопись (называемая также помпейской, по основному месту находок) была представлена в нескольких стилях и была широко распространена в Древнем Риме с III века до н. э. Декоративные стили: 1.Инкрустационный — стена расписывалась в подражание кладке из цветного мрамора — тёмно-красного, жёлтого, чёрного, белого. 2.Архитектурно-перспективный — на гладких стенах изображались колонны, карнизы, архитектурные композиции, пейзажи, создававшие иллюзию объёма и уходящего вдаль пространства. 3.Орнаментальный — Характерны симметричные орнаментальные композиции, включающие мифологические сцены и пейзажи. 4.Мифологический -. в этом стиле выдуманный мир полностью заменяет собой реальный. Преобладают белые, красные и чёрные поля с традиционными орнаментами.

Роспись дома богачей Веттиев является примером росписи четвертого декоративного стиля. Этот стиль объединяет в себе достижения других стилей. В нем декоративные элементы сочетаются с замысловатыми архитектурными изображениями. Используется орнамент, а в средней части стены располагается картина, по сторонам которой часто изображаются маленькие парящие фигуры. Преобладают белые, красные и черные поля с традиционными орнаментами. Мы видим фантастические композиции, удивительных существ. динамичность и обилие фигур, театральность — это признаки гротеска. В столовой на фризе изображены амуры, занятые различными ремёслами (виноделием, ювелирным делом, парфюмерией).Летящие фигурки создают эффект театральных декораций. На стенах дома разместились также многочисленные фрески — иллюстрации к 12 мифам Древней Греции и бытовые сюжеты. На одной фреске Геракл душит змей, которых подослала богиня Гера, на другой фреске женщины Фив разрывают Пенфея. .Дом Веттиев называют — Сикстинской капеллой Помпей.

4)Дом Фавна — Помпеи.

Одним из выдающихся памятников архитектуры и изобразительного искусства Помпей —считается Дом Фавна. Необычное название дом получил из-за бронзовой статуи фавна — духа леса, которая украшала декоративный бассейн в центральной части дома. Это настоящий археологический комплекс, который занимает почти 3000 квадратных метров и состоит из более чем 30 комнат. Вилла была построена во II веке до нашей эры и принадлежала роду Кассиев.Стены здания были украшены мозаичными панно и фресками. Здесь сохранился большой фрагмент напольной мозаики «Битва Александра Македонского с Дарием при Иссе». Мозаики, фрески украшены были пышным декоративным переплетением фруктов, лент, листьев и комическими масками. Каждая маска оригинальна, они не повторяются, и их смешные гротескные гримасы словно смеются над пафосом центрального сюжета Многие полы выполнены из мелких кусков цветного камня в виде эмблем. Сюжеты на них разные: кошка, схватившая птицу; утки среди выловленных рыб; мальчишка-Дионис, оседлавший льва; обитатели подводного мира — ракушки, рыбы, осьминоги и многое другое. Все эмблемы украшены прихотливыми бордюрами.

1)Особенности стиля гротеска в приод Ренессанса. Возрожде́ние или Ренесса́нс (начало XIV — последняя четверть XVI веков)- это эпоха в истории культуры Европы. Она пришла на смену культуре Средних веков и предшествовала культуре Нового времени. Прикрепить карточку Периодизация эпохи Возраждения:

Проторенессанс (вторая половина XIII века — XIV век). Раннее Возрождение (начало XV — конец XV века). Высокое Возрождение (конец XV — начало XVI века). Позднее Возрождение (середина XVI века — 1590-е годы).

Основные черты эпохи Возрождения: • гуманистическое мировоззрение (признание ценности человеческой личности, его творческой самостоятельности, духовного и физического совершенства); • светский характер культуры; • интерес к античной культуре, происходит её «возрождение». Название этому периоду дал итальянский архитектор и историк искусства Джорджо Вазари. В своей работе «Жизнеописание наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Он словом «rinàscita» отметил деятельность художников начала XVI, у которых, по его мнению, «то ли Божьей милостью, то ли под воздействием звёзд спала пелена» и художники вдруг увидели «истинно прекрасное». Это было время расцвета искусства и культуры, творчества, наук. Все виды искусства стали развиваться необычайно быстрыми темпами. Гениями эпохи Ренессанса являются Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан, Микеланджело, Боттичелли, Дюрер и другие художники. Возрождение зародилось и достигло расцвета именно в Италии, где сохранилось немало образцов античной культуры. Центров Ренессанса стала Флоренция так как, правившая там династия Медичи покровительствовала искусству и приглашала в город лучших мастеров своей эпохи.

Для гротеска в искусстве Возрождения характерны были черты: • гротеск широко использовался в оформлении дворцов, церквей и других общественных зданий; • гротеск как декоративный мотив применялся для создания удивительных произведений, в которых сочетались элементы природы и анатомии человека, а также для передачи политических и социальных идей; • гротеск нашёл применение не только для изображения сцен из античной мифологии, но и для символизации власти и авторитета папства; • использовался для декора фасадов зданий, мебели и даже тканей. Этот стиль стал символом роскоши и изысканности.

2)Гротеск в живописи итальянского художника Бернардино Пинтуриккьо. Гротеск появился в итальянском искусстве раннего Возрождения в настенной живописи. Орнаментом заполняли столбы и своды в соборах. Он обрамлял широкой полосой сюжетные сцены во фресках или размещался на деталях архитектуры в воображаемых интерьерах. В этот период гротескный орнамент наиболее часто встречается в росписях Бернардино Пинтуриккьо (1454-1513). Его гротески напоминают античные фрески, особенно, росписи «Золотого дома». Живая фантазия и лёгкость, простота и ясность, цельность.

Гротески состоят из завитков аканта (растительный орнамент), изображений птиц, морских существ, фигурок амуров, грифонов, дельфинов, разнообразных по форме ваз и чаш, масок, букраниев (голова быка), крылатых гениев, а также изображений реальных предметов. Одиночные и парные мотивы, чередуясь, образовывают стройные вертикали, за что композиция получила название «канделябр» (от лат. candela — свеча). Пинтуриккьо применял гротески для украшения нарисованных архитектурных элементов — пилястров, порталов, откосов окон и рёбер сводов.В 1483–1485 годах Пинтуриккьо создает гротески в римской церкви Санта-Мария-ин-Арачели (капелла Буфалини), в церкви Санта -Мария- дель- Пополо (капелла Ровере), а в 1503–1508 годах в Библиотеке Пикколомини в Сиене. Александр Бенуа, русский историк искусства, писал, что интерьеры Пинтуриккьо производят чарующее впечатление, завораживают яркими красками, обилием золота и изощренными орнаментами.

3)Художники Возрождения, применявшие гротескные мотивы. Пьетро Перуджино (1446—1524)| -художник раннего периода Возрождения. Пьетро Перуджино (1446-1523) выдающийся художник эпохи Раннего Возрождения. В 1496–1500 годах он выполняет роспись плафона и стен зала приёмов Колледже дель Камбио (Биржи) в Перудже, где использует гротески в качестве декоративного орнамента.Аллегорические фигуры, символы планет и знаки зодиака украшали плафон приёмного зала Биржи. Фигуры людей с причудливым переплетением гротескного узора и сочетание голубых тонов с цветом старинного золота придаёт блеск и нарядность росписи плафона. Перуджино дополнил антикизированную (античный характер произведения искусства) декорацию сводов росписями стен на христианские сюжеты, а гротескный орнамент, таким образом, стал частью сопоставления античного и христианского мира .В этом единстве он видел гармонию мира. Гротески встречаются в росписи Палаццо Дориа. Они обрамляли сцены греческой и римской мифологии.

Доменико Гирландайо и Лука Синьорелли. Доменико Гирландайо (1449-1494) — один из ведущих флорентийских художников периода кватроченто. Он стал основателем художественной династии и главой художественной мастерской, где учился юный Микеланджело. Гирландайо — один из ведущих мастеров фресковой живописи второй половины XV века. Без него не было бы не только монументалиста Микеланджело, но, может быть, и монументалиста Рафаэля. В1488 году Художник применяет гротескные мотивы во фреске «Рождество Богоматери» на хорах церкви Санта Мария Новелла во Флоренции. Во фресках представлено два мира: библейский и Флоренция периода Возрождения Рождство богородицы, выполнено с большой тщательностью. Особенностью фрески является окно-обманка, именно этот эффект используется в жанре гротеска. Нам кажется, что в помещение проникает свет, но это обман зрения у всякого кто смотрит на картину. Растительный орнамент огибает фреску, центральная ось становится центром, вокруг которой строится компазиция.

4)Рафаэль Сант — (1483–1520гг) -великий итальянский художник, скульптур, архитектор. Рафаэль Санти — (1483–1520гг) -великий итальянский художник, скульптор и архитектор, яркий представитель Эпохи Возрождения. Есть предположение, что именно Рафаэль ввел термин «гротеск», когда участвовал в раскопках дворца Нерона. В творчестве великого мастера гротеск получил качественное развитие, превратившись из вспомогательного декоративного элемента в мощную композицию. Одна из первых известных его работ, связанных с гротеском— ванная кардинала Биббиена. Это небольшая комната на третьем этаже Апостольского дворца в Ватикане была разрисована в 1516 году Рафаэлем для кардинала Биббиены, хорошего друга Папы В это время культ воды римских патрициев вошел в моду, и кардинал в своей ванной комнате пожелал видеть персонажей греческой мифологии: Венеру, Купидона и амуров с наядами В небольшой ванной комнате Рафаэль впервые применил античную технику росписи энкаусто, когда краски размешиваются горячим воском и это придаёт поверхности эффект бархатистости. Поверх тёмно-красного грунта были написаны картины, которые напоминали живопись древнеримских мастеров во дворце Нерона.

При создании фресок Рафаэль вдохновлялся недавно найденным дворцом Нерона — Золотым домом и его росписями. Здесь изображены игривые обнаженные фигуры и наводящие на размышления мифологические звери. Это графический роман, который рассказывал о приключениях Венеры, богини любви, и Купидона. На одной панели изображена обнаженная богиня, изящно шагающая в свою окаймленную пеной раковину. На других она восхищается собой в зеркале. Но главным памятником эпохи Возрождения, в котором проявилось многообразие и специфика гротесков стали Лоджии Рафаэля в Ватикане. Яркая фантазия Рафаэля, проявившаяся в этой работе не имеют себе равных в искусстве Ренессанса.

Строительство и роспись Лоджий продолжалось с 1512 г по 1518 г. На потолке Лоджий Рафаэля расположены кессоны — потолочные ниши. В каждом из них по 4 картины, написанные маслом на сюжеты из Ветхого и Нового Завета.Таким образом, всю галерею украшают сорок восемь эпизодов Ветхого и Нового Заветов. Библейские и евангельские сюжеты воспринимаются в единстве с декоративной росписью. Приёмы которые использовал Рафаэль, были многочисленны и разнообразны: красота колорита, усиление светотеневых контрастов вплоть до люминистических эффектов, обобщённость рисунка, лишённого подробностей, необычное, почти неправильное построение композиции и перспективы.

В причудливой росписи нигде не повторяясь, сливаясь в единую композицию, в строгом и ясном ритме, бегут завитки аканта, вазы, цветы, фантастические животные, сфинксы, грифоны, маски, амуры, лица людей, переходящие в лиственный орнамент. Все изображения, связанные декором канделябра, легки и свободны. Узор гротесков в Лоджиях выражает идеалы эпохи Высокого Возрождения: цельность и величие мироздания, гармония, ощущение внутреннего единства. Расположение гротесков на пилястрах очень интересно. Роспись на одном зеркально отражается в другом. Тот же принцип выдержан и в росписи боковых арок. Это придаёт живописи тайну, которую хочется разгадать.

Гротесковые росписи не только в храмах., но и в украшениях светских а построек. На вилле, построенной в 1506–1510 годах для банкира Агостино Киджи, Рафаэлем была написана фреска «Триумф Галатеи», обрамлённая гротесками. Но в отличие от Лоджий Ватикана, декор канделябра жёсткий, орнамент имеет несколько измельчённый. Это понятно, так как гротески данном случае играют роль рамы для изображения. Художники Джулио Романо и Перино дель Вага обратились к росписям Золотого дома Нерона.Но они писали не копии этих росписей, а скорее, вариации на заданную тему. Нимфа Галатея на фреске изображена на колеснице, запряжённой двумя дельфинами, в виде раковины «морского гребешка», , окружённая праздничной процессией морских божеств: тритонов и нереид, трубящим морским божеством. Она празднует победу. Купидоны собираются метнуть в Галатею любовные дротики. Четвёртый, к которому обращён целомудренный взор Галатеи, держит спрятанный за облаком пучок стрел Фреска выполнена в ярких голубых и золотистых тонах, чтобы передать ликование девушки, которой удалось спасти любимого. Таким образом, гротеск — орнамент, сформировавшийся в античности, в эпоху Возрождения получил второе рождение.

5)Развитие и распространение гротеска в XVI веке. В XVI веке гротески начали распространяться городам Италии. гротеск стал популярным в декоре резиденций, вилл и церквей. Причина заключалась в желании знати следовать лучшим образцам. Одним из первых моду на гротески воспринял город Мантуя в Ломбардии. В 1523 году Лоренцо Лоренбруно (1489- 1537) расписал гротесками потолок Большой залы, в Палаццо Дукале. Яркие примеры применения гротесков связаны с деятельностью ученика Рафаэля Джулио Романо (1499-1546). Наибольшего расцвета его художественный гений достиг в Палаццо Те — загородной вилле маркиза Федерико II Гонзага. В Лоджии муз потолок поделен на отсеки, которые окаймлены стукко и заполненные красочными летящими фигурами, символизирующих Победу и Изобилием. Милые фигурки путти чередуются с растительными побегами и арабесками. Гротески соединяются с аллегорическими и мифологическими сценками. В Зале Ветров и потолок покрыт изящными узорами по белому полю, которые сменяются тяжеловатыми канделябрами на тёмном.

6)Микеланджело Буонарроти. Искусство гротеска. Микеланджело Буонарроти (1475 -1564, Рим) — итальянский живописец, скульптор, архитектор, мыслитель и поэт, яркий представитель эпохи Возрождения. Абсолютным шедевром считается роспись потолка Сикстинской капеллы в Риме. Но с каким же трудом она далась творцу! Сикстинская капелла была сооружена на месте, где до неё существовала «Большая капелла» в которой в эпоху Средневековья собирался папский двор,. Римский папа Сикст IV опасался военной угрозы, поэтому он решил укрепить эту постройку. Проект создал архитектор Баччо Понтелли, а работы велись под руководством Джордже де Дольчи. Росписью зала занимались самые именитые художники того времени: Сандро Боттичелли, Доменико Гирландайо, Пьетро Перуджино, Козимо Роселли. Гобелены создавал сам Рафаэль. Мастера создали 16 великолепных фресок (до нас дошло только 12), являющих собой довольно сложные композиции на библейские темы. Венцом творения Сикстинской капеллы называют работу Микеланджело.

Цикл фресок Микеланджело, которым был расписан потолок капеллы, был создан в 1508–1512 годах. Он повествует о создании Богом прекрасного Мира и человека, впадении человека в грех и его отделении от Бога. В центре плафона художник изобразил историю Адама и Евы, в том числе «Сотворение Адама» — одно из наиболее знаменитых изображений в истории мировой живописи. Однако известно, что в этой композиции художник, используя игру света и тени, создавал эффект рельефа, то есть писал фигуры на плоскости так, словно они были высечены из камня Здесь, безусловно, художником использовался стиль гротеск, все фигуры изображены намеренно преувеличенно, и облик их искажён. Такие изменения делают характер героя более ярким. Во фресках свода Сикстинской капеллы Микеланджело представил два пути — христианский и гуманистический, которые не противоречат друг другу.

Микеланджело использовал гротески в росписи потолка Сикстинской капеллы. Через 25 лет после росписи потолка Микеланджело снова призвали сделать еще одну фреску в Сикстинской капелле, на этот раз на алтарной стене. Микеланджело принялся за работу. На стене площадью в 200 кв. метров должна была появиться библейская сцена «Страшный суд». Идея этого произведения заключается в том, что это последний суд, совершаемый Богом над людьми с целью выявления праведников и грешников и определения награды первым и наказания последним В этом шедевре мастер изобразил немногим более 400 персонажей, центральной фигурой среди которых является, конечно, сам Спаситель. Когда Папа Павел III увидел финальный, законченный вариант картины, он был настолько поражен, что упал на колени и начал горячо молиться. Конечно же именно в этой картине особенно ярко проявился жанр гротеска. Да и Папа Юлий пожелал видеть роспись с гротесками, которые вошли в моду.

элементы гротеска в картине «Страшный суд» Микеланджело:

• Святой Варфоломей. Среди святых, предъявляющих свидетельства своих мучений, мы видим фигуру святого Варфоломея, с которого заживо сняли кожу. Свою снятую кожу он держит в руках, а его лик представляет собой автопортрет Микеланджело в виде трагической маски • Восстающие мёртвые. В необычных позах они выползают из земли и видят суд охваченные страхом, одни ещё в виде скелетов, другие уже во плоти, но ещё ничего не сознают. 1 • Мифологические фигуры. В нижней части фрески изображён Харон, который в греческой и римской мифологии переправлял души в подземный мир. Здесь он несёт их прямо в ад, наполненный омерзительными персонажами. • Образ царя Миноса. В правом нижнем углу картины Микеланджело изобразил церемониймейстера папы римского Бьяджо да Чезену в аду в виде царя Миноса, судьи душ умерших. У персонажа ослиные уши, что является намёком на глупость, а вокруг него обмотана змея.

Желание спать, не просыпаясь, раскрывается во всей своей полноте в образе «Ночи», а желание быть камнем — в фигуре «Дня», часть лица которого уже начала «превращаться» в камень. Кажется, что отвернувшись от нас, он полностью обратится в бесформенную глыбу мрамора. «Ночь» и «День» — мраморные скульптуры, созданные Микеланджело Буонарроти в 1526–1531 годах. Они входят в композицию надгробия Джулиано Медичи, герцога Немурского, в Капелле Медичи во Флоренции. «Ночь» изображена в образе женщины, которая спит, опираясь локтем на согнутую ногу и поддерживая рукой низко опущенную голову. У ног фигуры скульптор изобразил сову, которая хорошо видит ночью. Также существует предположение, что в лице «Дня» скульптор изобразил свой героический образ, а в маске у ног «Ночи» — гротескный. При этом оба мужских образа и гротескная маска могут изображать черты самого Микеланджело.

Вывод: В 16 веке гротески окончательно выходят за пределы Италии и распространяются по всей Европе и проникают в разные виды искусства. Теперь мы их можем увидеть: в декорации мебели, оружия, ювелирных изделий, в керамике и в витраже, в гравюрах, в инкрустациях, в книжных иллюстрациях.

Гротеск продолжал существовать в живописи, графике и скульптуре, появляясь в виде фантастических существ, абстрактных форм и ярких цветов. В архитектуре этот стиль применялся для создания декоративных элементов на лепнине, для мозаики и фрески. Глубина и объём, достигался при помощи контрастных цветов и необычных форм, свойственных гротеску Нового времени. Особенности гротеска в Новое время: • сочетание живого и неживого; • гротескный декор трансформировался в арабески, шинуазри и певцы. • утрированный контраст мотивов и форм, подчеркивающий нереальность их сочетании; • возник такой жанр — каприччио.

Направления в искусстве Нового времени, в которых использовался гротеск: • Рококо — гротеск использовался для создания изощрённых произведений, в которых сочетались элементы природы и анатомии человека. • Неоклассицизм — гротеск часто применялся в сочетании с классическими мотивами, что привносило ощущение гармонии и равновесия. • Романтизм — посредством гротеска романтики выделяли противоположности эстетического и нравственного, высокого и низкого, добра и зла. Использование гротеска в живописных и архитектурных творческих направлениях было очень популярным почти до середины XIX века. В ХХ веке гротескные мотивы в произведениях искусства отчетливо проявились в сюрреализме и экспрессионизме, в дадизме.

2)Версальский дворец — жемчужина Франции. В XVII веке мотивы гротескового орнамента продолжали использоваться художниками, но в целом гротесковая уже не имела широкого распространения. Но всё же есть примеры использования гротесков в XVII веке. Версальский дворец, XVII век — один из наиболее ярких примеров использования гротеска в оформлении. Версальский дворец был воздвигнут по приказу Людовика-ХIV и расположен в 20 км к юго-западу от Парижа. Строительством руководили выдающиеся архитекторы Ардуэн-Мансар, Лебрен и Ленотр. Тысячи рабочих строили Версаль более 30 лет. Главной чертой архитектуры классицизма было обращение к формам античного зодчества. Потолки и стены дворца украшены сложными гротескными декорациями. Гротеск в Версальском дворце можно увидеть на Лестнице Послов. Её создал Шарль Лебрен. Стукковые рельефы окаймлены гирляндами и летящими купидонами, а богини, сатиры и сидящие узники завершают композицию по углам.

Гравюры Жана Берена, которые он использовал для оформления интерьера в 1671 году галереи Аполлона в королевском дворце Лувр, выполнены с применением стиля гротеск. В них художник изображал химер и обезьян, корзины с цветами и плодами, музыкальные инструменты и античные жертвенники, цветочные гирлянды, тонкие бордюры. Росписи потолков коридоров Уффици во Флоренции — .один из наиболее примечательных примеров гротеска Росписи были осуществлены живописцами Якопо Чиавистелли, Аньоло Гори и Козимо Уливелли. Основное содержание росписей — прославлении правления Медичи. Таинственные сюжеты, фигуры мифологических животных, орнаменты из растительных побегов, фантастические существа удивительным образом напоминали гротески Рафаэля

В XVII веке гротеск возвращается в Рим. Так в росписи оконных откосов Зала кирасиров в Квиринальском дворце, художник Аннибале Дюранте (1601-1621). изобразил сюжеты, которые сочетаются с фигурами мифологических животных . В 1610 году маркиз Винченцо Джустиниани, заказал художникам Паоло Гвидотти и Доменикино гротесковое оформление для своего палаццо в Бассано Романо. Гротеск проявился в украшение потолка крошечными геральдическими символами, а комнаты были декорированы изображениями Олимпийских божеств, сфинксов, превращающихся в растения, и путти, сидящих на подставках.

Французский декоратора и гравёр.Жан Берен (1640-1711) направил гротеск в новые области. Его Галерея Аполлона в Лувре (1670), показала как гротески могут сочетаться со стукко. Его гротесковый орнамент — лёгкий, прозрачный и изысканно причудлив. Но он не порывает с классицизмом, античность остаётся основой его творчества. Жан Берен трансформировал стиль и сюжетное содержание арабескового декора. (орнамент сложившегося в искусстве мусульманских стран. Построена по принципу бесконечного развития и ритмического повтора геометрического, растительног). Многие формы этого орнамента восходят к гротескам Рафаэля. Гравюры Берена послужили распространению нового стиля гротескового орнамента, который сочетал разнообразие мотивов, которое считается существенной чертой изящных интерьеров рококо: , распростёртые крылья летучих мышей, растения и цветы, , фигурные медальоны раковины, цветы, гирлянды, волны. Появляются также забавные сценки с обезьянками (сэнжри) и китайские мотивы (шинуазри).Обезьянки щеголяли в нарядах по последней моде, предавались обычным человеческим занятиям и разыгрывали сценки из комедии.

В XIX веке в России у художников и архитекторов возник большой интерес к культуре эллинизма, а также к римскому архитектурного наследию. Малая или Помпейская, столовая. По проекту А П. Брюллова в 1836–1839 гг был создан один из первых «помпейских» интерьеров в России в Зимнем дворце Малая или Помпейская, столовая. Здесь были прорисовки на белом фоне в стиле канделябров, вверху был оформлен фриз с изображением античных воинов. Потолок был также расписан симметричными композициями с гротесковым орнаментом: летящие женские фигуры, амуры, сатиры, мифологические существа. Художник и использовал присущую помпейским фрескам колористическую гамму, основанную на сочетании нескольких локальных цветов — белого, красного, синего и чёрного. Акварельные рисунки, которые украшали стены и потолки залов были объединены Константином Ухтомским в альбом- увраж (увраж –богато иллюстрированное художественное издание большого формата в виде отдельных листов или альбома), получивший название «Музей императорского Эрмитажа». За составление увража Константин Андреевич Ухтомский был пожалован бриллиантовым перстнем.

Новый Эрмитаж (1839–1852 годах) — по замыслу императора Николая I это здание, рядом с Дворцовой площадью, должно было стать музеем. Лео Фон Кленце (1784 -1864) — известный немецкий архитектор, живописец и исследователь античной —возглавил работы В оформлении помещений Нового Эрмитажа использованы гротесковые росписи: гирлянды, на которых сидят крылатые существа, канделябрные композиции, в основании которых расположены одиночные или парные грифоны, свободно парящие маленькие птички.

В 1778–1787 годах по заказу Екатерины II в Риме для создания Лоджий Рафаэля в Эрмитаже были сделаны копии ватиканских росписей. Руководил группой художников «снимавших копии» с ватиканских росписей, Кристоф Унтербергер для повторения «Лоджий Рафаэля» в Санкт-Петербургском Эрмитаже. Для этого архитектор Джакомо Кваренги в Санкт-Петербурге возвёл новый корпус рядом со зданием Большого Эрмитажа. На каждом своде помещено по четыре фрески (всего 52 картины на библейские сюжеты в обрамлениях из гротесков). Гротескам Лоджий Рафаэля свойственно смешение мотивов — изображений птиц, рыб и животных, растительных узоров и сюжетов античной мифологии, цветов, музыкальных инструментов.

«Можно без конца рассматривать затейливые орнаменты из цветов, растений, симметричными гирляндами, покрывающими пилястры. Среди листьев и ветвей прыгают белки, ползают змеи, улитки, черепахи, ящерицы, порхают птицы и стрекозы. Бобры, фазаны и крысы словно беседуют между собою. Реальное переплетается здесь с фантастическим. Рядом с бабочками и птицами легко порхают сказочные эльфы, у которых женский торс, крылья стрекозы и ноги другого насекомого. Амуры, сфинксы и тритоны движутся в лёгком танце.»* Несмотря на то, что изображения в Лоджиях Рафаэля в Эрмитаже и не написал сам Рафаэль, они выступают настоящим украшением всего музейного комплекса. *Гнедич П. П. История искусств. Живопись. Скульптура. Архитектура. — М.: Изд —во Эксмо, 2002 — 848 с. Стр. 567

Дом министра государственных имуществ —здание построено в 1844–1853 годах по проекту архитекторов Н. Е. Ефимова и Л. Л. Бонштедта. В оформлении интерьеров был также использован гротесковый растительный орнамент. Это мотив, типичный для помпейского стиля. Стены залов были опоясаны расписными фризами. В живописных вставках — картины сельской жизни, натюрморты, которые напоминают голландские картины. .На ярко -синем фоне имеются гротесковые изображения пары грифонов, обращённых друг к другу, крылатые женщины, превращающиеся в растения, силены Центральная роспись окружена лепным меандровым (греческий орнамент-непрерывная линия, ломаная под прямым углом).

Мариинский дворец — построен в 1839–1844 годах по проекту Андрея Штакеншнейдера и был подарен в качестве свадебного подарка дочери императора Николая I Марии. Назван в её честь — Мариинским дворцом. Дворец расположен на Исаакиевской площади. Фасад Мариинского дворца построен в стиле — классицизма .В украшениях интерьеров использовался гротескный орнамент. Квадратный или Помпейский зал -здесь использовались широкие и узкие вертикальные панно, которые расписаны были живописными композициями -гротесками. В основании которых находится пьедестал с крылатыми грифонами, на котором располагалась женская фигура в хитоне. Она одной рукой придерживает на голове вазу с длинным фантастическим растением, а выше сидят два синих путти над чашей и наливают в неё воду. В красном медальоне Венера, сверху амур.

Жёлтый геометрический орнамент на коричневом фоне обрамляет Центральное панно. Ниже в двух тёмно-красных полукружиях амуры везут поклажу на козе, , едут на пантере, кормят её катаются на дельфинах. По бокам от амуров из узких сосудов возникают крылатые химеры. Такие рисунки часто встречаются в помпейских росписях идут орнаментальные рамки,. Ближе к центру идут орнаментальные рамки, сначала арабески — синие с красными окружностями, затем канделябрные композиции с тератоморфными (уродливыми) фигурками. Помпейская галерея -это ещё один интерьер Мариинского дворца, где имеются гротесковые росписи. Это пейзажи без сюжетов в орнаментальной рамке, от которого вверх идёт линия, завершающаяся женской фигурой. Головы женских фигурок украшают причудливые завитки арабесок. Прямоугольники, круги, квадраты, заполненные арабесками, масками, фигурками амуров и фантастических существ.

Т. А. Петрова писала: «Росписи галереи отличаются богатством фантазии, гармоничным сочетанием с архитектурными формами и яркой цветовой гаммой. Здесь можно видеть оттенки синего, красного, зеленого, желтого, коричневого, черного. Это не случайно: мастера, создававшие росписи Помпейской галереи Мариинского дворца, строго следовали первоисточнику живописной отделки»* *ПетроваТ.А.Архитектор А. И. Штакеншнейдер.СПб: Издательство Государственного Эрмитажа, 2012 — стр. 102.

В 1723 году прошло торжественное открытие Петергофа — главной резиденции Петра Великого. Петергоф возводился по личным чертежам Петра. Впоследствии дворцы и фонтаны многораз перестраивались, но сохранили главные черты эпохи барокко — обилие декора, строгую симметрию пейзажей и зданий. Эту императорскую резиденцию часто называют «русским Версалем» за пышность и изящество. Однако в годы царствования Елизаветы Петровны, эти сооружения казались уже скромными, поэтому Петергоф был перестроен по просьбе императрицы архитектором Франческо Бартоломео Растрелли. Архитектор возвел третий этаж, по бокам здания создал галереи, а также интерьеры с большим количеством зеркал, резным декором и позолотой. В XIX столетии Большой дворец снова реставрировали. Архитектор Андрей Штакеншнейдер обновил интерьеры Восточного флигеля. Фасады Петергофа окружали террасы, лоджии, портики. Античность сочеталась с элементами архитектуры эпохи Возрождения.

В 1842–1844 годах по проекту А. И. Штакеншнейдера был построен Павильон на Царицыном острове.Этот павильон был создан по архитектурным принципам помпейского, дома, с которыми архитектор познакомился при посещении раскопок в Италии. Всё в облике этого помещения напоминало древний помпейский дом: и мозаичный пол (из белых, серых и красных плиток мрамора), и живопись, украшающая стены, а гротескибыли одним из главных средств, которые передавали колорит римских построек. Особую роль в оформлении Озеркового парка Петергофа сыграл выстроенный у петровского водоема в 1845–1848 годах Розовый павильон. Розовый павильон имел очень интересную отделку интерьеров. На главном этаже было три комнаты: зал, гостиная и кабинет, оформленные в помпейском стиле и украшены гротесковым орнаментом. Небольшие пейзажи в центре большого чистого поля стены, фриз, завершающий стену, включал в себя медальоны тонкого рисунка и большие вставки в виде завитков орнамента с фантастическими фигурами животных, птиц и амуров.

В процессе работы над темой моего исследования «Альтернативная классика. Гротеск в Древнем Риме, Ренессансе и в Новое время» я пришла к следующим выводам:

• гротеск прошёл большой путь в своём развитии от Античности до Нового времени; • характерная черта гротеска -. разновидность орнамента, в котором фантастически сочетаются декоративные и изобразительные мотивы (животные и растения, химеры, человеческие формы, маски), обрамлённых растительными элементами; • особенностью гротеска является его геометричность. Она возникает благодаря симметричному выравниванию элементов относительно осей и их структурированию, что определяет композиционную целостность и связывает все детали единым движением; • приём гротеска стал применяться в разных видах декоративного искусства, таких как: керамика, гобелен, вышивка, мебель, ювелирные изделия в украшениях рукописей; • гротеск — это не только декоративный мотив, но и символический элемент. В Древнем Риме он символизировал богатство и изобилие, в Ренессансе — изысканность и роскошь, а в Новое Время — свободу и экспрессию.

Практическое применение материалов моего исследования я вижу в том, что Созданный мной визуальный ряд может быть использован при изучении тем, связанных с историей искусства.