Венеция: город — экспозиционный зал
Содержание:
Концепция I. Про венецианский карнавал II. Про Биеналле современного искусства в Венеции — Пространства экспозиции III. Общие точки — Вовлечение зрителя — Изменение города — Переосмысление контекста Вывод
Венецианский карнавал и Биеннале современного искусства — диалог традиции и современности?
Венеция — город-остров с невероятно богатой историей, культурой, архитектурой и собственным уникальным колоритом и традициями. И в пространстве одного этого города одновременно проводятся два масштабных и связанных с искусством события. Первое — Венецианский карнавал, исторический феномен с многовековой традицией, вдохновивший развитие итальянского театра и оказывающий влияние на искусство и сегодня. Второе — Венецианская биеннале, главная площадка современного искусства, основанная на рубеже 19 и 20 веков. Оба события преображают город и наполняют его тысячами зрителей, используя Венецию не только как декорацию, но и как соавтора, создавая симбиоз истории и искусства.
Можно ли найти пересечения в этих двух событиях? Назвать карнавал историческим и культурным прототипом современных публичных художественных практик? Найти таковые в рамках биеналле?
A Carnival Scene at the Piazza San Marco, Venice by Sebastian Vrancx, 1650
Ведь карнавал — народный праздник, а биеннале — элитарное событие. Могут ли они вступать в диалог и рефлексировать друг друга сквозь века? И можно ли сказать, что Биеннале современного искусства наследует карнавалу, рефлексируя и преображая его части в своих художественных формах?
Giovanni Antonio Canal — Venice- The Grand Canal with S. Simeone Piccolo, 1740- National Gallery London
Погрузившись в историю и структуру этих двух феноменов, и сопоставив их между собой, можно попробовать уловить общие концептуальные или рифмующиеся между собой точки.
Melissa McGill — Red Regatta: A Public Art Project for Venice, Venice 2019 Bienalle
Lithuanian pavilion at Venice 2019 Bienalle — Sun & Sea (Marina). Opera-performance for 13 voices.
Данное визуальное исследование посвящено анализу и концептуальному сравнению средневекового карнавала с современными способами взаимодействия художника со зрителем и пространством города. Выделив общие точки, я рассмотрю, какими экспозиционными приемами, наследующими карнавалу, пользуется современный художник, и как это влияет на восприятие зрителя. В основе гипотезы предположение о том, какую визуальную преемственность можно найти в рамках одного города, и как она работает?
Для этого я вначале рассмотрю историю венецианского карнавала и его влияние на культуру и искусство, после историю и устройство Венецианской биеналле, и, проанализировав и сопоставив концептуальные сходства между собой, выделю их проявления в экспозиции и объектах. Основная временная рамка для анализа современных экспозиций — произведения 21 века, не считая одно исключение из 20 века, в котором особенно ярко проявились некоторые аспекты.
Визуальный материал, а именно произведения в пространстве Венецианской биеналле, выбирался по принципам наличия в них выделенных критериев, иллюстрирующие характерные стилистические приёмы. Текстовые источники — официальные сайты художников, статьи крупных журналов с репортажами и критикой, доступные в онлайн-формате.
Карнавал — прообраз паблик-арт
Johann Georg Graevius: «Il Carnevale di Venezia» from «Thesaurus antiquitatum et historiarum Italiane» — engraving (1722)
Зародившись в конце XI века как народный праздник перед Великим постом, Венецианский карнавал к XIII столетию превратился в важнейший социальный институт Республики. Его расцвет пришелся на XVIII век, когда он растянулся на целых шесть месяцев.
Суть маскарада — в ношении масок. Только во время маскарада аристократы и простолюдины могли смешиваться инкогнито. Маски стирали границы между классами, полами и моралью. Разрешалось играть в азартные игры.
Персонажи-маски стали символами не только карнавала, но и оказали огромное влияние на театр. Уличные спектакли карнавала — прообраз спектаклей гастролирующих трупп итальянского театра Дель Арте.
Unknown Artist: «Venetian masked characters during Carnival» colored drawing and watercolor (1614) — Codex Bottacin, Padova
Маски создавали пространство временного равенства, позволяя нарушать привычные иерархии. Искусство же произрастало и вдохновлялось традицией, а весь город превращался в единую театральную декорацию.
Niccolò Cavalli After Francesco Maggiotto, Three half-length figures from a Venetian carnival, 1750–1822
Pietro Longhi — Seguace di — Il ridotto di palazzo Dandolo, 1750-1770 ca
Элементы средневекового карнавала — уличные представления, в их числе — актерские сценки, развлечение толпы искусным шарлатаном и представление канатаходца — традиция называлась «Полёт ангела», уличная торговля и шествие Марий — бедных девушек, желающих выйти замуж, где выбранная дожами Мария получала роскошный наряд к торжеству.
Однако после падения венецианской республики в 1797 году карнавал был полностью запрещен, и также использование масок оказалось под запретом. Он постепенно возродился в 19 веке, но только на короткие периоды и, прежде всего, для частных праздников, сохранившись лишь в виде отдельных элементов традиции. Его современная история началась в 1979 году, когда городские власти приняли решение о возрождении праздника как культурного достояния. С 1980 года карнавал обрел новую жизнь, став коммерчески успешным туристическим аттракционом.
Одна из восстановленных традиций карнавала — «Полёт Ангела». «Ангел» выбирается среди выдающихся личностей, либо из «12 Марий» — ещё одной восстановленной традиции
Современный карнавал существует как успешный развлекательный городской проект — с конкурсом на лучшую маску и костюм, и является важным элементом туристического бренда города.
Однако, посмотрим из точки, в которой карнавал — живая традиция, вдохновляющая художников в этом городе и сейчас. И для начала рассмотрим структуру Венецианской биенллле — главного художественного события.
Биеналле современного искусства в Венеции
Появившаяся в 1895 году как международная художественная выставка, Венецианская биеннале за 128 лет превратилась в главный форум современного искусства. Инициатором создания выступил мэр Венеции Риккардо Сельватико, видевший в этом проекте способ вернуть городу статус культурной столицы.
Толпы людей, приехавших посмотреть на короля Италии Умберто и королеву Маргариту на 1-й Международной художественной выставке в Венеции в 1895 году.
В 1907 на Биеналле появился первый национальный павилион. Сегодня их число превышает девяносто, и это делает Биеналле своеобразной «Олимпиадой искусства», ежегодно привлекая более 600 000 посетителей и задавая тренды для всего арт-мира. Зачастую именно в рамках биеналле дебютировали художники, впоследствии обретавшие мировую известность.
Это можно связать и с политикой самой биеналле — открытостью к экспериментам. Так было не всегда — выставка переживала две мировые войны, фашистский режим Муссолини, кризисы, связанные с протестом художников за демократизацию искусства. Однако в тематиках и формате современной Биеналле можно выделить:
— акцент на политические и социальные темы (экология, миграция, права человека); — включение иммерсивных и интерактивных проектов, цифрового искусства и новых медиа; — расширение в новые пространства (Арсенал с 1999); — диалог с историческим контекстом Венеции; — баланс между элитарным и популярным искусством.
Экспозиции национальных павилионов 60-й Венецианской Биеналле: Швейцария, Египет, Япония, США, Португалия, Люксембург
Важный аспект современной Биеналле — общий куратор.
До 1970-х годов Биеннале функционировала без единого кураторского видения и была выставкой национальных школ искусства. Экспозиции формировались национальными комитетами, а отбор работ часто отражал политические интересы. Перелом наступил в 1973 году, когда впервые появилась тематическая выставка под руководством Карло Людовико Рагьянти. Однако настоящая революция произошла в 1980-е с приходом Харальда Зеемана (куратор 1980, 1999, 2001), который ввел практику сквозных концепций, объединяющих все экспозиции.
Современные кураторы выступают не только как организаторы, но и как интеллектуальные лидеры, задающие тон глобальным арт-дискуссиям. Темы стали метафорой эпохи, объединяя политику, философию и эстетику.
Например, вот как говорит о сути и миссии выставки куратор 59-й Венецианской Биеналле Сесилия Алемани:
«Выставка — место, где осмысление настоящего рождает визионерские концепции.»
«Каждые два года художники, музейные и арт-профессионалы, коллекционеры, галеристы, меценаты и постоянно растущая аудитория собираются в этом легендарном месте, чтобы ощутить пульс времени
Художники — это визионеры и социальные исследователи, которые помогают нам осмыслить настоящее и представить будущее, используя уникальные инструменты своей профессии.»
Особенности экспозиционных пространств
Историческое ядро в структуре выставки — Джардини ди Венеция (или Джардини делла биеннале), с итальянского — сады Венеции.
В отдельной зеленой зоне располагается 29 национальных павильонов, построенных с 1907 по 2022. Среди них — исторические архитектурные шедевры, как например: павильон России, построенный А. В. Щусевым в 1914) или Павилион Скандинавии (архитектор Сверре Олаф Фен, 1962). Центральный павильон Италии — площадка для основной кураторской экспозиции.
Джардини, схема павильонов
Павильоны Биеналле — главный павильон, павильоны России, Скандинавии, Дании, Финляндии, США
Вторая главная площадка — Арсенал.
Первоначально комплекс корабельных мастерских, треть которого по-прежнему занята военно-морским ведомством, а остальная часть, переданная муниципалитету в 2013 г., используется для экспозиций Венецианской бьеннале и для других городских проектов. Пространство подходит для масштабных инсталляций, поэтому оно стало знаковой площадкой для реализации экспериментальных проектов.
Арсенал. 60-я Биеналле, 2024
Арсенал, 60-я Биеналле 2024
Также сам город выступает как выставочная площадка — многие мероприятия располагаются в исторических палаццо, церквях, партнерских площадках и галереях. Например, лаконичная и мерцающая работа художника Ли Байерса на 58 биеналле расположилась в стенах затемненного пространства церкви Девы Марии.
James Lee Byars: The Death of James Lee Byars (2019). Santa Maria de la Visitazione Church, Venice.
Теперь, чтобы посмотреть на экспозиции через призму карнавального, выделим следующие опорные точки:
— потребность зрительского участия — игра с идентичностью, анонимностью — смешение высокого и низкого, сатира и ирония
— Вовлечение зрителя
Инсталляция Японской художницы Яои Кусамы хоть и относится к прошлому веку, однако являет собой прекрасный пример выбранных мной критериев в новой форме.
Официально художница не была приглашена на Биеналле, однако при поддержке Лучо Фонтана (известного итальянского художника) ей удалось получить разрешение разместить 1500 зеркальных шаров на лужайке перед павильоном Италии. Создавая бесконечное отражающее поле, они множили и искажали мир вокруг — посетителей, архитектуру и ландшафт. Размер каждой сферы был аналогичен размеру хрустального шара гадалки, однако, глядя в него, зритель видел только свое собственное отражение. Общей нитью было присутствие самой художницы, запечатленной почти на каждой существующей фотографии «Сада Нарцисса».
Yayoi Kusama, Narcissus Garden, 1966, installed in Venice Biennale, Italy, 1966
В течение первой недели Кусама поставила на лужайке два знака: «Сад Нарцисса, Кусама» и «Ваш нарциссизм продается». Изображая уличного торговца, и при этом одетая в золотое кимоно с серебряным поясом, она продавала зеркальные шары посетителям по два доллара за штуку, одновременно раздавая листовки с хвалебными отзывами Герберта Рида о своей работе. В конце концов, организаторы биеннале вмешались и положили конец ее «торговле». Но инсталляция осталась. «Сад нарциссов» 1966 года многие часто интерпретировали как саморекламу Кусамы и ее протест против коммерциализации искусства.
Впоследствии инсталляция много «гастролировала», вписываясь как в урбанистические, так и природные пространства.
«Сад Нарцисса» обретает место в разных местах и в наше время
Но если Кусама обращается только к посетителю биеналле, то следующая художница взаимодействует с целым городом, его жителями и историей.
Melissa McGill, Red Regatta, 58 Biennale di Venezia 2019
С мая по октябрь 2019 года художница Мелисса Макгилл организовала серию масштабных регат по лагуне и каналам Венеции в рамках крупного публичного арт-проекта, который прославлял морскую историю города и должен был привлечь внимание к изменению климата и массовому туризму. Разворачиваясь в несколько этапов, Red Regatta заполнила водные пути Венеции 52 традиционными парусниками, с поднятыми вручную расписанными красными парусами.
Красные тона парусов отсылают нас к самой Венеции — от ее кирпичей и терракотовых крыш до флага и истории торговли красным пигментом, картин Тициана, Тинторетто и других венецианских мастеров.
Для участия в проекте было привлечено множество людей — от моряков до художников. Впоследствии была издана книга со всеми участниками проекта.
Red Regatta book published by Marsilio
Следующий проект — перформанс победителя 55-й биеналле — Тино Сегала, ни фотографий, ни записей которого не существует по жесткому требованию самого художника. Для Сегала произведение искусства — это живая встреча между произведением искусства и зрителем. Художник не создает объекты — он создает «ситуации» в музейном пространстве, в которых исполнители (среди которых певцы и танцоры) выполняют определенные действия, таким образом формируя новый уникальный опыт встречи с искусством.
Tino Sehgal: This variation
«This Variation» исполняется в полностью затемненном помещении, в темноте которого большая труппа исполнителей превращает музейное пространство в изменчивый и удивительно чувственный аудиопейзаж. По методу Бегала именно так, постоянно обостряя внимание и чувства посетителей разными звуками, движениями, речью и пением, граница между зрителем и произведением стирается.
— Изменение облика города
Масштабные работы-занавесы африканского художника Эль Анацуи — живопись из бутылочных пробок и прочих остатков перепотребления. За выдающиеся достижения на 56- й Венецианской биеннале Эль Анацуи стал обладателем «Золотого льва» и был признан самым значительным из ныне живущих африканских художников, работающих на континенте.
El Anatsui, Artempo, Palazzo Fortuny, Venice, 2007
Работа удивительно прекрасно вплетается в вид на стене венецианского палаццо. Она предваряла и являлась частью энциклопедической художественной выставки «Artempo: Where Time Becomes Art» 2007 года. Выставка включала в себя различные культуры и периоды — экспонаты варьировались от археологических материалов, прикладного и классического искусства до современных инсталляций.
«Artempo: Where Time Becomes Art» A mirror by Anish Kapoor at the Fortuny Museum in Venice.
Следующий проект — загадочный треугольный павильон от студии UNA/UNLESS, расположившийся на 60-й Венецианской биеннале во дворе Венецианской Академии изящных искусств, став временным дополнением к историческому зданию.
A Pavilion for Swell of Spæcies, Collateral Event of the 60th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia, 2024
Ярко-синий цвет объекта символизирует важность сохранения экосистемы Венецианской лагуны и роль океана в природном балансе. В зеркальной поверхности павильона отражается и тонет окружающая архитектура, а с наступлением темноты создается иллюзия видимости еще одной скрытой части двора, подчеркивая связь искусства сквозь века.
A Pavilion for Swell of Spæcies, Collateral Event of the 60th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia, 2024
Внутри павильона — инсталляция «Нарастание пространств/видов» камеруно-французской художницы Жозефы Нтьям. В своих работах в соавтровсте с нейросетями она исследует синтез искусства и технологий, предлагая новый взгляд на историю и африканскую культуру.
Swell of Spæcies', Josèfa Ntjam^ 2024
Следующий проект аргентинского художника Томаса Сарасено был представлен на биеналле 2019 года за рамками национальных проектов в отдельном павильоне. Художник много работает с темой переосмысления места человека в мире, размышляя от масштаба атомов до космической гармонии. Данный павильон посвящен экологическому кризису и волне вымираний на планете. Солнечные лучи направляются серией зеркал, освещая паутину, расширяя ее отражение в космическую сеть связей.
Этот проект также заигрывает с темой предсказаний и гаданий, приглашая зрителей на размышление о мрачном будущем.
Tomás Saraceno Spider/Web Pavilion 7: Oracle Readings, Weavings, Arachnomancy, Synanthropic Futures: At-ten (t)sion to invertebrate rights! 2019
Второй проект художника в этом же году расположился в пространстве над водой, и посвящен проблеме выбросов углерода и угрозе уменьшения облаков. Образ запутанных сетей и множества кристаллических распадающихся форм тут также используется художником, в первую очередь, для того, чтобы изобразить сложную структуру отношений человека с миром.
On the Disappearance of Clouds, Aero (s)cenes, 2019
Следующие работы — огромные, вписанные в городской пейзаж скульптуры Лоренца Куинна на биеналле 2017 и 2019 годов.
В 2017 году в работе «Поддержка» две гигантские белые руки появлялись из Гранд-канала перед историческим зданием, выражая послание художника об изменении климата — из-за растущего уровня воды Венеция находится под угрозой постепенного затопления.
Lorenzo Quinn, «Support», Venice Biennale 2017
В 2019 году художник представил работу «Строительство мостов». Шесть пар рук высотой по 15 метров образовывали арочный мост через венецианский водный путь. Руки олицетворяли универсальные ценности — мудрость, надежду, помощь, веру, дружбу и любовь. В своем союзе они символизировали способность человека преодолевать барьеры и действовать сообща, призывая к сплоченности во времена глобальных кризисов.
«Building Bridges» by Artist Lorenzo Quinn, 58th Venice Biennale, 2019
— Переосмысление контекста
Проект, посвященный образу Венеции в 2019 году разработала Арт-группа из Берлина Plastique Fantastique, представив в венецианском павильоне иммерсивную инсталляцию, название которой можно перевести как «Размытая Венеция».
Plastique Fantastique, BLURRY VENICE, Venice Art Biennale 2019
Пространство, где нет ни стен, ни потолка, ни пола отсылает к туманному городу, где земля и вода не имеют четкой границы. В этом размытом, похожем на сон пространстве посетители сами становятся и актерами, и зрителями для друг друга. Границы между средой и архитектурой исчезают, а воздух, вода и линия горизонта сливаются воедино. Инсталляция искажает восприятие и создает иллюзию, которая превращает архитектурную конструкцию в воображаемый ландшафт.
Anish Kapoor, Mount Moriah at the Gate of the Ghetto, Installation view at Palazzo Manfrin, Venice, 2022
Работа Аниша Капура обращается не к поэтическому образу, а к реальной истории. В отреставрированном Палаццо Манфрин в 2022 году была представлена инсталляция «Гора Мориа у ворот в гетто», название которой отсылает к расположенному рядом историческому венецианскому гетто. Инсталляция вступает в диалог с самой архитектурой дворца: её колоннами, фресками и даже сохранившимися вандальными граффити периода запустения, символически используя насыщеный «венецианский» красный цвет.
Вывод
И карнавал, и биеналле — ограничены временем проведения и близки в своей попытке уловить разную, но всё же свободу — будь это свобода от социальных норм, или свобода самовыражения и художественного высказывания. В экспозиции мы фиксируем момент в истории искусства, на карнавале — момент удовольствия жизни.
И если карнавал в городе снимал социальные условности, открывая свободу его участникам, то художник сейчас скорее обличает противоречия мира вокруг, желая направить внимание на то, что стремится быть сокрытым.
И хоть охватить все многообразие экспонатов и экспозиционных приемов в одном исследовании невозможно, мне кажется, что в рассмотренных мной примерах — попытка игры с городом и зрителем — вторжение в его обыденное пространство и заострение внимание на глубоком смысле «под маской» художественной формы, всё-же напоминает старую традицию, или просто являет собой еще одну оптику восприятия как для художника, так и для зрителя.
58th Venice Biennale: the Sculpture «Building Bridges» by Artist Lorenzo Quinn | Sculpture Network
