Саунд-арт в современном выставочном пространстве
Введение
Современное музейное пространство на протяжении долгих лет претерпевает различные изменения. Кураторы стараются добавлять в экспозиции новаторские решения и приемы, которые смогут увлечь зрителей и раскрыть историю совершенно по-новому. Современные художники часто работают со звуком и другими медиумами, способными воздействовать на различные органы чувств, тем самым реализуя идею тотального, всеохватывающего искусства. Так, советский художник Вячеслав Колейчук упоминал это явление еще в 90-х годах. Он отмечал синтез различных видов искусства, как одной из наиболее важных составляющих кинетизма. Одним из предтечей этого направления он называл А. Н. Скрябина, его «Прометей» и проект «Мистерии» [1]. Таким же образом современные кураторы хотят превратить выставку не просто в сборище различных экспонатов, а в увлекательное путешествие. В нем предметы часто взаимодействуют со зрителем, а иногда он сам становится главным действующим лицом экспозиции. Часто основным каналом коммуникации выступает звук.
Фото: unsplash.com
Концепция исследования
Тема данного исследования оказывается весьма актуальной, так как приемы, появляющиеся в современных выставках, постоянно развиваются и становятся все более интерактивными и междисциплинарными. Одним из самых эффективных способов соприкоснуться с искусством становится саунд-арт. Звук может воздействовать на эмоции зрителей, не требует долго анализа и толкования, так как моментально вызывает реакцию. Мы рассмотрим приемы, которые используют кураторы современных выставок, для того чтобы интегрировать в пространство музыку и звуковые эффекты, как самостоятельные экспонаты или методы, раскрывающие физические объекты, уже представленные на экспозиции. Основная цель заключается в том, чтобы понять является ли продукт саунд-артистов самостоятельным, либо же ему требуется материальное сопровождение и описание. Также важно будет определить, какие методы используются для создания инсталляций.
Необходимо отметить, что саунд-арт — это не только звук, это вид междисциплинарного искусства. Его цель заключается в том, чтобы передать определенное послание с помощью звукового полотна. Здесь важен момент создания связи между самим музыкальным продуктом и окружающим миром. Определение звукового искусства предложил исследователь Дмитрий Соколовский. На конференции «Электроакустическая композиция: теория, история, практика», которая прошла в Центре электроакустической музыки Московской консерватории в 2022 году, он заявил: «Высокотехнологическое звуковое искусство — это обширная область творчества, материалом которого является звук как акустический феномен. Данная область включает в себя различные направления, такие как электроакустическая музыка, электронная музыка, саунд-дизайн, саунд-арт и другие» [2].
Исследование разделено на несколько глав: в первой анализируется интерактивность выставок и инсталляций саунд-артистов, затем поднимается вопрос проблемы экспонирования звука. А в третьей части мы анализируем, как музыка способна добавить к уже существующим выставкам дополнительные смыслы и значения. После проведения анализа выбранных произведений различных саунд-артистов из разных частей мира можно будет прийти к выводу о совремеренном состоянии экспонирования звука в музеях.
Фото: unsplash.com
Интерактивность
Партитура для «4'33»». Джон Кейдж. 1952.
Одной из важных составляющих звукового искусства является интерактивность. Все потому, что личность слушателя выходит на передний план. Новое взаимодействие с искусством всегда отличается от предыдущего. Оно создает новую версию звучащего и видимого. Таким образом, контакты зрителей и инсталляций генерируют новые решения и аудиальные идеи. Если размышлять об истории интерактивности в саунд-арте, то можно вспомнить произведение «4'33»» композитора Джона Кейджа. Это трехчастное сочинение для различных инструментов. Его задумка заключалась в том, чтобы музыканты на протяжении почти 5 минут не издавали ни одного звука. Зрители начинали ругаться, кричать и переговариваться. Таким образом, они наполняли помещение шумом. Кейдж хотел доказать свой тезис о том, что абсолютной тишины не существует. Слушатели, сами того не понимая, невольно стали музыкантами.
Еще одним интересным примером интерактивности звука является работа Тима Мюррея Брауна «Пещера звуков». Она была представлена в 2013 году. Смысл произведения заключается в том, что оно состоит из 8 музыкальных инструментов, собранных в круг. Посетители, пришедшие посмотреть на инсталляцию, должны использовать музыку и звуки как способ коммуникации. По задумке Брауна это должно отсылать их к пещерным временам, когда люди не имели общего языка и коммуницировали без слов. Чтобы общаться с помощью музыкальных инструментов посетителям не нужно иметь специальное образование или знать нотную грамотность. Принять участие в перформансе могут все, даже дети. Компьютер, который воспроизводит звуки, автоматически обрабатывает и выравнивает их. Это расширяет аудиторию и помогает увлечь музыкой новых людей, а также продемонстрировать тот факт, что саунд-арт действительно использует интерактивные приемы для генерации новых свойств работ. Каждый круг людей будет выбирать совершенно разные по звучанию способы коммуникации, таким образом будут генерироваться непохожие аудиальные сообщения.
Для создания интерактивности необходимо наличие определенного интерфейса. Благо, развитие технологий не стоит на месте. С помощью дополнительных функций зритель сможет коммуницировать с инсталляцией, совершая определенные действия. В ответ на них работа будет каким-либо образом реагировать, например, менять звучание. Выбор типа взаимодействия, устройств и способа общения между слушателем и экспозицией — широкий простор для фантазии. Например, интерактивная инсталляция Théoriz Studio, представленная в 2014 году, исследует связь между искусственным интеллектом, звуком, видео и человеком. В произведении каждое движение посетителя, будь то случайное или осознанное, становится стимулом для создания цифрового звукового ландшафта. Его посетитель может наблюдать вокруг себя в виде звуковых волн. Оно создает диалог между человеком и компьютером, позволяяя ощутить различные вариации осмысления звука и пространства. Минималистичная эстетика и вибрации создают как виртуальный, так и физический опыт. Они позволяют пользователю ощутить самые тонкие вариации звука и пространства
Еще одним интересным примером становится произведение медиахудожника из Германии Бояны Петкович. Она создала работу Swamp Orchestra («Болотный оркестр»). Это звуковая имитация экосистемы болота, которая состоит из 16 светочувствительных звуковых модулей. Они реагируют на свет фонарика, а звук меняется в зависимости от количества света. Модули повторяют действия живых обитателей болота, например, лягушек, птиц и насекомых. Им тоже нужен свет, чтобы существовать и издавать звуки. Модели запрограмированы на определенные повторяющиеся процессы, которые могут быть изменены внешним воздействием света. С помощью технологий инсталляции Swamp Orchestra становится возможно управлять миром природы, к чему так тяготеет человечество. Посетители должны исследовать сложные вариации звуков, которые на самом деле бесконечны. Каждый набор звуков становится индивидуальным и непохожим ни на какие другие.
Вхождение в тему. Дмитрий Каварга. 2009 год
Также важно рассмотреть работу «Вхождение в тему» Дмитрия Каварги. Она была представлена в 2009 году в Москве, в галерее Pop/off/art. Выставка состоит из объектов-сущностей, которые выполнены из полимеров. Скульптуры оснащены приборами биообратной связи, которые предполагают интерактивное взаимодействие со зрителем. Сам автор пишет: «Это своеобразная материализация призраков, населяющих сознание художника и приходящих ему во снах. С болезнями и смертями каждого существа, в прошлом домашнего животного, связана история, подчас душераздирающая и безвозвратно впечатавшаяся в самое ядро творческого сознания» [3].
Внутри скульптур находятся громкоговорители. Зритель должен дотронуться до специальных электродов, тогда объект издаст звук. Таким образом он находится в контакте с выставкой и создает определенное звуковое пространство. Сигнал интерпретируется специальным устройством, которое было разработано Тимуром Щукиным. Оно измеряет уровень биологических процессов, например, степень взволнованности. Сигнал превращается в MIDI-сообщение, которое формируется в звук. Так, зритель своим внутренним состоянием влияет на выставку. Чем спокойнее слушатель, тем более устрашающие звуки он услышит.
Важность взаимодействия со зрителем также прослеживается в работах шведского композитора Андерса Линда. Ярким примером является его произведение «Линии». Зрители впервые увидели его в 2016 году. Автор расположил по всему периметру комнаты цветные линии, каждая из которых символизировала определенный музыкальный инструмент. Посетителям выставки было необходимо расположить на них руку, тем самым воспроизведя звук. Слушатель также мог влиять на тембр, скорость или темп мелодии. Основной задачей Линда было создание нового аудио-визуального опыта для посетителей выставки. Таким образом он предоставлял людям полную свободу самовыражения: каждый человек без музыкального образования мог стать творцом.
Приведя примеры использования интерактивных приемов в инсталляциях саунд-арта, можно прийти к промежуточному выводу о том, что такие решения сближают простого человека с миром искусства. Они стирают границу между выставочным пространством и посетителем. Зритель больше не просто наблюдатель, он самый главный участник перформанса. Без него, он не имел бы смысл.
Проблема экспонирования звука
Кураторы выставок отлично понимают проблематику экспонирования звука. Основной из них является эфемерность представляемого объекта. Однако важным фактором является то, как звук меняет пространство и какие дополнительные смыслы воссоздает. Саунд-арт позволяет экспериментировать с опытом, который человек получает во время слушания. У зрителя случается своеобразный «метапереход» во время взаимодействия с музыкальным произведением. Об этом явлении говорил автор пространственных пьес Владимир Горлинский: «Когда слушатель находится внутри пространства пьесы (музыкального произведения) уже нет разделения на „вот я сижу в зале или дома и слушаю, а исполнитель где-то там на сцене“, в данном случае вместе с пространственным движением звука с ним уже случился „метапереход“, и если мы режиссируем этот момент, то мы можем дать почувствовать то, что происходит с пространством, изменяемым звуком, во всей остроте» [4].
Выставка Лебедь сдох. Фото: solyanka.org
Проблему экспонирования звука кураторы галереи «Граунд Солянка» решают в выставке композиторов и медиахудожников под названием «Лебедь сдох». Проект реализован совместно с Центром электроакустической музыки (ЦЭАМ). Название отсылает к произведению Антона Светличного, посвященному деконструкции музыки П. И. Чайковского. На выставке можно найти экспериментальные звуковые произведения композиторов-медиахудожников, которые давно практикуют синтез искусств. В некоторых работах они превращают в музыкальные произведения в физические объекты, например, картины и видео. Так, ярким примером является работа самого Антона Светличного под названием «Футурология». В ее рамках виртуальная проекция говорящего музыканта транслируется перед зрителями. Его речь дополняет визуализация звуков. Таким образом, посетитель экспозиции может наглядно понять, как выглядит то, что он слышит собственными ушами. Также Светличный с помощью этого приема решает проблему архивирования образцов саунд-арта.
Восьмиканальная капсула Архива Сенсорной Культуры. Фото: solyanka.org
Восьмиканальная капсула Архива Сенсорной Культуры. Фото: solyanka.org
Еще одной интересной работой, которая затрагивает вопросы экспонирования звука, становится проект «Граунд Солянки» под названием «Архив Сенсорной Культуры» [4]. Он представляет собой прямоугольную нишу, которая оснащена экраном для расшифровки услышанного произведения. Создатели проекта понимают, что развитие технологий диктует появление новых решений для представления арт-объектов. Поэтому они ищут пути выставления звука в арт-пространстве. В капсуле слушатель может насладиться импровизацией Андрея Монастырского с участием Сергея Ромашко, услышать записи Германа Виноградова, стихи художника Андрея Кузькина, «Сказки со смыслом и без» Кати Бочавар и Алексея Коханова, кабаре-нуар Людмилы Петрушевской и многое другое. [4] Кураторы делают нематериальную коллекцию доступной для широкого круга людей и сохраняют ее для потомков.
Марта Руказенкова — продюсер проекта и один из создателей концепции музея АСК говорит: «Нам важно не просто сохранить звук, а сохранить звуковые и медиа инсталляции во всей их многогранности. Мы сохраняем точную инструкцию художника, как нужно инсталлировать его работу и, самое главное — какой эффект должен ощутить зритель, записанные ощущения посетителей, услышавших произведения. АСК — классический музей с неклассическим подходом, мы сохраняем ощущения, чтобы в будущем иметь возможность воспроизвести ту или иную работу даже с помощью других технических средств и в другом пространстве, сохранив при этом смыслы, которые вложил автор» [4].
Кубическая октофоническая аудиосистема. Фото: @kholmygallery
Кубическая октофоническая аудиосистема. Фото: @kholmygallery
Также предлагаем рассмотреть проект комьюнити независимых музыкантов и художников SoundArtist.ru. Участники объединения экспериментируют со звуком и разбираются в его связи с современными технологиями. В 2022 году у комьюнити появилась постоянная площадка SA))_gallery. Именно там расположилась кубическая октофоническая (8-канальная) аудиосистема. Она помогла участникам проекта представить свою первую выставку саунд-арта под названием «Разжиженный дом». Куратором проекта стала Виталина Стрекалова. Она утверждает, что экспозиция представляет собой «трехмерное психоакустическое наблюдение за материальными свойствами звука» [5].
Пример геометрической партитуры Эльдара Садыкова. Фото: solyanka.org
Участники выставки должны были представить абстрактные произведения, имея ввиду пространственные свойства своей аудиосистемы, которая должна находиться в кубе. Всего они представили 12 аудиоработ. В их числе был и «Электронный этюд» научного сотрудника Центра электроакустической музыки Московской консерватории Эльдара Садыкова. В своем произведении он обращается к работе композитора Карлхайнца Штокхаузена «Электронный этюд II» [5]. Садыков создает новые формы нотации с помощью простых геометрических фигур. По мнению музыканта, такой способ позволяет наглядно описать сложную электронную музыку.
«Нотация электронной музыки в сознании композиторов до сих пор является чем-то крайне трудоемким и необязательным, но я убежден, что с нынешней производительностью компьютеров этот процесс можно сильно упростить, а также добавить уникальные возможности, такие как, например, анимация и интерактивность. Поэтому я решил создать свои собственные этюды для демонстрации этих возможностей», — Эльдар Садыков [2].
Генерация. Видеозапись работы в среде MAX/MSP.
Для экспонирования своих произведений саунд-артисты используют современные технологии. Часто они обращаются к среде визуального программирования Мах. Она также содержит дополнительные функции для работы с аудио (MSP) и видео (Jitter). Например, ее использовала Камила Юсупова для работы «Генерация». В рамках произведения художница фиксировала перемещения людей с помощью камер. Затем запись была преобразована в композиции графического звука. На такой эксперимент ее вдохновила нотация Моцарта с помощью игральных костей. Великий композитор и его коллеги использовали выпавшие комбинации для дальнейшего развития музыкального произведения.
А мультижанровый художник Флориан Хекер известен своими скульптурными звуковыми инсталляциями. Например, в 2010 году во франкфуртском Музее Современного искусства была представлена его работа, суть которой заключалась в демонстрации звуковых волн. С потолка галереи свисали рупоры, оснащенные кривыми зеркалами. Они отражали внешний вид источника звука и изменяли форму звуковых волн. Хекер является сторонником концепции «chimerization», в рамках которой он манипулирует звуковыми волнами для выделения новых смыслов.
В данной части исследования нам удалось выяснить, какие современные методы и технологии используют саунд-артисты для экспонирования своих произведений. Благодаря прогрессу опыт посетителя выставки становится многогранным и задействует сразу несколько органов чувств. Он также является многовариантным и разнообразным, тем самым давая новый простор для интерпретаций и дальнейшего развития в этой области.
Саунд-арт как способ добавления дополнительных смыслов экспозиции
На протяжении долгих лет в выставочных пространствах превалировали визуальные формы: картины, скульптуры и другие образцы классического искусства. Звук использовался только в качестве функционального сопровождения, например, аудиогидов. Однако в последнее время этот процесс претерпевает значительные изменения. Аудио теперь не только вспомогательный инструмент, но и полноценный объект искусства. Различные звуковые элементы используются также для того, чтобы добавить новые смыслы физическим объектам и дополнить экспозицию дополнительным нематериальным пространством, которое также несет в себе некоторую информацию.
Например, в 2018 году в Санкт-Петербурге прошла выставка звуковых произведений Тараса Машталира и Павла Панкратова. Экспозиция была реализована в рамках проекта Sonicology. Особого внимания заслуживает звуковая скульптура «Стелла». Она представляет собой комбинацию света и звуковых систем, которые оснащены сенсорами. Технология способна считывать активность людей и реагировать на нее различными цветами. Создатели считают, что объект способен менять способы взаимодействия посетителей выставки с ее пространством.
«Система сенсоров в реальном времени производит анализ пространства в пределах артефакта. Эти данные организуются по Пифагорейским принципам и генерируют гармоническую палитру в виде секвенции звукового тона и его цветового эквивалента по шкале электромагнитной волны, стимулируя синестетические ощущения», — говорит Тарас Машталир [6].
Константин Коровин, «Париж утром». 1906 год. Собрание Государственной Третьяковской галереи
Клод Моне, «Бульвар Капцуинок в Париже». 1873 год. Собрание ГМИИ имени А. С. Пушкина
Еще одним интересным примером синтеза изобразительного искусства и саунд-арта является проект «Музыкальное измерение». Он был запущен к выставке «После импрессионизма. Русская живопись в диалоге с новым западным искусством» в Пушкинском музее. В рамках инициативы Теодор Курентзис и резиденты musicAeterna составили плейлисты для просмотра картин. По их мнению, музыка позволяет погрузиться в контекст экспозиции и дополнить ее новым измерением.
Так, к картине Клода Моне «Бульвар Капцуинок в Париже» Курентзис подобрал сочинение Мортона Фельдмана «In Search of an Orchestration». А при просмотре произведения «Париж утром» Константина Коровина он советует слушать концерт для скрипки с оркестром авторства австрийского композитора Дьёрдя Лигети [7]. Также музыка обращает внимание зрителя экспозиции на идею диалога между различными видами искусства. Звук помогает найти технические принципы, которые сопоставляют музыкально-художественные пары.
Картина М. Матюшина «Сон» в инсталляции Олега Макарова «Смотреть из центра». Фото: @theartsmuseum
Инсталляции на стыке саунд-арта и искусства часто добавляются в экспозиции для передачи тех эмоций и чувств, которые невозможно ощутить только благодаря визуальному опыту. Например, инсталляция Олега Макарова «Смотреть из центра» появилась на выставке «Котел алхимика: Осязательный взгляд и незрительное восприятие. Часть I». Она проходила в ГМИИ им А. С. Пушкина. Работу можно назвать многоканальным звуковым проектом. Интересно, что произведение расположилось в одном зале с картиной Михаила Матюшина «Сон». Инсталляция Макарова воссоздавала атмосферу мастерской автора. Также с помощью звуковой составляющей она о сфере его интересов. Можно было услышать чтение правил затылочного объемного зрения. Им авангардист обучал своих студентов в начале XX века.
Зрители выставки оказывались внутри комнаты. Им предлагалось одновременно слушать и смотреть. В описании экспозиции говорится: «смотреть из центра тела, смотреть всей поверхностью сетчатки глаз и каждым миллиметром кожи» [2].
Вид экспозиции выставки «Настройки-3. Общество частных музыкальных представлений». Павильон 1, «Штраус/Шенберг»
Также предлагаем рассмотреть проект дома культуры «ГЭС-2» «Настройки». Его кураторы хотели проследить связь музыки, архитектуры и искусства. Инициатива была разделена на три части. Первая — представляла размышления современных композиторов, которые специально для «ГЭС-2» создали звуковые инсталляции [8]. Музыкальные произведения, дополняющие пространство бывшей электростанции, были написаны девятью авторами: от Эдуарда Артемьева до Вангелино Курентзиса. Композиции дополняли архитектуру, а зрители должны были задуматься, как много смыслов может поместиться не только в нотах, но и паузах между ними.
Вид экспозиции выставки «Настройки-3. Общество частных музыкальных представлений». Павильон 7, «Вагнер»
Вид экспозиции выставки «Настройки-3. Общество частных музыкальных представлений». Павильон 7, «Вагнер»
В «Настройках-2» к музыкальным композициям были добавлены произведения из коллекции фонда V-A-C. Это работы Константина Бранкузи, Василия Кандинского, Виллема де Кунинга, Луизы Буржуа и Виктора Алимпиева. А третья часть проекта была посвящена связи между поколениями и эпохами. На первом этаже пространства появились 7 павильонов. Каждый из них был назван именем композитора: «Бетховен», «Шостакович», «Лист», «Шуман» и «Вагнер». Так в павильоне Шумана можно услышать «Вариации духа» [8]. По смыслу и значению к ним подобрали произведения Альберто Джакометти, Синди Шерман, Герхарда Рихтера, Михаила Врубеля, Ирины Кориной, Фрэнсиса Бэкона.
Заключение
Фото: unsplash.com
В заключении необходимо отметить, что саунд-арт является междисциплинарным видом искусства, который объединяет разные органы чувств. Зритель экспозиции не только видит, но и может услышать произведения художников. Таким образом, создается непередаваемый опыт, который обусловлен синтезом различных кураторских практик и методов. Технологическое развитие дает автором широкий спектр методов работы, которые делают их возможности практически безграничными. Благодаря этому возникает многовариантность произведений.
Также важно отметить, что зачастую звуковые произведения искусства делают посещение выставки интерактивным. Зритель больше не является пассивным наблюдателем, он становится полноценным действующим лицом. Иногда — даже соавтором произведения, без которого само творение не имело бы смысла. Аудиальное искусство является новым направлением в кураторской практике, поэтому современные авторы ищут новые пути реализации проектов. Звук создает большой простор для коммуникации и является генератором индивидуального опыта каждого человека.
Колейчук В. Ф. Кинетизм. Москва: Галарт, 1994. С. 6–11.
Проходцева О. Сайнд-арт: как экспонировать звук. [Электронный ресурс]. URL:https://delartemagazine.com/tech/saund-art-kak-eksponirovat-zvuk.html дата обращения: 26.11.2023)
Официальный сайт Дмитрия Каварги: Kawarga [Электронный ресурс]. URL:
http://www.kawarga.ru (дата обращения: 26.11.2023)
Звуковая Капсула Архива Сенсорной Культуры / АСК [Электронный ресурс]. URL: https://solyankagallery.ru/ack (дата обращения: 26.11.2023)
Описание выставки, [Электронный ресурс]. URL: https://kholmy.vzmoscow.ru/liqhaus (дата обращения: 29.11.2023)
Статья. Звук в музее — промышленный дизайн, современное искусство и творческие эксперименты. [Электронный ресурс]. URL: https://habr.com/ru/companies/audiomania/articles/410239/ (дата обращения: 29.11.2023)
Новостная заметка. Теодор Курентзис и Алексей Ретинский составили саунтреки-плейлисты к картинам Моне, Матисса и Пикассо. [Электронный ресурс]. URL: https://www.sobaka.ru/entertainment/music/169936 (дата обращения: 29.11.2023)
Новостная заметка. От Вагнера до Бэкона: как новая выставка «ГЭС-2» соединяет музыку и искусство. [Электронный ресурс]. URL: https://style.rbc.ru/impressions/63761e659a79473c83e0cdc8 (дата обращения: 29.11.2023)
Фото: unsplash.com
Фото: unsplash.com
Партитура для «4'33»». Джон Кейдж. 1952.
Вхождение в тему. Дмитрий Каварга. 2009 год
Выставка Лебедь сдох. Фото: solyanka.org
Восьмиканальная капсула Архива Сенсорной Культуры. Фото: solyanka.org
Кубическая октофоническая аудиосистема. Фото: @kholmygallery
Пример геометрической партитуры Эльдара Садыкова. Фото: solyanka.org
Генерация. Видеозапись работы в среде MAX/MSP.
Константин Коровин, «Париж утром». 1906 год. Собрание Государственной Третьяковской галереи
Клод Моне, «Бульвар Капцуинок в Париже». 1873 год. Собрание ГМИИ имени А. С. Пушкина
Картина М. Матюшина «Сон» в инсталляции Олега Макарова «Смотреть из центра». Фото: @theartsmuseum
Вид экспозиции выставки «Настройки-3. Общество частных музыкальных представлений». Павильон 1, «Штраус/Шенберг»
Вид экспозиции выставки «Настройки-3. Общество частных музыкальных представлений». Павильон 7, «Вагнер»
Вид экспозиции выставки «Настройки-3. Общество частных музыкальных представлений». Павильон 7, «Вагнер»
Фото: unsplash.com
