Дизайн сценических инструментов для поп- и рок-звёзд
Для своего исследования я выбрала тему сценического дизайна музыкальных инструментов, потому что этот аспект редко рассматривается всерьёз, хотя он напрямую влияет на формирование образа исполнителя и на восприятие музыкальной культуры в целом. В поп- и рок-жанре инструмент — средство создания звука и важный визуальный объект.
В ходе работы мне важно проследить, как менялся внешний вид инструментов на протяжении разных десятилетий, какие факторы повлияли на эти трансформации и почему сцена стала пространством.
Концепция
В своём визуальном исследовании я хочу разобраться, как музыкальные инструменты, которые мы привыкли воспринимать как технический объект, превращаются в полноценный элемент сценического образа. Мне всегда было интересно, почему у одних артистов инструмент выглядит как обычная стандартная гитара, а у других — как часть костюма, арт-объект или даже продолжение их персонажа. Особенно это заметно в поп- и рок-культуре, где визуальная составляющая играет огромную роль, и многие решения принимаются не только ради звука, но и ради впечатления на публику.
Я выбрала эту тему, потому что в учебных материалах чаще рассказывают про костюмы, плакаты, обложки альбомов и почти не обсуждают сами инструменты как объект дизайна. Хотя на сцене именно инструмент постоянно находится в руках артиста и часто становится главным визуальным акцентом. Если посмотреть на выступления разных десятилетий, можно заметить, что внешний вид гитар, басов, клавишных или электронных устройств менялся вместе с модой и культурными кодами. От строгих форм 1950-х до кислотных неоновых гитар 1980-х и минималистичных решений 2010-х.
Мне показалось, что этот пласт визуальной культуры недооценён, поэтому я решила исследовать его подробнее.
Для исследования я выбрала реальные фото выступлений, официальные концертные записи, клипы, репортажные фото. Основной критерий — чтобы инструмент был хорошо виден в сценическом контексте.
Я отбираю артистов и примеры по нескольким признакам:
1. Влияние на культуру. Музыканты, которые действительно задали визуальные тенденции.
2. Уникальный дизайн инструмента. Кастомные формы, необычные покрытия, графика, встроенная электроника.
3. Характерность для эпохи. Каждый пример должен отражать визуальные коды своего времени.
Чтобы исследование было логичным, я структурировала его по этапам развития поп- и рок-культуры. Каждый блок посвящён определённому десятилетию или стилистическому сдвигу.
Основная структура: — ранний период (1950–1960-е и влияние телевидения) — расцвет рок-сценичности и индивидуальных форм (1970-е) — яркая эстетика и экстремальный дизайн (1980-е) — минимализм и «антидизайн» (1990-е) — цифровизация и гибридные инструменты (2000–2020-е) — современные кейсы артистов
Для текстовой части я использую интервью музыкантов, статьи о музыкальных жанрах, материалы о производстве инструментов и исследования о влиянии массовой культуры на визуальный язык. Цитаты беру точечно, только когда они помогают объяснить мотивацию дизайнера или исполнителя.
Ключевой вопрос и гипотеза исследования
Ключевой вопрос исследования: Почему сценический дизайн инструментов стал таким важным элементом поп- и рок-культуры и как он влияет на восприятие артиста публикой?
Гипотеза исследования: Я предполагаю, что дизайн сценических инструментов формируется не только из музыкальных нужд, но и под влиянием визуальной культуры своего времени. Инструмент становится дополнительным способом выразить стиль, эстетику, характер исполнителя и даже философию жанра. Поэтому многие визуальные решения появляются именно на сцене раньше, чем в массовом производстве.
РАННЯЯ ЭПОХА (1950–1960-е)
В 1950–1960-е годы музыкальные инструменты начинают восприниматься не только как функциональные объекты, но и как часть визуального образа артиста. Главное влияние в этот период оказывает телевидение.
И так как ранние эфиры были чёрно-белыми, исполнителям и производителям приходилось учитывать то, как инструмент выглядит в кадре: чистые силуэты, контраст и аккуратная форма стали приоритетом.
The Beatles, выступление на шоу Эда Салливана
В этот период появляются первые инструменты, которые мы сейчас считаем «классическими». Это Fender Stratocaster, Telecaster, Gibson Les Paul.
Эти гитары быстро стали узнаваемыми, потому что: — имели сбалансированную, удобную форму — хорошо смотрелись в телеэфире — были достаточно простыми и визуально чистыми
По сути, именно они задали визуальный стандарт электрогитары на следующие десятилетия.
В этот период появляется интерес к цветам, но палитра всё ещё сдержанная. В основном используются: — кремовый — чёрный — белый — натуральный оттенок дерева
Ограничения связаны не только с эстетикой, но и с техническими возможностями лакировки, а также требованиями к внешнему виду на телеэкране.
Elvis Presley — один из первых артистов, который превратил инструмент в часть своего сценического образа.
Хотя его гитары не были экстремальными по форме или цвету, они подчёркивали его роль фронтмена: — большая акустическая Gibson J-200 выглядела внушительно и «дорого» — инструмент органично сочетался с костюмом и позами
Элвис показал, что инструмент может усиливать харизму исполнителя.
Elvis' 1974 Gibson J200
The Beatles стали визуальными иконами 1960-х не только благодаря стилю, но и благодаря инструментам.
Самый узнаваемый пример — бас Hofner 500/1, на котором играл Пол Маккартни. У него: — необычная скрипичная форма — тёплая палитра дерева — лёгкость, из-за которой бас стал «воздушным» в кадре
Инструменты Beatles стали частью общей визуальной эстетики «британского вторжения».
Paul McCartney and the Höfner 500/1 bass guitar
В 1950–1960-е инструменты формируют основу для будущих визуальных практик: — появляются стандарты формы — возникает связь между музыкантом и «его» инструментом — телевидение задаёт требования к визуальной чистоте и читаемости
Хотя дизайн всё ещё сдержанный, в этот период закладывались принципы, которые позже превратятся в полноценную сценическую эстетику.
1970-е — ИНДИВИДУАЛЬНОСТЬ И КАСТОМ
В 1970-е рок-музыка превращается в большое шоу, а артисты — в сценических персонажей. Это десятилетие — первая эпоха, когда инструмент начинают сознательно менять «под себя», чтобы получить уникальный образ.
Музыканты начинают экспериментировать с: — формой корпуса — цветом — декоративными элементами — кастомизацией под конкретный стиль или персонажа
Инструмент становится частью личной легенды музыканта.
Концерты Queen, Led Zeppelin
Гитара Брайана Мэя из Queen — один из самых знаковых примеров кастомного подхода. Он сделал её вручную вместе с отцом, используя материалы: дерево из старого камина, детали от велосипеда и др.
Почему это важно визуально: — уникальная форма, которую невозможно спутать с заводскими моделями — фирменный красно-коричневый цвет — гитара стала частью узнаваемого образа Мэя и всей группы
Red Special — пример того, как кастомный инструмент становится «визуальной подписью» артиста.
Red Special
Участники Kiss придумали яркие сценические персонажи, и их инструменты полностью соответствовали этому образу.
Самый известный пример — бас в форме топора (Axe Bass) Джина Симмонса. Визуальные особенности: — агрессивная форма — металлические элементы — полное соответствие сценическому макияжу и одежде
Инструмент стал не просто частью музыки, а прямым продолжением персонажа.
Gene Simmons с Axe Bass
Джимми Пейдж из Led Zeppelin активно использовал визуальные элементы на инструментах. Самый известный пример — расписанная вручную Dragon Telecaster.
Это первая волна, когда гитары становятся «холстами» для арт-графики. Элементы: — восточные мотивы — яркие контрастные цвета — символика, связанная с интересами артиста
Jimmy Page Dragon Telecaster
В отличие от примеров с ручной кастомизацией, бренд B.C. Rich начал массово выпускать гитары, которые выглядели совершенно нетрадиционно. Их формы были угловатыми, иногда даже шокирующими. Многие модели, такие как Warlock, больше напоминали фантазийное оружие, чем музыкальный инструмент. Именно в 1970-х такие радикальные формы стали популярными среди рок- и метал-музыкантов. Это был ещё один шаг к тому, чтобы превратить инструмент в яркий и провокационный визуальный объект.
B.C. Rich Warlock/Mockingbird
Пит Таунсенд из The Who «прославился» тем, что разбивал гитары на сцене. На первый взгляд это не про дизайн, но на самом деле — часть визуальной идентичности группы.
Разбитая гитара стала сильным сценическим жестом, который тоже формировал общую эстетику и культурный символ эпохи.
Пит Таунсенд ломает гитару
1970-е стали первой эпохой, в которой инструмент начал отражать индивидуальность музыканта, а не только его музыкальные предпочтения. Форма, цвет и декор уже не ограничивались фабричными стандартами
1980-е — ЭСТЕТИКА MTV И ЯРКИЕ ФОРМЫ
В 1980-е дизайн музыкальных инструментов резко меняется, и главным фактором этого становится появление MTV. Впервые в истории музыканты начинают постоянно «жить» в кадре — не только на концертах, но и в клипах, которые крутятся круглосуточно. Поэтому инструмент должен не просто звучать, а привлекать внимание на экране. Крупные планы, цветовые неоны и динамичные монтажи заставляют исполнителей искать яркие, броские решения. В результате дизайн инструментов становится намного более смелым, чем в предыдущие десятилетия.
Старый логотип MTV (1981)
Одной из главных эстетик 80-х становятся яркие неоновые оттенки. Производители гитар, такие как Ibanez и Jackson, выпускают целые серии кислотно-розовых, салатовых и ярко-жёлтых инструментов. Такие цвета отлично смотрелись в телевизионном свете и буквально «выстреливали» в кадре.
banez JEM 777 (Hot Pink / Desert Sun Yellow / Loch Ness Green)
Помимо ярких цветов в дизайне инструментов начинают активно использовать графические паттерны. Самый известный пример — гитара Эдди Ван Халена с красно-белыми полосами, которая стала культовым и легко узнаваемым символом. Такие графические решения делали инструмент уникальным и позволяли музыканту выделяться среди большого количества артистов на MTV. Визуальный код 80-х — это смесь яркости, контраста и немного «бунтарской» графики.
Eddie Van Halen «Frankenstrat» (красная гитара с белыми полосами)
В 1980-е музыканты начинают активно отказываться от традиционных плавных форм гитар и искать что-то более агрессивное и запоминающееся. Именно тогда становятся популярны угловатые корпуса, молниеподобные формы и экстремальная геометрия.
Jackson Randy Rhoads (V-образная гитара)
Отдельного внимания заслуживает Prince, который сделал инструмент частью своего уникального сценического образа. Его гитары имели необычные, почти скульптурные формы — например, знаменитая Cloud Guitar или инструмент в форме символа. Они выглядели так, будто принадлежат не просто музыканту, а фантазийному персонажу. Такой подход показывает, что в 80-е инструмент может быть не только ярким, но и концептуально продуманным объектом дизайна.
Prince Cloud Guitar
В 1980-х женщины в роке формируют свою собственную визуальную идентичность через инструменты. Джоан Джетт стала символом минималистичного, но очень мощного образа: её чёрная Melody Maker выглядела просто, но невероятно узнаваемо. Лита Форд и другие исполнительницы часто выбирали яркие или агрессивные формы, чтобы подчеркнуть свою роль в жанре.
Joan Jett с Gibson Melody Maker / Lita Ford с яркой B.C. Rich Warlock
1980-е — эпоха, когда инструмент окончательно превращается в мощный визуальный код артиста. Цвет, форма и графика становятся такими же важными, как звук. Во многом из-за MTV инструмент должен был «работать» на камеру и передавать энергию музыканта.
1990-е — АНТИДИЗАЙН И НОВАЯ ИСКРЕННОСТЬ
В 1990-е происходит полный визуальный разворот по сравнению с яркими и «вылизанными» 80-ми. В сценической культуре появляется запрос на искренность, простоту и эмоциональность. Музыканты перестают использовать яркие расцветки и экстремальные формы инструментов. Напротив — они выбирают самые обычные, иногда даже бюджетные модели.
Nirvana MTV Unplugged
Курт Кобейн стал главным визуальным кодом 1990-х. Его Fender Mustang и Jaguar не выглядели дорогими или роскошными — наоборот, они были максимально простыми и даже слегка «домашними». Потёртости, сколы, следы использования становились частью его образа. Кобейн показал, что инструмент не обязан выглядеть идеально, чтобы быть выразительным. Именно его подход окончательно закрепил эстетику простоты в 90-е.
Kurt Cobain & Mustang/Jaguar
Том Морелло из Rage Against The Machine стал ключевой фигурой альтернативной сцены, но не за счёт формы инструмента, а благодаря смыслу, который он в него вкладывал. Его гитары были украшены наклейками и политическими фразами, написанными вручную
Tom Morello «Arm The Homeless» / «Soul Power»
Главная идея 1990-х — визуальная простота и эмоциональная честность. Музыкальный инструмент становится не элементом шоу, а отражением внутреннего состояния артиста.
2000–2020-е — ТЕХНОЛОГИИ, ГИБРИДНОСТЬ, АЙДЕНТИКА
В 2000–2010-х музыкальная индустрия становится тесно связана с цифровыми технологиями. Это отражается и на внешнем виде инструментов — они становятся футуристичнее, появляются сенсорные панели, светодиоды, акриловые корпуса.
В 2010-х появляется новый тренд — минималистичная айдентика. Билли Айлиш часто использует монохромные инструменты, чаще всего матово-чёрные или графитовые модели. В её случае гитара — это часть эстетического кода.
Billie Eilish с чёрной электрогитарой
Гарри Стайлс приносит на сцену моду на тёплые винтажные инструменты. Его гитары — это в основном ретро-модели Gibson и Fender. Он использует инструмент как визуальный символ «тепла» и ностальгии. И это делает его выступления эстетически мягкими и уютными
Harry Styles с винтажными гитарами (Gibson ES-350, Telecaster)
2000–2020-е — это время, когда инструмент стал частью визуальной айдентики артиста. У Айлиш — минимализм и монохром, у Стайлса — винтажная эстетика. Инструмент больше не обязан быть ярким или нестандартным. Главное, чтобы он соответствовал индивидуальному стилю исполнителя.
Современные кейсы, основные фигуры
Сегодня группа Måneskin стала одним из главных примеров того, как инструмент может усиливать сценическую эстетику. Бас-гитара Виктории Де Анджелис — блестящая, металлическая, иногда украшенная стразами — будто специально создана для камер крупных планов. Их инструменты продолжают традиции 70-х и 80-х, но поданы свежо, через современную моду.
Victoria De Angelis с блестящим басом
Doja Cat использует инструмент для визуального перформанса.Исполнители в её живых выступлениях держат гитары и синтезаторы, оформленные как полноценные арт-объекты — блёстки, необычные формы, яркие материалы. В сочетании с костюмами музыкантов это создаёт цельный, эксцентричный визуальный язык.
Команда Doja Cat с необычными гитарами или арт-инструментами
У сцены Imagine Dragons главный инструмент — не гитара, а гигантский барабан. Он становится центральным визуальным элементом выступлений. Масштаб и физичность создают сильный эффект присутствия и делают сцену очень динамичной.
Dan Reynolds
Вывод
В результате исследования становится ясно, что дизайн сценических музыкальных инструментов напрямую связан с визуальной культурой каждого десятилетия и всегда реагирует на изменения в массовых медиа, моде и самой музыке. Если в 1950–1960-х инструмент был в первую очередь функциональным объектом, который должен был просто хорошо выглядеть в телевизионном кадре, то начиная с 1970-х он постепенно превращается в полноценное средство самовыражения артиста.
Современные кейсы показывают, что инструмент может быть даже частью перформанса или костюма. Можно сказать, что сегодня музыкальный инструмент — это объект дизайна, который помогает артисту выстраивать собственную историю и усиливать сценический образ.
