Артемизия Джентилески: феномен женщины в эпохе раннего барокко
Предметом данного визуального исследования является творческое наследие Артемизии Джентилески, включающее её картины, а также их социальные и культурные контексты. В фокусе анализа находятся не только стилистические особенности и техники живописи, но и темы, которые Джентилески выбирала для своих работ. В частности, это изображения сильных женщин и сюжетов, связанных с мифологией и библейскими историями, которые отражают её личный опыт и общественные реалии того времени.
Артемизия Джентилески (1593–1653) стала не только олицетворением раннего барокко, но и символом борьбы женщин за признание в мире искусства, в котором долгое время доминировали мужчины. Её путь к признанию и успеху, несмотря на социальные и культурные ограничения, выделяет Джентилески как уникальный объект изучения в контексте феминистской историографии и визуальной культуры.
Артемизия и Орацио Джентилески. Аллегория Мира и Искусств под английской короной. 1635–1638
Актуальность темы визуального исследования творчества Артемизии Джентилески заключается в ее значимости для понимания гендерных вопросов в искусстве и культуре, особенно в контексте раннего барокко, когда женские голоса и достижения часто оставались незамеченными. Исследование её работ, включая автопортреты, позволяет глубже осветить борьбу женщин за самовыражение и признание в патриархальном обществе, а также переосмыслить традиционные роли женских персонажей в искусстве. Творчество Джентилески продолжает находить отклик в современных феминистских дискурсах, акцентируя внимание на темах силы, страдания и идентичности, что делает её работы актуальными в свете текущих социальных движений, направленных на достижение равенства и прекращение насилия. В связи с этим изучение её наследия обогащает современное искусствознание, демонстрируя, как искусство может служить мощным средством для критики социальных норм и утверждения прав женщин.
Непорочная богиня
Аллегорическая композиция
Жанр аллегорической композиции в искусстве раннего барокко представляет собой способ передачи сложных идей и концепций через метафорические образы и символику. В этот период искусство стремилось к эмоциональной выразительности и драматизму, и аллегорические композиции стали важным средством выражения абстрактных понятий, таких как справедливость, любовь или знание. Художники создавали многослойные произведения, которые можно было интерпретировать на различных уровнях. Аллегорические композиции часто включают фигуры-прототипы и атрибуты, углубляющие смысл.
В творчестве Артемизии Джентилески этот жанр стал критически важным инструментом для исследования тем, связанных с женским опытом и социальной ролью, позволяя ей создавать эмоциональные и философские нарративы, насыщенные выразительными образами и символикой, что соответствует духу раннего барокко.
Аллегория таланта. 1616 / Рентгеновский снимок. 2023 / Цифровая копия оригинальной версии. 2023
«Аллегория таланта» является ярким примером работы художницы, в которой она исследует тематику женского предназначения. В композиции изображена динамичная фигура, представляющая собой аллегорию любви к делу, передающая ощущение движения и эмоциональности. Артемизия использует контрапост, позволяющий эффектно распределить массу тела, придавая фигуре ощущение силы и уверенности. Но стоит упомянуть, что из-за моральных норм того времени женское тело на картине подверглось цензуре; некоторые детали были скрыты или изменены. Позже реставраторы восстановили изначальный облик картины в цифровом формате, что позволило современным зрителям увидеть первоначальное видение художницы.
Цветовая палитра картины включает в себя мягкие, теплые тона, такие как бежевые и коричневые оттенки, а также насыщенные детали, которые на контрасте подчеркивают красоту и гармонию образа, создавая атмосферу страсти, внутренней силы и недосягаемости. Тенебризм помогает создать драматическое освещение и акцентировать внимание на фигуре, придавая работе глубину. Стоит отметить мастерство художницы в работе с текстурами: ткань на фигуре выглядит живой и осязаемой, что усиливает реализм картины.
Аллегория риторики. около 1650
В картине Артемизии Джентилески «Аллегория риторики» изображена женщина, олицетворяющая риторику, с атрибутами знания — книгами и свитками, что подчеркивает её интеллектуальную власть. Облаченная в белое, героиня ассоциируется с просветлённым идеалом, соединяющим чистоту с мудростью и творческой силой, что бросает вызов традиционным представлениям о женщинах как объектах и утверждает их активную роль в культурном дискурсе. Использование света и тени создает драматический контраст, акцентируя внимание на фигуре и подчеркивая её авторитет. Насыщенные бордовые и ультрамариновые цвета придают композиции богатство, а мягкие оттенки кожи создают эффект живости. Так, Джентилески демонстрирует, что женская идентичность может объединять красоту, знание и силу, призывая к переосмыслению социальных норм.
Аллегория живописи, 1630
На картине Артемизии Джентилески изображена женщина, олицетворяющая искусство, с палитрой и кистью в руках, что символизирует её творческую мощь и художественное мастерство. Яркие, насыщенные цвета, контрастирующие с темным фоном, подчеркивают её важность и место в искусстве. Использование света и тени акцентирует внимание на её лице и жестах, отражая уверенность и внутреннюю сосредоточенность. Композиция насыщена богатой палитрой, создающей атмосферу живости и динамики, а образ женщины связывает её с триумфом искусства и утверждает художественную идентичность женщин. Таким образом, Джентилески не только подчеркивает значимость живописи как способа самовыражения, но и выступает за признание творческого вклада женщин в искусство, опровергая ограничения своего времени.
Аллегория славы. 1635
Картина изображает женскую фигуру как аллегорию славы, окруженную символами триумфа, включая крылатую фигуру с лавровым венком. Используя богатую цветовую палитру и технику тенебризма, Джентилески создает атмосферу величия и динамики, подчеркивая достоинство и уверенность главной фигуры. Работа не только демонстрирует выдающийся художественный талант художницы, но и символизирует борьбу женщин за признание и уважение в обществе своего времени, служа утверждением о праве на достижения и славу.
Мифологические сюжеты и библейские сцены
Мифологические сюжеты и библейские сцены играют ключевую роль в искусстве раннего барокко, когда художники черпали вдохновение как из древнегреческой и римской мифологии, так и из библейских текстов. Эти нарративы использовались для исследования универсальных человеческих тем, таких как любовь и предательство, в то время как библейские сцены обращались к духовным вопросам и моральным дилеммам.
В этом контексте творчество Артемизии Джентилески становится значимым визуальным исследованием феномена женщины в эпоху раннего барокко, поскольку её использование мифологических и библейских сюжетов углубляет понимание женского опыта и силы, позволяя рассмотреть вопросы о переживаниях, вызванных насилием, а также темы сопротивления, преодоления трудностей и самовыражения.
Мадонна с младенцем в розовом саду. 1651
«Мадонна с младенцем в розовом саду» изображает Деву Марию, держащую младенца Иисуса, на фоне красивого цветущего сада. Мадонна изображена в традиционной для нее одежде, часто в насыщенных цветах, что подчеркивает её величие и святость. Сцена наполнена нежностью и трогательностью: Младенец Иисус, крепко прижавшись к матери, играет с цветами или обращается к ней с любопытством, создавая атмосферу интимности. Розовый сад вокруг них символизирует божественную любовь и материнство, оживляя композицию яркими цветами и жизненной энергией.
Артемизия использует свет и тень, чтобы выделить обе фигуры, придавая им объем и выразительность. Сделанные акценты на лицах Мадонны и младенца показывают их глубокую связь и эмоциональную близость. В целом, картина отражает не только религиозные темы, но и мастерство художницы в передаче чувств и сложной динамики материнства.
Венера и Купидон. 1630
Картина «Венера и Купидон», созданная в 1630 году, представляет богиню любви Венеру, лежащую на изысканном ложе в легком, полупрозрачном одеянии, подчеркивающем её красоту и уверенность. Рядом изображён Купидон, который обмахивает Венеру веером, добавляя игривый и нежный элемент в сцену. Его детское лицо и игривое поведение контрастируют с зрелостью Венеры. Джентилески использует прием контраста и богатую палитру, чтобы создать объём и акцентировать внимание на фигурах, а также динамику в композиции. На заднем плане изображена природа с элементами, олицетворяющими плодородие и изобилие, что подчеркивает связь между женщиной и природой, метафорически ассоциируя Венеру с материнством и жизненной энергией. Шторка на фоне окрашена в оттенки бордового, символизируя дух любви и гармонии.
Аврора. 1627
Картина «Аврора» представляет собой величественное изображение богини зари в момент её появления. В центре композиции находится Аврора, великолепно наряженная, с развивающимися полотнами, которые символизируют утренний свет и новый день. Её лицо выражает радость и жизненную силу, подчеркивая её роль в начале новой зари. Аврора окружена мифологическим существом — Купидоном, который активно поддерживает её в стремлении к осветлению мира. Купидон, символизируя божественную любовь, добавляет динамики и игривости в сцену. Цветовая палитра картины наполнена мягкими и светлыми тонами, создавая атмосферу утренней свежести. Тёплые оттенки розового и золотого символизируют восходящее солнце и изобилие, в то время как холодные синие и зелёные тона подчеркивают гармоничный баланс природы. Работа демонстрирует мастерство Артемизии в изображении женской силы и красоты, а также умение выразить природные циклы и время. «Аврора» акцентирует роли женщины как носительницы света и надежды, создавая мощный и вдохновляющий образ, который продолжает вызывать интерес.
Купание Вирсавии. 1650
Картина «Купание Вирсавии» изображает момент интимного, но драматического самоосознания женщины, когда Вирсавия, осознает последствия своей красоты и уязвимости перед мужским взглядом.
Джентилески также использует реалистичные детали, такие как отражения света на воде и натуральные элементы окружения, чтобы усилить эффект присутствия и эмоциональную нагрузку произведения. Мастерство художницы в сложных отношений между женской фигурой и окружающим пространством создает глубокий контекст, подчеркивающий темы любви, вины и понимания социальной роли в социуме.
Непокорная дева
Сусанна и старцы. 1610
«Сусанна и старцы» представляет собой глубокую интерпретацию библейского мифа, в котором Сусанна, подвергшаяся преследованию со стороны двух старцев, становится символом женской уязвимости и достоинства. В произведении, характерном для раннего барокко, художница мастерски использует свет и цвет, акцентируя внимание на эмоциональном состоянии героини и создавая напряженную атмосферу. Выражение лиц старцев выдает их алчность и намерения, в то время как Сусанна, обладая красотой и решительностью, сопротивляется их притязаниям. В развязке мифа, после того как Сусанна отвергает домогательства старцев и открывает их злые намерения, они сталкиваются с разоблачением и наказанием, что подчеркивает моральный урок о стойкости и правосудии. Таким образом, Джентилески не только иллюстрирует момент конфликта, но и поднимает вопросы о власти, сексуальности и моральной ответственности.
Клеопатра. 1610-е
Клеопатра. 1630
Клеопатра. 1635
«Клеопатра» представлена в трех версиях (1610, 1630 и 1635 годов), каждая из которых интерпретирует момент её самоубийства с акцентом на внутренние переживания и борьбу за власть. Первая версия 1610 года изображает Клеопатру на фоне красной ткани, символизирующей ее решимость и сопротивление, акцентируя личные переживания в момент безысходности. Во второй версии 1630 года художница создает более гиперреалистичный портрет, где бордовая ткань слегка свисает, демонстрируя наибольший реализм, что позволяет получить более интимное представление о её внутреннем состоянии и эмоциональном конфликте. Заключительная версия 1635 года характеризуется динамичностью: ультрамариновая драпировка подчеркивает момент, когда душа Клеопатры покидает тело, а присутствие служанок усиливает атмосферу трагедии. Таким образом, Джентилески не только запечатлевает трагичность момента, но и раскрывает внутренний конфликт Клеопатры, делая произведения важными объектами для исследования тематики власти, женственности и внутренней силы.
Эсфирь перед Артаксерксом. 1635
«Эсфирь перед Артаксерксом» является глубоким визуальным исследованием библейского сюжета, в котором царица Эсфирь обращается к царю Агасферу с просьбой о спасении своего народа. Изображение сочетает в себе драматическую экспрессию лиц и жестов, характерную для раннего барокко, подчеркивающую напряжение момента. На картине видна Эсфирь, облаченная в роскошное одеяние, что символизирует её статус и силу, несмотря на уязвимость. Визуальный контраст между её светлой фигурой и темным фоном усиливает акцент на внутреннем конфликте и решимости героини. Художница искусно передает напряжение предстоящего обращения, создавая атмосферу ожидания и значимости момента. Завершение истории Эсфирь, которая, преодолев страх и сомнения, решается пригласить царя на пир, служит выражением её смелости и силы, что подчеркивает важность женского влияния в исторических нарративах. Джентилески, используя приемы своего времени, мастерски запечатлевает не только драму сюжета, но и характер независимой женщины, ставшей символом храбрости и преданности.
Лукреция. 1621 / XVII век
Лукреция. XVII век
Картины Артемизии Джентилески, изображающие Лукрецию, представляют собой мощную интерпретацию трагической судьбы женщины, которая стала символом мужества и чести в древнеримской истории. В каждой из версий художница мастерски передает эмоциональную напряженность момента, когда Лукреция, подвергнувшись насилию, решает покончить с собой, чтобы восстановить свою честность и достоинство. Техника кьяроскуро, в частности, используется для создания резких контрастов света и тени, что подчеркивает драматизм её внутренней борьбы. Лукреция изображается с выражением скорби и решимости, а внимание к деталям в её одежде и текстурах усиливает ощущение реальности и близости к фатальной развязки судьбы героини. Художница также заботится о композиции, располагая фигуру Лукреции в динамичной позе, что создает впечатление движения и акцентирует её эмоциональный накал. Эти портреты не только раскрывают трагедию единственной женщины, совершившей акт противления, но и подчеркивают важные аспекты женственности, силы и личной ответственности.
Лукреция. 1642 / 1650
«Тарквиний и Лукреция» иллюстрирует центральный эпизод древнеримской легенды, в котором царский принц Тарквиний насильно уводит Лукрецию, олицетворяя насилие и страдание, с которым сталкиваются женщины в патриархальном обществе. Тензия между Тарквинием, изображенным в агрессивной позе, и Лукрецией, обладающей выразительным, полным страха лицом, акцентирует не только физическое насилие, но и психологический конфликт, находящийся в центре сюжета. Взгляд Лукреции, полный отчаяния и решимости, подчеркивает её внутреннюю силу противостоять злодейству, что делает её характер многослойным и глубоким. Композиция картины, в которой фигуры расположены по диагонали, создает динамику и вовлекает зрителя в драму, возникшую между властью и жертвой. Через это произведение Джентилески не только увековечивает историю Лукреции как символа женской добродетели и мужского преступления, но и передает значимость борьбы за честь и достоинство.
Юдифь, обезглавливающая Олоферна. 1612 / 1620
«Юдифь, обезглавливающая Олоферна» представлена в двух значительных версиях, каждая из которых привносит свою интерпретацию библейской истории о смелой вдове Юдифь, которая спасает свой народ, убивая ассирийского генерала Олоферна. В обеих работах художница акцентирует внимание на моменте решающего удара, подчеркнув эмоциональную напряженность и физическую динамику сцены. Первая версия выделяется более выраженной детальностью и реализмом в изображении Юдифь — её лицо отражает как решимость, так и внутреннюю борьбу, при этом использование света и тени усиливает драматический эффект и придаёт фигурам объем. Вторая версия, напротив, передает более экспрессивные жесты и немного меньшую степень реализма, где Юдифь изображается с большей энергией, подчеркивая момент катарсиса и триумфа, что делает акцент на её силе и активной роли в действиях.
Оба полотна демонстрируют мастерское применение техник раннего барокко, например, динамичной композиции, но разнятся по эмоциональному контексту — первая версия более сосредоточена на трагедии и муках, а вторая — на победе и избавлении от тирании.
Юдифь и ее служанка. 1619 / Юдифь и ее служанка с головой Олоферна. 1625 / Юдифь и ее служанка Абра с головой Олоферна. 1650
Существуют три версии картины по библейскому сюжету «Юдифь и её служанка». Первая версия, отличающаяся строгой композицией и центральной симметрией, акцентирует внимание на напряжении между главными фигурами и контрасте их характера: Юдифь, решительная и уверенная, и её служанка, источающая тревогу, что подчеркивает внутренний конфликт ситуации. Вторая версия экспонирует военно-активное настроение, в которой Юдифь изображается с мечом в руках, что подчеркивает её агрессивное намерение и мужество перед лицом угрозы. В третьей версии композиция становится более воздушной и объемной, с легкостью жестов и мягкими линиями, придающими сцене сплоченный оттенок, акцентируя единство двух женщин в их замыслах, где служанка демонстрирует стремление поддерживать Юдифь в её решении. Различия в композиции и эмоциональной интерпретации отражают более широкие темы силы, храбрости и единства женщин.
Триумф Галатеи. 1650
На картине Артемизии Джентилески «Триумф Галатеи» изображена мифологическая богиня Галатея, символизирующая любовь и красоту, в момент триумфа. Её окружает множество морских существ и вдохновленных нимф, которые восхищаются её величием. Галатея находится в центре композиции, испускающая энергию и радость, что подчеркивает её победу и силу. Водная стихия, представленная великолепными волнами, создаёт ощущение жизненной динамики, а яркие цвета и плавные линии передачи оживляют сцену. Это изображение подчеркивает торжество женщины, её уверенность и непревзойденную красоту, отражая достижение гармонии между мифологическими идеалами и человеческими качествами.
Иаиль и Сисара. 1620
«Иаиль и Сисара» визуализирует драматический момент, когда Иаиль, жена Хевера, убивает спящего врага своего народа Сисару, пронзая его голову колом. Сцена наполнена напряжением и символизирует женскую решимость и силу, выступая против угнетателей. Техника кьяроскуро используется для создания контраста между светом и тенью, подчеркивая выразительность лиц и функциональность жестов. Живописные детали, такие как орудие убийства, усиливают эффект реализма и эмоциональную насыщенность изображения. Кроме того, композиция акцентирует внимание на решительности Иаиль и её смелости, превращая момент насилия в символ победы и освобождения, тем самым ставя акцент на женскую активную роль в истории.
Святая Екатерина Александрийская. 1616 / 1620
Картины Артемизии Джентилески «Святая Екатерина Александрийская» изображают сцену мученичества и решимость святой, отказывающейся от идолопоклонства и готовой перенести страдания за свою веру. В первой версии Святая представлена в окружении атрибутов мученичества: колесо с шипами и книги, подчеркивающими её интеллектуальную мощь и духовную силу. Во второй картине внимание сосредоточено на эмоциональном выражении её лица, глубоко отражающем внутреннюю стойкость и решимость.
Артемизия Джентилески
Автопортрет
Жанр автопортрета в творчестве Артемизии Джентилески занимает особое место, представляя собой мощное средство самовыражения и самопрезентации в контексте раннего барокко. В этот период женщины-художники сталкивались с предвзятостью и ограничениями, и автопортреты Джентилески стали важным инструментом для исследования своей идентичности как женщины и художника. Её произведения насыщены эмоциональной глубиной и выразительностью, отражая внутренние переживания и личные битвы. Таким образом, автопортреты становятся не просто изображениями её внешности, а значительными культурными артефактами, которые иллюстрируют восприятие женской субъективности и самости в патриархальном обществе.
Автопортрет в образе святой Екатерины. 1615
Образ Артемизии Джентилески представляет собой интерпретацию женской силы и стойкости, где художница оказывается от идолопоклонства. В композиции она изображена в традиционных атрибутах святой: с колесом, символизирующим её мученичество, и книгой, подчеркивающей её мудрость. Эмоциональное выражение лица и неестественная поза придают картине напряженность, отражая конфликт между верой внутри женщины и внешним давлением.
Автопортрет в образе мученицы. 1615
«Автопортрет в образе мученицы» Артемизии Джентилески представляет собой глубокую идентификацию художницы с образом жертвы, готовой пройти через страдания ради своих убеждений. Цветовая палитра играет ключевую роль в создании атмосферы: насыщенные красные и землистые тона символизируют страсть и жертву, в то время как оттенки синего и зеленого добавляют глубину эмоциональному восприятию, акцентируя внутреннюю борьбу.
Динамичная компоновка подчеркивает драматизм сцены и способствует ощущению несгибаемой стойкости, что создает мощный символизм для жертвы.
Автопортрет в образе Марии Магдалины. 1620
В «Автопортрете в образе Марии Магдалины» Артемизия Джентилески демонстрирует глубокое самовыражение, отражающее её сложные эмоции и внутренние конфликты. Художница передает смесь сентиментальности и силы через выразительную мимику и жесты. Эта картина становится не только автопортретом, но и символом борьбы за признание и внутреннюю свободу в условиях общественного давления и осуждения.
Автопортрет с лютней. 1617
На картине изображена сама художница, держащая лютню, что символизирует её творческий дух и музыкальный дар, а также женственность, связываемую с эстетическими аспектами искусства. Контраст света и тени, добавляет глубину и объемность к образу, подчеркивая эмоциональную напряженность в её взгляде. Насыщенные, богатые цвета одежды создают атмосферу интимности и самовыражения.
Автопортрет в виде аллегории живописи. 1630-е
«Автопортрет в виде аллегории живописи» Артемизии Джентилески представляет собой символическое выражение её идентичности как художницы и утверждение значения женского творчества. В этом произведении Джентилески изображена с палитрой и кистями, олицетворяя саму живопись, что отражает её мастерство и статус в мире искусства. Приемы раннего барокко, такие как сложная композиция и драматическое выражение, усиливают акцент на динамике и движении, создавая напряжённую и увлекательную атмосферу. Эмоциональная выразительность её взгляда и жестов подчеркивает уверенность, соединив внутренний мир художницы с её внешним образом.
Автопортрет. 1637
Автопортрет Артемизии Джентилески, созданный около 1637 года, представляет собой актуальное исследование женского творчества через призму опыта художницы. На картине Джентилески изображена в процессе творения, обращая пристальный взгляд на зрителя, что создает ощущение непосредственного контакта и вовлеченности. Свет падает на её фигуру и частично на картину, подчеркивая моменты вдохновения и сосредоточенности, в то время как остальные детали остаются нечеткими, что усиливает эффект интимности и важности творчества.
Заключение
В заключение, изучение творчества Артемизии Джентилески представляет важный и значимый вклад в понимание художественной практики женщин в эпоху раннего барокко. Джентилески, как одна из немногих женщин-художниц своего времени, удачно сочетала свои личные переживания и общественные реалии, создавая мощные визуальные нарративы, которые обнажали внутренние конфликты и социальные стереотипы. Произведения художницы стали своеобразным манифестом её творческой индивидуальности и статуса как женщины-художницы в мужском мире искусства.
Тем самым, творчество Артемизии Джентилески становится важным примером того, как искусство может служить средством борьбы с угнетением и способствовать расширению границ самовыражения для женщин. Она формирует уникальный язык, в котором переплетаются личное и универсальное, создавая пространство, в котором женщины могут быть услышаны и увидены. Таким образом, наследие Джентилески продолжает вдохновлять современные дискуссии о гендерной идентичности и роли женщин в истории искусства, подчеркивая значимость её художественного вклада и его влияние на последующие поколения.
Ростовская Т. К., Егорычев А. М., Гуляев С. Б. ЭКСПАНСИЯ В ВИЗУАЛЬНОМ ИСКУССТВЕ ЖЕНСКИХ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ ИНИЦИАТИВ, СВЯЗАННЫХ С ФЕМИНИЗМОМ И ГЕНДЕРНЫМИ ИССЛЕДОВАНИЯМИ // Женщина в российском обществе. — 2020. — № 4. — С. 101.
ЙОТОВА Г. ЖИВОПИС И СТРАСТ. ОСОБЕНОСТИ НА ИНТЕРПЕТАЦИЯТА В ТВОРЧЕСТВОТО НА ИТАЛИАНСКАТА ХУДОЖНИЧКА ОТ XVII ВЕК АРТЕМИЗИЯ ДЖЕНТИЛЕСКИ. // Philosophical Alternatives Journal / Filosofski Alternativi. — 2021. — № 30, выпуск № 5. — С. 101.
ПЕТРОВСКАЯ Н.И. ОБРАЗ ЮДИФИ В ЖИВОПИСИ БАРОККО // АКТУАЛЬНЫЕ ПРОБЛЕМЫ ГУМАНИТАРНЫХ И ЕСТЕСТВЕННЫХ НАУК. — 2012. — № 6. — С. 263-267.
КОВАЛЕВА М.В. ЕВРОПЕЙСКИЕ ЖЕНЩИНЫ-ХУДОЖНИЦЫ XVII В. // СОВРЕМЕННАЯ НАУКА: АКТУАЛЬНЫЕ ПРОБЛЕМЫ ТЕОРИИ И ПРАКТИКИ. СЕРИЯ: ГУМАНИТАРНЫЕ НАУКИ. — 2012. — № 1. — С. 53-59.
Ward Bissell R. Artemisia Gentileschi-A New Documented Chronology // The Art Bulletin. — 1968. — № 2. — С. 153-168.
Marthe Coppel-Batsch Artemisia Gentileschi (1593-1653). Sexualité, violence, peinture // Adolescence. — 2008. — № 2. — С. 365-387.
Artemisia Gentileschi: works // Artchive URL: https://artchive.ru/artemisiagentileschi/works (дата обращения: 10.11.2024).
Артемизия Джентилески: художница, победившая обстоятельства // Cabinet of Curiosities URL: https://madinagatieva.com/artemisia-gentileschi-hudozhnica-pobedivshaja-obstojatelstva/ (дата обращения: 10.11.2024).
Талант и драма жизни Артемизии Джентилески © Artifex.ru // artifex URL: https://artifex.ru/%D0%B6%D0%B8%D0%B2%D0%BE%D0%BF%D0%B8%D1%81%D1%8C/%D0%B0%D1%80%D1%82%D0%B5%D0%BC%D0%B8%D0%B7%D0%B8%D1%8F-%D0%B4%D0%B6%D0%B5%D0%BD%D1%82%D0%B8%D0%BB%D0%B5%D1%81%D0%BA%D0%B8-%D1%82%D0%B0%D0%BB%D0%B0%D0%BD%D1%82-%D0%B4%D1%80%D0%B0%D0%BC%D0%B0/ (дата обращения: 10.11.2024).
