Сюрреализм в графическом дизайне
Сюрреализм — направление в искусстве, для которого характерно искажение действительности, иррациональность, абсурд и фантастика. Искусство сюрреализма не поддается логике, не содержит ограничений, творец воплощает любые всплески воображения, которые не всегда может воспринять публика.
Авангардное движение возникло во Франции в 1920-е годы под влиянием идей психоаналитика Зигмунда Фрейда. Основоположником направления считают французского писателя Андре Бретона, им были сформулированы основные принципы движения. В 1924 году он описал сюрреализм как «чистый психический автоматизм», «бесконтрольную диктовку мыслей, за границами любых эстетических и нравственных соображений» [1]
«Чистый психический автоматизм, имеющий целью выразить — или устно, или письменно, или любым другим способом — реальное функционирование мысли. Диктовка мысли вне всякого контроля со стороны разума, вне каких бы то ни было эстетических или нравственных соображений» [2]
Важные фигуры сюрреализма — Рене Магритт, Сальвадор Дали, Пабло Пикассо, Макс Эрнст и другие поддерживали идеи направления, раскрывая через свои произведения способности воображения человеческого мозга, вызывая противоречивые эмоции у зрителей.
Один из важнейших принципов сюрреализма, по Андре Бретону, являлся автоматизм. Автоматизм — подход к искусству через интуицию, неконтролируемый поток мысли без дальнейшей корректировки.
Сюрреализм в графическом дизайне может отражаться разными способами: дизайнеры могут использовать фотографию, смешивая ее с различными элементами, строить абсурдные сцены, играть с текстурой и материалом, манипулировать с пространством и перспективой, составлять фантастические коллажи, девормировать объекты и многое другое. Тема сюрреализма в графическом дизайне для меня особенно интересна, так как она максимально подробно затрагивает уникальность мыслей и возможность создавать необъяснимые композиции, полагаясь на собственное воображение и восприятие вещей.
При выборе материала для визуального исследования я хотела оттолкнуться не только от разных дизайнеров и их уникальных подходов, но и проанализировать, как приемы зависят от временного периода. Я выделила несколько периодов и отобрала для каждого 2 значимые фигуры в графическом дизайне, работы которых я бы хотела проанализировать.
При выборе текстовых источников я опиралась на статьи о понятии сюрреализма в искусстве, а так же на статьи о дизайнерах, которых я выбрала для своего исследования.
Я предполагаю, что со временем сюрреализм в дизайне приобретает более смелые и абсурдные черты.
- Концепция - Истоки и ранний сюрреализм (1920–1950) - Средина века и психоделия (1950–1970) - Постмодерн и цифровой сюрреализм (1980–2000) - Современные дизайнеры (2000–2025) - Заключение - Источники
Истоки и ранний сюрреализм (1920–1950)
Герберт Байер
Герберт Байер был одним из ключевых художников и дизайнеров XX века. Он работал в типографике, графическом дизайне, живописи и архитектуре. Байер родился в Австрии в 1900 году и в начале своей карьеры был одним из ведущих участников школы Баухаус, где занимался темой связи искусства, технологий и визуального общения. Он стал известен использованием простых геометрических форм, шрифтов без засечек и ярких цветов. Его подходы до сих пор влияют на современный дизайн.
Герберт Байер «Без названия (Натюрморт с нитью и предметами)», 1930/ «Группа из 11 абстрактных фотограмм», год неизвестен/ «Без названия (Натюрморт с нитью)», 1930
Фотограмма — это изображение, получаемое без камеры: объекты выкладываются на фотобумаге и экспонируются светом, после чего проявляются как абстрактные или графичные силуэты. Хотя фотограмма и не относится напрямую к графическому дизайну, между ними есть тесная связь: такие работы часто демонстрируют композиционное мышление, работу с формой, светом, контрастом и ритмом, что важно и в дизайне. Фотограмма вдохновляет дизайнеров новыми визуальными приемами и поиском оригинальных решений в построении изображения.
Герберт Байер «Взаимодействие рук», 1932/ «Создание», 1922 / «Монумент», 1932
Герберт Байер «Стеклянные глаза», 1928
Работы Герберта Байера отличаются ощущением странности и нереальности — здесь можно увидеть и следящие глаза, и необычные сочетания предметов, и сюрреалистичные сцены, которые сложно объяснить словами. Всё выглядит непривычно и немного тревожно, но при этом очень интересно: такие образы вызывают любопытство и заставляют задуматься, что же происходит на самом деле. В этих работах сочетаются свобода фантазии и необычный взгляд на привычные вещи — внимание обращается не только на логику, но и на воображение.
Герберт Байер «Стеклянные глаза», 1928
Герберт Байер «Раздел „Аллеманда“», 1930/ «Кататься на лыжах в Аспене, штат Колорадо», 1946/ «Вазенол Фусс-Пудер», 1930
Роланд Пенроуз
Роланд Пенрауз — выдающийся художник и дизайнер, родившийся в Германии в 1972 году. Он известен своими новаторскими работами в современном искусстве и графическом дизайне. Благодаря уникальному стилю, сочетающему абстракцию и концептуальные идеи, Пенрауз создает инсталляции, провоцирующие диалог между зрителем и произведением. Участвуя в многочисленных выставках по всему миру, он стал важной фигурой в искусстве, влияя на новое поколение творцов.
Роланд Пенроуз «Доброго времени суток, Макс Эрнст», 1976
Работы Роланда Пенроуза наполнены атмосферой сновидений и иррациональности — здесь мы сталкиваемся с предметами, которые теряют привычный смысл и становятся частью загадочных композиций. Художник сочетает неожиданные текстуры и формы, как будто собирая новый мир из осколков реальности. В его произведениях появляются фантастические образы, в которых узнаваемые детали смешиваются с абстракцией, — это вызывает ощущение сюрреалистического пространства, где законы логики не работают. Работы Пенроуза завораживают странным спокойствием и внутренней гармонией — они будто приглашают зрителя задуматься о скрытых смыслах и возможных историях за каждой деталью. Здесь воображение становится главным проводником, позволяя рассмотреть привычные вещи с неожиданной стороны.
Связь с графическим дизайном ощущается через использование коллажа, чётких линий и экспериментов с композицией — элементы как бы выхвачены из разных контекстов и тщательно скомпонованы, чтобы создать запоминающийся визуальный образ. Такое сочетание художественного и дизайнерского подхода делает работы Пенроуза интересными не только как произведения искусства, но и как примеры поиска нового визуального языка в графике.
Роланд Пенроуз «Боже, Помоги всем Левиафанам», 1924/ «Дорога скорее шире, чем длиннее"/ «Женщина маяк», 1937
Средина века и психоделия (1950–1970)
Танадори Йоко
Таданори Йоко — выдающийся дизайнер и художник, родившийся в Японии. Он известен своими уникальными работами в области графического дизайна и современного искусства, в которых нередко прослеживаются элементы сюрреализма. Благодаря своему неповторимому стилю, объединяющему восточную эстетику и сюрреалистические идеи, Йоко создает произведения, которые вызывают эмоциональный отклик у зрителя. Участвуя в многочисленных выставках и коллаборациях по всему миру, Таданори Йоко стал важной фигурой в дизайне, вдохновляя новое поколение творцов.
Таданори Йоко «Пейзаж № 15 Рыжий кот», 1969/ «Пейзаж № 16», 1969», «Желтая Женщина», 1969
Работы Таданори Йоко сразу выделяются своей странностью и элементами сюрреализма: здесь необычные сочетания лиц, предметов и ярких цветов, которые создают ощущение нереальности и загадки. Его образы вызывают удивление и провоцируют размышления — зритель будто попадает в другой, непривычный мир.
Йоко активно использует приёмы графического дизайна: чёткие линии, контрастные цвета, выразительную типографику. Благодаря этому его сюрреалистичные сцены становятся ещё более запоминающимися и визуально мощными. В этих работах смешиваются фантазия и неожиданный взгляд на привычное, а визуальный язык всегда остаётся современным и свежим.
Таданори Йоко «В Доме Г-На Чивекавы», 1965/ «Эстетика Конца», 1966/ «Достигнув Кульминации в Возрасте 29 лет», 1965
Хайнц Эдельманн
Хайнц Эдельманн — талантливый дизайнер и художник, сделавший значительный вклад в мир искусства и графического дизайна. Он известен своими оригинальными работами, в которых сливаются элементы различных стилей и культур. Эдельманн обладает уникальным подходом к дизайну, который позволяет ему создавать поразительные визуальные образы, наполненные глубиной и смыслом.
Его творческий путь включает участие в множестве выставок и проектов, благодаря чему его работы стали известны на международной арене. Хайнц Эдельманн вдохновляет будущие поколения дизайнеров своим новаторским подходом и стремлением исследовать границы между искусством и дизайном.
Хайнц Эдельманн «Желтая Субмарина», 1968/ «The Beatles», 1968
Работы Хайнца Эдельманна, созданные для фильма «Желтая Субмарина» и в рамках коллаборации с The Beatles, сразу выделяются своей сюрреалистичностью и необычной графикой. Эдельманн мастерски сочетает странные и абсурдные образы, непривычные формы, яркие цвета и фантастических персонажей, создавая ощущение полного отрыва от реальности, что является прямой аллюзией к сюрреализму. В его работах заметны приёмы современного графического дизайна: чёткие линии, контрастные цветовые пятна, выразительная типографика, благодаря чему сцены выглядят свежо и очень запоминаются. Особенно ярко стиль Эдельманна проявился в анимационном фильме «Желтая Субмарина» — этот проект стал настоящей иконой визуальной культуры 60-х, где психоделические сюжеты и непривычная стилистика полностью меняют восприятие анимации и музыкального оформления, а образы The Beatles приобретают совершенно новое, фантастическое звучание.
Франц Эдельманн — афиша к «Желтой Субмарине»
Постмодерн и цифровой сюрреализм (1980–2000)
Эйприл Грейман
Эйприл Грейман — известный американский графический дизайнер, родившаяся в 1948 году в Нью-Йорке. Она получила степень бакалавра искусств в Университете Эванстона (Северо-Западный университет) и начала свою карьеру в рекламной индустрии Нью-Йорка в 1970-х годах. Грейман стала пионером в области компьютерной графики, активно используя новые технологии и программное обеспечение в своих проектах.
Её работы часто содержат элементы сюрреализма, что проявляется в нестандартных композициях и ярких визуальных переходах, создающих уникальные и необычные образы. Одним из ключевых её достижений является обложка для альбома группы «Talking Heads» «Speaking in Tongues» в 1984 году, которая выделялась смелым дизайном и оригинальной типографикой, в которой нашёл отражение сюрреалистический подход.
Грейман также работала с крупными марками, такими как «Rolling Stone» и «The New York Times», а её идеи и подходы повлияли на становление современного графического дизайна. Сегодня Эйприл Грейман считается одной из самых влиятельных фигур в мире графического дизайна, её работы продолжают вдохновлять новых дизайнеров.
Эйприл Грейман «Есть ли в Этом Смысл?», 1986/ «Есть ли в Этом Смысл?», 1986
Эйприл Грейман «Гарри Маркс, пожизненный доктор философии по достижениям"/ «Объекты в Космосе"/ «Объекты в космосе"/ «Твоя очередь, Моя очередь»
Работы Эйприл Грейман выделяются внедрением цифровых технологий и активным использованием приёмов графического дизайна: коллаж, разбивка изображения на пиксели, наложение фотографий и цветовые искажения создают эффект сюрреализма, где привычные формы теряют однозначность. В композициях часто используется асимметрия, сложная типографика и элементы, словно «разбросанные» по поверхности, что подчёркивает экспериментальный подход автора. Для её визуального языка характерно сочетание цифровых артефактов, ярких и неестественных цветов, фрагментированных или искажённых объектов, что превращает каждую работу в визуальное исследование границ реальности и иллюзии. В работах Грейман сюрреализм проявляется не столько через традиционные фантастические мотивы, сколько через неожиданное соединение материалов, цифровых эффектов и типографики, смешивающих реальный и виртуальный миры.
Эйприл Грейман «Есть ли в Этом Смысл?», 1986
Сторм Торгерсон
Сторм Торгерсон — британский графический дизайнер, родившийся в 1944 году. Известен прежде всего как автор культовых обложек для музыкальных альбомов, в том числе для Pink Floyd, Led Zeppelin и других всемирно известных групп. Образование получил в Кембридже, а карьеру начал в агентстве Hipgnosis, специализировавшемся на дизайне альбомных обложек. Работы Торгерсона отличает выраженный сюрреализм: неожиданные сочетания предметов, необычные перспективы и абсурдные ситуации превращают визуальные образы в самостоятельные истории, выходящие за пределы привычного восприятия. В своих проектах он активно использовал фотоманипуляцию, монтаж и коллаж, находя необычные решения для каждой задачи. Именно подход Торгерсона к графическому дизайну, его внимание к деталям и умение создавать символические и многозначные композиции оказали значительное влияние на развитие визуального языка музыкальной индустрии. Торгерсон занимает важное место в истории современного дизайна как новатор, сумевший соединить сюрреализм и принципы графической коммуникации.
Сторм Торгенсон, обложка к альбому Pink Floyd «The Division Bell», 1994
Сторм Торгерсон, обложка к альбому Pink Floyd «A momentary Lapse of Reason», 1987/ обложка к альбому Anthrax «Stomp 442», 1995/ обложка к альбому Catherine «Happy Days», 1995
Сторм Торгенсон обложка к альбому Питера Габриела «Melt», 1980
Работы Сторма Торгерсона сразу выделяются сюрреализмом и неожиданными визуальными решениями: это могут быть многолюдные сцены с повторяющимися объектами, фантастические конструкции и странные пространства, которые существуют только на грани реальности и воображения. Для Торгерсона характерно использование сильных графических приёмов — чёткие формы, контрастные цвета, нетривиальная композиция и выразительное использование перспективы, что делает его изображения узнаваемыми и запоминающимися. Он часто сочетает привычные предметы и необычные локации, тем самым создавая ощущение загадки и ирреальности, заставляя зрителя задумываться о смысле сцены. Стиль Торгерсона основан на синтезе фотоманипуляции и традиционного графического дизайна, благодаря чему его сюрреалистичные образы приобретают особую визуальную силу и актуальность.
Сторм Торгенсон, обложка к альбому Catherine Wheel «Adam and Eve», 1997
Современные дизайнеры (2000–2025)
Джонатан Завада
Джонатан Завада — известный американский графический дизайнер, родившийся в 1980 году в Лос-Анджелесе. Он получил степень бакалавра искусств в Университете Калифорнии и начал свою карьеру в индустрии дизайна в начале 2000-х годов. Завада стал пионером в области цифрового искусства, активно экспериментируя с новыми технологиями и инновационными подходами в своих проектах.
Его работы часто пронизаны элементами сюрреализма, что проявляется в необычных формах и ярких цветах, создавая уникальные визуальные образы. Среди его самых заметных проектов — креативные кампании для известных брендов, где он использует смелые композиции и оригинальную типографику, отражая свой сюрреалистический подход.
Завада также сотрудничал с крупными изданиями и медиа-компаниями, а его идеи и стилистика оказали влияние на эволюцию современного графического дизайна. Сегодня Джонатан Завада считается одной из наиболее значимых фигур в мире графического дизайна, его работы продолжают вдохновлять новое поколение дизайнеров.
Джонатан Завада, серия работ «Будущие умы для профессора Джоэла Пирсона»
Джонатан Завада, работы из серии «Со временем», 2010
Анализируя представленные работы Джонатана Завады, можно отметить характерное сочетание элементов сюрреализма и выразительных приёмов графического дизайна. В его визуальном языке встречаются необычные цветовые гаммы, трансформирующие привычные ландшафты и объекты: небо и облака окрашены в неестественные розовые и голубые оттенки, а фигура человека схематично вплетается в яркие абстракции и цифровые эффекты. Чёткая композиция, высокий контраст, игра с типографикой и глянцевыми глоу-эффектами усиливают психологическое воздействие образов, делая их одновременно знакомыми и отстранёнными. Работы Завады балансируют между реальным и вымышленным, визуально выражая пересечение технологий, природы и человеческого восприятия.
Джонатан Завада, работы из серии «Лавины»
Джонатан Завада, мерч к серии работ «Лавины»
Йоши Содеока
Йоши Содеока — выдающийся японский графический дизайнер, родившийся в 1970 году в Токио. Он получил образование в области изобразительных искусств в Токийском университете и начал свою карьеру в 1990-х, быстро завоевав признание за инновационный подход к графическому дизайну. Содеока стал известен благодаря своим уникальным работам, в которых он сочетает традиционные японские элементы с современными трендами, создавая сюрреалистические композиции. Его работы часто включают яркие цвета и неожиданные формы, вызывая в зрителе чувство удивления и исследование визуальных границ. Одним из значительных его достижений является дизайн для брендовых кампаний, который выделяется нестандартным использованием пространства и оригинальной типографикой. Йоши Содеока продолжает влиять на современный графический дизайн, вдохновляя новых художников совмещать традиции и современность в своих работах, оставаясь заметной фигурой на мировой арене дизайна.
Йоши Содеока «Сомнение вопреки сомнению», 2023
Йоши Содеока «как Иллинойс побеждает в борьбе с большими технологиями», 2022/ «Этот новый инструмент Adobe поможет вам распознать искаженные изображения», 2021
Визуальный стиль Йоши Содеоки строится на сочетании приёмов графического дизайна и элементов сюрреализма. В его работах заметны чёткая геометрия, яркие цветовые акценты и использование лаконичных линий, что подчёркивает их современность и делает визуальный язык узнаваемым. Сюжеты Содеоки отличаются необычными композициями, экспериментами с пространством и цифровыми эффектами, что создаёт ощущение ирреальности и указывает на влияние сюрреалистической традиции. Его подход предполагает смешение технологий, типографики и абстракций, из-за чего привычные образы приобретают новые значения. Через эти приёмы художник осмысляет современную цифровую среду, предлагая зрителю взглянуть на повседневные вещи под новым углом и формируя особую визуальную атмосферу, где графический дизайн и сюрреализм тесно переплетаются.
Йоши Содеока «Телефонная книга в Интернете повреждена»
Заключение
В результате исследования можно сделать вывод, что сюрреализм в графическом дизайне действительно развивается в сторону более смелых и абсурдных форм, чему способствует использование современных технологий. Программы для редактирования изображений, 3D-моделирование и генеративный дизайн позволяют дизайнерам реализовывать наиболее нереальные идеи. Тем не менее, степень абсурдности варьируется в зависимости от индивидуального стиля авторов. Эти технологии предоставляют свободу для экспериментов, что приводит к созданию произведений, будоражащих воображение и размывающих границы реальности.
