От мимесиса к машине: как искусство стало концептом
РУБРИКАЦИЯ
1. Античность: искусство как мимесис 2. Средневековье: образ как богословие 3. Возрождение: рождение перспективы 4. Кризис XIX века: фотография и импрессионизм 5. Авангард: разрушение формы 6. Концептуализм: философский поворот 7. Современность: искусство как контекст 8. Цифровая эпоха: новые вызовы 9. Заключение
ОБОСНОВАНИЕ ВЫБОРА ТЕМЫ
Тема «От мимесиса к машине: как искусство стало концептом» выбрана из-за её уникального положения на стыке философии, истории искусства и культурологии. Исследование трансформации искусства от классических форм к концептуальным практикам позволяет понять, как менялось само определение художественного в западноевропейской традиции. Изучение эволюции от мимесиса к концептуализму раскрывает механизмы когнитивного восприятия искусства, а анализ конкретных произведений — от античной скульптуры до работ Каттелана — показывает, как философские идеи материализуются в визуальных образах.
АКТУАЛЬНОСТЬ ТЕМЫ
Актуальность темы обусловлена стремительным развитием contemporary art, где традиционные критерии художественности часто подвергаются сомнению. Современные арт-практики, такие как инсталляции, перформансы и готовые объекты, вызывают вопросы о границах искусства и роли контекста в его определении. Кроме того, в сфере искусствоведения и философии искусства наблюдается растущий интерес к проблеме «конца искусства» в его классическом понимании и поиску новых парадигм для анализа актуальных художественных явлений.
ВИЗУАЛЬНЫЕ МАТЕРИАЛЫ
В качестве визуального материала используются репродукции ключевых произведений искусства от античности до современности: греческая скульптура, византийские иконы, работы мастеров Возрождения, импрессионистов, авангардистов, концептуалистов и современных художников. Эти материалы демонстрируют эволюцию художественного языка, изменение функций искусства и трансформацию представлений о его природе
ПРИНЦИП ВЫБОРА ИСТОЧНИКОВ
Для исследования использованы философские трактаты и труды по теории искусства, научные статьи по эстетике, а также каталоги выставок и монографии о творчестве отдельных художников. Основное внимание уделялось источникам, раскрывающим механизмы смены художественных парадигм: Платон «Государство», Альберти «О живописи», Гегель «Лекции по эстетике», Беньямин «Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости», Данто «Что такое искусство?».
ЦЕЛИ
Ключевой вопрос: как происходила трансформация понимания искусства от классических представлений о мимесисе к современным концепциям, где главную роль играет контекст?
Использование философского анализа в сочетании с изучением конкретных произведений искусства позволяет выявить закономерности в смене художественных парадигм и показать, что современные арт-практики являются логическим продолжением многовекового развития западноевропейской художественной традиции.
ЗАДАЧИ
1. Изучить античную концепцию мимесиса и её воплощение в искусстве 2. Проанализировать средневековую парадигму сакрального образа 3. Рассмотреть ренессансную революцию и рождение перспективы 4. Исследовать кризис репрезентации в XIX веке 5. Проанализировать основные направления авангарда и концептуализма
Ожидаемым результатом исследования является систематизация знаний о трансформации западноевропейского искусства и выявление логических связей между классическими и современными художественными практиками.
АНТИЧНОСТЬ: ИСКУССТВО КАК МИМЕСИС
Античная философия заложила основы европейской эстетики, определив искусство как мимесис — подражание природе. Однако у Платона и Аристотеля это понятие имело разные коннотации. Для Платона искусство было опасной иллюзией, «подражанием подражанию», поскольку мир вещей сам являлся лишь тенью мира идей. «Художник может нарисовать стол, потому что он знает, как стол выглядит. Но может ли он сделать настоящий стол? Едва ли, — а что хорошего в простой видимости стола?» — так Артур Данто резюмирует платоновскую позицию в книге «Что такое искусство?».
«Дискобол» Мирона (ок. 450 г. до н. э.)
В отличие от Платона, Аристотель в «Поэтике» видел в мимесисе позитивное начало: подражание позволяет познавать мир и катарсически очищаться от страстей. Греческая классика демонстрирует этот подход — искусство не рабски копирует природу, но отбирает и совершенствует её, создавая идеализированные образы. «Дискобол» Мирона — не портрет конкретного атлета, а воплощение идеи движения, застывшего в совершенной форме. Пропорции тела, динамика позы, равновесие композиции — всё подчинено задаче создания вневременного идеала. Идеализированная анатомия и гармоничные пропорции становятся визуальным выражением греческого представления о космическом порядке и мере как основе прекрасного.
СРЕДНЕВЕКОВЬЕ: ОБРАЗ КАК БОГОСЛОВИЕ
С утверждением христианства происходит радикальный переворот: если античность ценила искусство за способность подражать видимому миру, то теперь его задачей становится воплощение невидимого. Византийский иконоборческий спор (VIII–IX вв.) был не эстетическим спором, а богословским — о возможности репрезентации божественного. Иконоборцы, опираясь на ветхозаветный запрет изображений, утверждали невозможность воплощения бесконечного Бога в конечном материале.
Троица» Андрея Рублева (1425-1427)
Победа иконопочитателей установила новый статус образа: искусство может быть мостом между мирами, но лишь при условии полного подчинения богословскому канону. «Честь, воздаваемая образу, переходит к первообразному» — этот принцип VII Вселенского собора (787 г.) делал икону не произведением искусства в современном понимании, а сакральным объектом. Рублев в «Троице» создает не иллюстрацию библейского сюжета, а богословский трактат в красках. Круговая композиция символизирует вечность и единство Троицы, золотой фон означает божественный свет, отсутствие перспективы подчеркивает внепространственность горнего мира.
Витражи Шартрского собора (XIII век)
Готические витражи представляют собой апогей средневековой эстетики. «Свет есть самая прекрасная из материальных субстанций», — писал аббат Сугерий, вдохновитель готической архитектуры. Здесь искусство окончательно порывает с античной традицией мимесиса — его задача не подражать природе, а преображать материю в дух. Цветные стекла становятся проводниками божественного света, превращая архитектуру в метафору Небесного Иерусалима. Сложные иконографические программы витражей, где каждый цвет и символ имеют значение, превращают собор в гигантскую иллюстрированную Библию для неграмотных, где свет становится буквальным воплощением божественной благодати.
ВОЗРОЖДЕНИЕ: РОЖДЕНИЕ ПЕРСПЕКТИВЫ
Эпоха Возрождения совершает революционный поворот к человеку и видимому миру после средневекового спиритуализма. Открытие линейной перспективы становится не просто техническим приемом, а эпистемологической метафорой: субъект становится мерой всех вещей. Леон Баттиста Альберти в трактате «О живописи» (1435) провозглашает картину «окном в мир», реабилитируя видимое и закладывая основы нового понимания искусства как самостоятельной формы познания.
«Афинская школа» Рафаэля (1509-1511)
В «Афинской школе» Рафаэль создает зримый образ ренессансного космоса — упорядоченного, гармоничного, пронизанного математической логикой. Иллюзионистическое пространство здесь — не декорация, а философское высказывание: человеческий разум способен постичь законы мироздания. Сходящиеся линии перспективы создают эффект глубины, приглашая зрителя в это идеальное пространство. «Живопись содержит в себе божественную силу, которая не только делает отсутствующее присутствующим, но и делает умерших почти живыми через многие века», — писал Альберти, наделяя искусство силой, сравнимой с магией. Архитектурный фон с его точными пропорциями и симметрией становится визуальной метафорой ренессансного гуманизма — веры в то, что мир устроен логично и может быть адекватно представлен человеческим разумом.
КРИЗИС XIX ВЕКА: ФОТОГРАФИЯ И ИМПРЕССИОНИЗМ
XIX век становится временем глубокого кризиса ренессансной парадигмы. Изобретение фотографии (1839) лишает живопись монополии на точную репрезентацию действительности. Одновременно Гегель в «Лекциях по эстетике» провозглашает «конец искусства» в его традиционном понимании — его духовная миссия переходит к философии. Эти два события — технологическое и философское — ставят искусство перед необходимостью переопределить свои цели и средства.
«Олимпия» Эдуарда Мане (1863)
Мане бросает вызов самой основе академического искусства. Его «Олимпия» — не обнаженная в традиционном понимании (как Венера или нимфа), а современная парижанка, чей взгляд превращает зрителя из наблюдателя в участника диалога. Картина отказывается создавать иллюзию другого мира, настойчиво указывая на условности самого искусства. Резкий свет, отсутствие полутонов, композиционная неустойчивость — всё это сознательные нарушения академических правил. «С изобретением фотографии у живописи больше не было монополии на отображение реальности. Она оказалась перед необходимостью пересмотреть свою сущность», — констатирует Артур Данто.
«Впечатление. Восходящее солнце» Клода Моне (1872)
Импрессионизм становится логичным ответом на кризис репрезентации. Если нельзя конкурировать с фотографией в точности, нужно обратиться к тому, что недоступно механизму — к субъективному восприятию, к изменчивости света и цвета. Моне и его последователи отказываются от студийной работы, выходя на пленэр, чтобы фиксировать не постоянные формы, а мимолетные впечатления. Размытые контуры, дробные мазки, интерес к эффектам освещения — всё это средства передачи не объекта, но впечатления от объекта. Разрушая локальный цвет и четкий контур, импрессионисты открывают искусству новое поле для исследования — само человеческое восприятие, его изменчивость и субъективность.
АВАНГАРД: РАЗРУШЕНИЕ ФОРМЫ
Начало XX века ознаменовано радикальным разрывом с многовековой традицией. Авангардные движения — кубизм, футуризм, супрематизм — последовательно разрушают последние остатки классической парадигмы. Художники отказываются не только от мимесиса, но и от самой идеи изобразительности. Искусство теперь должно не отражать реальность, а создавать новую, автономную реальность, живущую по собственным законам.
«Авиньонские девицы» Пабло Пикассо (1907)
Пикассо в «Авиньонских девицах» совершает радикальный разрыв с ренессансной перспективой. Он дробит форму, показывая объект одновременно с нескольких точек зрения. Это не искажение реальности, а попытка передать её сложность и многогранность. «Я рисую не то, что вижу, а то, что знаю» — этот принцип становится ключевым для авангарда. Африканские маски, геометризация форм, отказ от единой точки схода — всё это средства дестабилизации привычного оптического опыта. Картина становится не окном в мир, а самостоятельным объектом, существующим по законам чистого формотворчества.
«Черный квадрат» Казимира Малевича (1915)
Малевич в «Черном квадрате» доводит логику авангарда до предела. Картина становится не изображением чего-либо, а манифестом, провозглашающим «нуль форм». «Я преодолел невозможное и пропасти сделал своим дыханием», — писал Малевич. Квадрат на белом фоне — это не геометрическая фигура, а символ чистого творческого акта, освобожденного от необходимости что-либо изображать. Супрематизм объявляет войну не только предметности, но и самой картине как «окну». Холст теперь — это поле для выражения «чистого чувства», где цвет и форма существуют как абсолютные величины, независимые от каких-либо референций в видимом мире.
КОНЦЕПТУАЛИЗМ: ФИЛОСОФСКИЙ ПОВОРОТ
Середина XX века ознаменована новым поворотом — рождением концептуализма. Если авангард еще боролся с формой, то концептуализм отказывается от формы как таковой. Искусство теперь — не создание объектов, а производство идей. Этот переворот был теоретически осмыслен Артуром Данто, введшим понятие «арт-мира» — социально-культурного контекста, который наделяет объекты статусом искусства.
«Фонтан» Марселя Дюшана (1917)
Дюшан своим «Фонтаном» совершает революционный жест: он не создает новый объект, а изымает банальный предмет из утилитарного контекста и помещает его в контекст художественный. Этот жест отменяет ключевые критерии классического искусства: рукотворность, мастерство, уникальность, эстетическую ценность. «Искусство — это то, что называется искусством», — провозглашает Дюшан. С этого момента статус произведения искусства определяется не его внутренними свойствами, а решением художника и последующей дискуссией в «арт-мире». Готовый объект становится точкой схождения бесконечных интерпретаций, а художественность перемещается из сферы визуального в сферу дискурсивного.
«Один и три стула» Джозефа Кошута (1965)
Кошут в своей знаменитой работе представляет три формы репрезентации одного объекта: реальный стул, его фотографию и словарное определение. Искусство здесь — не в объектах самих по себе, а в концептуальном сопоставлении этих трех способов представления реальности. «Искусство — это определение искусства», — заявляет Кошут. Работа становится визуализацией философской проблемы репрезентации, исследуя разрыв между вещью, её образом и понятием. Концептуализм окончательно порывает с визуальностью как главным критерием художественности, переводя искусство в область лингвистического и философского анализа.
СОВРЕМЕННОСТЬ: ИСКУССТВО КАК КОНТЕКСТ
Конец XX — начало XXI века ознаменованы окончательной победой контекста над объектом. Искусство теперь существует не в произведениях, а в событиях, перформансах, социальных взаимодействиях. Теория «конца искусства», сформулированная Данто, находит свое воплощение в практиках, где главным становится не создание объектов, а провоцирование дискуссий, исследование границ и переопределение самого понятия художественного.
«Ритм 0» Марины Абрамович (1974)
Абрамович в «Ритме 0» делает материалом искусства собственное тело и отношения со зрителями. Перформанс становится непредсказуемым социальным экспериментом, где искусство существует не в объекте, а в процессе, в моменте взаимодействия. «Публика всегда права, но она должна быть образована», — говорит Абрамович. Художница предоставляет зрителям 72 предмета — от пера до пистолета — для использования на своем теле, исследуя границы доверия, ответственности и насилия. Искусство становится пространством, где проверяются фундаментальные вопросы человеческого существования, а зритель превращается из наблюдателя в соучастника.
«Комедиант» Маурицио Каттелана (2019)
Каттелан в «Комедианте» создает работу, которая является квинтэссенцией современного искусства. Банан сам по себе — ничто. Его статус произведения искусства создается исключительно контекстом: именем художника, престижем площадки, медийным ажиотажем. «Это работа о торговле произведением искусства», — объясняет Каттелан. Работа становится идеальным арт-объектом XXI века — дешевым, временным, но порождающим бесконечные интерпретации и дискуссии о природе искусства и механизмах арт-рынка. Перформанс с его съедением лишь усиливает иронию, демонстрируя, что ценность создается не свойствами объекта, а нарративом вокруг него.
ЦИФРОВАЯ ЭПОХА: НОВЫЕ ВЫЗОВЫ
Современная цифровая эпоха ставит перед искусством новые вызовы, связанные с технологиями, виртуальностью и искусственным интеллектом. NFT (невзаимозаменяемые токены) и AI Art становятся новыми полями для художественных экспериментов, где переосмысляются традиционные понятия авторства, оригинальности и ценности. Эти явления можно рассматривать как логическое продолжение тенденций, заложенных концептуализмом и ready-made.
«Everydays: The First 5000 Days» Бипла (2021)
NFT представляют собой парадоксальную попытку вернуть «раму» уникальности в цифровую эпоху. Как когда-то «арт-мир» наделял статусом искусства писсуар Дюшана, так теперь блокчейн наделяет статусом «оригинала» то, что можно бесконечно копировать. Покупают не картинку, а сертификат, снова делая ставку на контекст, а не на объект. Коллаж Бипла из 5000 цифровых изображений, проданный за $69 млн., становится символом новой экономики искусства, где ценность определяется не уникальностью объекта, а уникальностью права собственности на него в распределенном реестре.
«Théâtre D’opéra Spatial» Джейсона Аллена (2022)
AI Art ставит под вопрос последнюю священную корову искусства — авторство. Если художник — не ремесленник (Дюшан отменил это), не единственный генератор идей (концептуализм это оспорил), то кто он, когда произведение создает алгоритм по текстовому запросу? Победа работы Аллена, сгенерированной в Midjourney, в конкурсе традиционного искусства знаменует новый этап в этой эволюции. ИИ — это чистый концептуализм: идея (промпт) первична, исполнение делегировано машине. В эпоху ИИ искусство окончательно становится диалогом между человеком-куратором и машиной-исполнителем, где творческий акт распределяется между человеческим замыслом и алгоритмической имплементацией.
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Проведенное исследование демонстрирует, что история западноевропейского искусства представляет собой последовательную дематериализацию и интеллектуализацию художественных практик. От создания сакральных объектов к производству чистых концептов — этот путь отражает фундаментальные изменения в понимании природы искусства.
Ключевые этапы этой трансформации: • Античность: искусство как мимесис, подражание природе • Средневековье: искусство как богословие, воплощение невидимого • Возрождение: искусство как познание, рациональное освоение мира • XIX век: кризис репрезентации, поиск новых путий • Авангард: искусство как автономная реальность • Концептуализм: искусство как производство идей • Современность: искусство как контекст и событие
«После конца искусства художники обрели свободу в выборе средств и форм, важным стало не то, как что-то изображено, а то, что это значит», — заключает Артур Данто. Современные художественные практики, включая перформансы, инсталляции и цифровое искусство, являются логическим продолжением этой эволюции. Банан Каттелана, NFT Бипла, AI-генерации — все это разные проявления одной тенденции: искусства, которое существует не в объектах, а в смыслах, не в вещах, а в контекстах.
Искусство сегодня — это не тип объектов, а способ мышления и пространство диалога, где главным становится не создание вещей, а производство смыслов. Путь от «Дискобола» до банана на стене — это путь освобождения искусства от всех внешних детерминаций и обретения им абсолютной концептуальной свободы.
Plato. The Republic [Электронный ресурс] // MIT Internet Classics Archive. — URL: http://classics.mit.edu/Plato/republic.html (дата обращения: 25.11.2025).
Alberti L.B. On Painting [Электронный ресурс] // Project Gutenberg. — URL: https://www.gutenberg.org/ebooks/author/40428 (дата обращения: 25.11.2025).
Hegel G.W.F. Aesthetics: Lectures on Fine Art [Электронный ресурс] // Marxists Internet Archive. — URL: https://www.marxists.org/reference/archive/hegel/works/ae/ (дата обращения: 25.11.2025).
Benjamin W. The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction [Электронный ресурс] // Marxists Internet Archive. — URL: https://www.marxists.org/reference/subject/philosophy/works/ge/benjamin.htm (дата обращения: 25.11.2025).
Danto A.C. The Artworld [Электронный ресурс] // The Journal of Philosophy. 1964. — URL: https://www.jstor.org/stable/2022937 (дата обращения: 25.11.2025).
Danto A.C. After the End of Art: Contemporary Art and the Pale of History [Электронный ресурс] // Princeton University Press. 1997. — URL: https://press.princeton.edu/books/paperback/9780691010478/after-the-end-of-art (дата обращения: 25.11.2025).
Berger J. Ways of Seeing [Электронный ресурс] // BBC. 1972. — URL: https://www.bbc.co.uk/programmes/p00h7lw2 (дата обращения: 25.11.2025).
Groys B. Art Power [Электронный ресурс] // MIT Press. 2008. — URL: https://mitpress.mit.edu/9780262572379/art-power/ (дата обращения: 25.11.2025).
Krauss R. The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths [Электронный ресурс] // MIT Press. 1985. — URL: https://mitpress.mit.edu/9780262610461/the-originality-of-the-avant-garde-and-other-modernist-myths/ (дата обращения: 25.11.2025).
Foster H. The Return of the Real [Электронный ресурс] // MIT Press. 1996. — URL: https://mitpress.mit.edu/9780262561077/the-return-of-the-real/ (дата обращения: 25.11.2025).
The Museum of Modern Art Collection [Электронный ресурс] // MoMA. — URL: https://www.moma.org/art/collection (дата обращения: 25.11.2025).
The Tate Collection [Электронный ресурс] // Tate. — URL: https://www.tate.org.uk/art/collection (дата обращения: 25.11.2025).
The Metropolitan Museum of Art Collection [Электронный ресурс] // The Met. — URL: https://www.metmuseum.org/art/collection (дата обращения: 25.11.2025).
Beeple. Everydays: The First 5000 Days [Электронный ресурс] // Christie’s. 2021. — URL: https://onlineonly.christies.com/s/beeple-first-5000-days/beeple-b-1981-1/112924 (дата обращения: 25.11.2025).
Allen J.M. Théâtre D’opéra Spatial [Электронный ресурс] // Colorado State Fair. 2022. — URL: https://www.coloradostatefair.com/p/fine-arts (дата обращения: 25.11.2025).
«Дискобол» Мирона (ок. 450 г. до н. э.) [Фотография] // Pinterest. — URL: https://i.pinimg.com/736x/7f/98/e5/7f98e508364fc73e0a8ad815c1e04a06.jpg (дата обращения: 25.11.2025).
«Троица» Андрея Рублева (1425-1427) [Фотография] // Multi-Admin. — URL: https://multi-admin.ru/mediabank_blog/11/142761/3fbc70262f10e0723cdf1fb938d87f3f1a3280123be8d97f6a4d0430830c8e4ba7f6b31d6acc9ec17ec9f2ece23e9f6a-x1.png (дата обращения: 25.11.2025).
Витражи Шартрского собора (XIII век) [Фотография] // Wikimedia Commons. — URL: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Chartres_-Vitrail_de_la_Vie_de_saint_Appolinaire.JPG/1200px-Chartres-_Vitrail_de_la_Vie_de_saint_Appolinaire.JPG (дата обращения: 25.11.2025).
«Афинская школа» Рафаэля (1509-1511) [Фотография] // Дзен. — URL: https://avatars.dzeninfra.ru/get-zen_doc/1686199/pub_60a3c5edbcf9954b95a14df1_60a3ca1e52377740c0f08132/scale_1200 (дата обращения: 25.11.2025).
«Олимпия» Эдуарда Мане (1863) [Фотография] // Médiathèque. — URL: https://cdn.mediatheque.epmoo.fr/link/3c9igq/bcu1asqymjaggjk.jpg (дата обращения: 25.11.2025).
«Впечатление. Восходящее солнце» Клода Моне (1872) [Фотография] // Yandex Images. — URL: https://avatars.mds.yandex.net/i?id=2b86bfb359e181370cdf80c9fa628469_l-5208510-images-thumbs&n=13 (дата обращения: 25.11.2025).
«Авиньонские девицы» Пабло Пикассо (1907) [Фотография] // Yandex Images. — URL: https://yandex.ru/images/search?cbird=90&rpt=imageview&redircnt=1764121194.1&crop=0.016%3B0.016%3B0.984%3B0.984&url=https%3A%2F%2Favatars.mds.yandex.net%2Fget-images-cbir%2F10257755%2F9ZBkXM7BvK5erra5db10PA1199%2Forig&cbir_id=4581114%2FkQgbe6jxv9l7OY3XhDZPCQ1200 (дата обращения: 25.11.2025).
«Черный квадрат» Казимира Малевича (1915) [Фотография] // Дзен. — URL: https://avatars.dzeninfra.ru/get-zen_doc/1804213/pub_60302861bd729c71d1e3acb8_60302997a332dd737319f42b/scale_1200 (дата обращения: 25.11.2025).
«Фонтан» Марселя Дюшана (1917) [Фотография] // Pinterest. — URL: https://i.pinimg.com/originals/11/2f/c2/1D7oZ9cqSef531ErnBAai8ZivwSPyqMCcs.jpg (дата обращения: 25.11.2025).
«Один и три стула» Джозефа Кошута (1965) [Фотография] // GHMAK. — URL: https://ghmak.ru/media/k2/items/cache/0ea0e8797ce553e1f2fef81bff857868_XL.jpg (дата обращения: 25.11.2025).
«Ритм 0» Марины Абрамович (1974) [Фотография] // Amazon. — URL: https://m.media-amazon.com/images/M/MV5BZjY3OTE3ZjUtOTQ5ZS00ZWJhLWFjOWEtMDg0ZDNiYmM3NjBlXkEyXkFqcGc@.V1.jpg (дата обращения: 25.11.2025).
«Комедиант» Маурицио Каттелана (2019) [Фотография] // CBS News. — URL: https://assets2.cbsnewsstatic.com/hub/i/r/2024/11/21/1fe2f942-42c9-4f49-84df-43616043b484/thumbnail/1280x720/62e4ab6268ba42a003b149458520a0b5/gettyimages-2181027107.jpg?v=6056e68389c16974d8d95eeea60b7a3a (дата обращения: 25.11.2025).
«Everydays: The First 5000 Days» Бипла (2021) [Фотография] // AppFox. — URL: https://appfox.ru/upload/resize_cache/iblock/d34/1200_630_2/preview.jpg (дата обращения: 25.11.2025).
«Théâtre D’opéra Spatial» Джейсона Аллена (2022) [Фотография] // TechBriefly. — URL: https://techbriefly.com/wp-content/uploads/2023/03/Free-Midjourney-alternatives_14.jpg (дата обращения: 25.11.2025).
