Концепция
Густав Климт — один из самых известных венских художников конца XIX — начала XX века, обладающий уникальным и узнаваемым визуальным языком. Как представитель модерна, в своем творчестве художник стремился отойти от классического подхода к изображению, переосмыслить использование формы, линии и цвета, найти новые способы трактовки вечных сюжетов и образов.
Для рассмотрения творческого пути Климта в рамках данного исследования необходимо обозначить, что означает термин «модерн». Модерн в изобразительном искусстве сам по себе не является единым художественным стилем, а скорее объединяет в единую группу все течения и направления в искусстве, которые преследовали цель выйти за рамки реализма, академизма, традиционного искусства в целом.[1] Тем не менее у художников-модернистов прослеживаются схожие черты: интерес к упрощению и формализации, эстетизм, эксперименты с колоритом и склонность к открытым, чистым цветам, декоративность, а также символизм. Интересно, что попытки заново изобрести искусство зачастую связаны с возвращением к истокам, новые веяния обычно возникают, когда художники переосмысляют культурное наследие прошлых лет и дают ему жизнь в обновленной форме. Искусство, которое с древнейших времен двигалось от условных символических изображений к максимально достоверному и точному воспроизведению действительности, к XX веку вновь вернулось к символам, стилизации и упрощеннию.
Густав Климт — художник, на примере которого можно проследить все эти идеи, изучить, как он нашел свой стиль, из чего сложился его особый творческий подход.
Цель исследования — изучить, как сформировался уникальный художественный язык и стиль Густава Климта, из каких источников прошлого и современности художник черпал вдохновение и как он пришел от академической трактовки изображения к символической.
Изучение становления Климта в некотором смысле позволяет увидеть ранее описанный механизм, когда новое рождается из старого: искусство, на протяжении многих веков оттачиваемое до идеального реализма, возвращается к упрощению и к символу. Так, исходя из примера становления одного художника можно увидеть глобальную картину трансформации искусства и ее цикличности.
Для анализа в структуре исследования выделены этапы творческого пути Климта
Рубрикация построена в соответствии с разными этапами в творчестве Климта, от раннего до позднего периода, чтобы проследить развитие его стиля от начала до завершения.
При подборе материала был задействован следующий принцип: отобраны работы Климта, в которых наиболее заметны отличительные особенности его стиля, а также видно влияние различных культур, мастеров прошлого и современников художника.
При отборе текстовых источников было уделено внимание их достоверности, актуальности и надежности изложенной в них информации; в ходе работы использовались проверенные статьи и книги.
Академические истоки, ранний период
Густав Климт, «Портрет Эйтеля Фридриха VII, графа фон Цоллерна», 1884. // Диего Веласкес, «Портрет короля Филиппа IV», 1635.
Густав Климт получил образование в венском художественно-ремесленном училище, и на раннем этапе своего творческого пути работал в классической реалистичной манере.[2] В его раннем творчестве заметна академическая традиция подражать мастерам прошлого, перенимать у них технику и композиционные решения.
Густав Климт, «Идиллия», 1884.
Но уже в ранних работах видно, что наметились тенденции которые разовьются в дальнейших работах художника: декоративность и орнаментальность. [2] Примечательно как Климт с самого начала подходит к изображению эстетически - все в его полотне прекрасно: идеальные мужские тела в обрамлении цветов, изящная рама с птичками, а в центре нежный женский образ, который в последствие станет ключевым в творчестве мастера.
Густав Климт, «Аллегория басни», 1883.
Густав Климт, «Женский портрет», 1894. // Джон Сингер Сарджент, «Портрет мадам Икс», 1884.
Нередко Климт вдохновлялся работами своих современников, так например данный женский портрет своей композицией и решением тональных пятен отсылает нас к "Портрету мадам Икс" Джона Сингера Сарджента.
Густав Климт, «Девушка на природе», 1896. // Берта Моризо, «Перед балом», 1879.
Прослеживается и влияние импрессионистов на художника, в тот момент, когда он постепенно отходит от строгого академического изображения. Здесь он перенимает технику смелых мазков в окружении , сочетая их с более нежно прописанной кожей девушки.[3] В последующих работах этот контраст он будет использовать с орнаментом: светлая фигура в окружении ярких, мозаичных узоров.
Густав Климт, «Портрет Серены Ледерер», 1899. // Джеймс Уистлер, «Симфония в белом № 1», 1862.
Еще один подобный пример, Климт вдохновляется "Симфонией в белом №1" Уистлера, и создает схожую работу, также создавая акцент на лице девушки с помощью темного пятна волос. Позднее художник будет продолжать экспериментировать с изображением белого на белом, находя свой собственный подход.
Символы, орнаменты и божественное: золотой период
Густав Климт, «Портрет Адели Блох-Бауэр I», 1907. // Христос Пантократор. Мозаика из базилики Сант-Аполлинаре-Нуово, VI век.
Наиболее известен Климт своим "золотым" периодом. Кроме влияния его отца, который занимался ювелирным делом и гравюрой, на художника также произвели большое впечатление византийские мозаики.[4] Золотое пространство вокруг фигур, погружающее зрителя в возвышенный, потусторонний вечный мир, это то что Климт использовал для создания своих особых женских образов. Его героини современны и в то же время нереальны, вечны.
Густав Климт, «Афина Паллада», 1898. // Чернофигурная амфора, V век.
Интересно, что художник переосмысляет академическое заимствование из греческой культуры и трансформирует его в восхищение самой визуальной формой. В данной работе он помещает на задний план чернофигурную вазопись, напрямую вдохновившись красотой узора.
Густав Климт, «Музыка», 1895.
Густав Климт, «Три возраста женщины», 1905. // Тициан, «Аллегория благоразумия», 1565.
Не раз встречающийся сюжет в искусстве — размышление художника о разных этапах человеческой жизни. Свои «три возраста» изображали, к примеру, такие художники, как Тициан, Джорджоне; тема этапов жизни также звучала и у Каспара Давида Фридриха. Однако Климт дает этой теме новое звучание: он раскрывает ее через женские образы и очень откровенно акцентирует внимание на физической трансформации. Искаженная фигура старухи на тревожном, дребезжащем красном фоне резко контрастирует с молодой и плодородной девушкой с ребенком на руках, позади которой — гармоничный круглый узор. Климт размышляет не только о неизбежности смерти, но и о конечности прекрасного, увядающей красоте жизни.
Густав Климт, «Юдифь и Олоферн», 1901. // Кристофано Аллори, «Юдифь и Олоферн», 1613.
Как упомяналось ранее, в героинях венского модерниста сочетается вечное и современное. Разные мастера на протяжении столетий изображали Юдифь, традиционно в сдержанном, героическом ключе, но из под кисти Климта она выходит дерзкой, опасной женщиной, и в то же время обрамленной золотом, подобно образу на иконе.
Густав Климт, «Водяные змеи I», 1907. // Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры» (фрагмент), 1486.
Примечательно, что в этом периоде своего творчества художник использует символизм в цвете волос своих героинь: его темноволосые девушки воплощают собой страсть и опасность, в то время как светлые волосы говорят о нежном, мягком начале.[4] В некотором смысле Климт повторяет традицию прошлого, Юдифь обычно изображалась с темными волосами, а Венера, богиня любви и красоты, со светлыми.
