Художественные практики против цензуры: YBA
Рубрикатор
1. Концепция 2. Введение: Искусство как вызов цензуре 3. Кто такие YBA и откуда они появились 4. Крис Офили 4.1. «Святая Дева Мария» 4.2. «Афродизия» 5. Трйси Эмин 5.1. «Все, с кем я когда-либо спала 1963–1995» 5.2. «Моя кровать» 6. Дэмиен Херст 6.1. «Разделённые мать и дитя» 6.2. «Тысяча лет» 7. Сара Лукас 7.1. «Два жареных яйца и кебаб» 7.2. «В натуральную величину» 8. Заключение: Цензура как двигатель творчества 9. Источники
Концепция
«SENSATION: Молодые британские художники из коллекции Саатчи» (1997) — фотограф неизвестен
Визуальное исследование посвящено анализу форм художественного сопротивления и механизмов ограничения свободы высказывания на примере творчества группы «Молодые британские художники» (YBA) — ключевого феномена британской арт-сцены 1990-х годов. Тема выбрана из интереса к тому, как художники реагируют на внешнее давление — со стороны государства, институций, медиа и общественного мнения — и используют искусство как стратегию сопротивления.
Такие фигуры, как Трейси Эмин, Крис Офили, Дэмиен Херст, Сара Лукас и Марк Куинн, стали знаковыми для эпохи, открыто провоцируя зрителя и вступая в диалог с нормами общества. Их работы регулярно вызывали критику, скандалы и запреты, демонстрируя, что цензура может проявляться не только в официальных ограничениях, но и в форме морального давления, медийных атак и институционального исключения.
Произведения для анализа отбирались по принципу тематической значимости: это работы, вызвавшие общественный резонанс, подвергшиеся критике или ставшие предметом дискуссий о границах свободы искусства. Основное внимание уделяется тем художественным жестам, которые сознательно вступали в конфликт с общественными нормами — через темы сексуальности, религии, телесности, смерти и маргинальности. Выставки «Freeze» (1988) и «Sensation» (1997) рассматриваются как поворотные моменты, в которых искусство приобрело ярко выраженное политическое измерение.
«Открытие выставки „Freeze“» (1988) — фотограф неизвестен
Исследование структурировано в четыре главы. Первая — вводит искусство как форму вызова и социального высказывания. Вторая — очерчивает историко-культурный контекст появления YBA. Третья — содержит анализ конкретных художников и произведений, оказавшихся в центре споров и цензурных скандалов. Четвёртая — подводит итоги.
Используемые источники включают критические статьи, интервью, выставочные каталоги, манифесты и академические исследования, посвящённые как YBA, так и более широкой теме цензуры и институциональной критики.
Ключевой вопрос: как художники YBA использовали искусство как форму сопротивления моральному, институциональному и общественному давлению?
Гипотеза: практика YBA не только реагирует на запрет, но и переопределяет само понятие художественной свободы в условиях культурного конфликта и усиливающегося контроля.
Таким образом, исследование рассматривает YBA как важный элемент культурной и политической истории Британии 1990-х годов и пример художественного ответа на вызовы, связанные с нормам.
Введение: Искусство как вызов цензуре
«Сам» (1991) — Марк Куинн
Современное искусство — это не только форма эстетического высказывания, но и способ постановки неудобных вопросов, выход за пределы дозволенного, вызов доминирующим нормам. Там, где молчит общественный дискурс, художник говорит языком образа — прямолинейного, провокационного, болезненного. Цензура в этом контексте становится не просто ограничением, но зеркалом страха общества перед собственным отражением.
Для участников движения «Молодые британские художники» искусство — не средство украшения, а территория конфликта. Их практики демонстрируют: попытки подавления лишь усиливают силу высказывания. Через жёсткие формы, телесность, религиозные и социальные аллюзии художники вступают в диалог с системой, где каждое произведение — это не итог, а позиция, не объект, а акт сопротивления.
Кто такие YBA и откуда они появились?
«Молодые британские художники» или же Young British Artists (YBA) — группа художников, заявивших о себе в Британии на рубеже 1980–1990-х годов, чьи имена сегодня прочно ассоциируются с радикальностью, провокацией и институциональной дерзостью. Они не представляли собой единого коллектива, но были объединены общим культурным контекстом, связями внутри художественной сцены и стремлением переосмыслить, что такое искусство в условиях постиндустриального общества.
Отправной точкой YBA принято считать выставку «Freeze» (1988), организованную Дэмиеном Херстом, тогда ещё студентом Голдсмитс-колледжа. Эта и последующие инициативы отличались самостоятельностью, откровенной коммерческой ориентацией, игрой с эстетикой шока и откровенным обращением к темам тела, смерти, сексуальности, насилия и веры. Молодые художники использовали язык инсталляции, объекта, перформанса и фотографии, вступая в прямой конфликт с эстетическим каноном и моральными ожиданиями общества.
Поддержка галериста Чарльза Саатчи, в особенности через выставку «Sensation» (1997), обеспечила YBA громкий выход на международную сцену, но вместе с тем и резкую реакцию публики, политиков, СМИ и религиозных организаций. Их искусство становилось полем культурных войн, где вопрос «что можно показывать?» неизбежно сталкивался с вопросом «что должно быть сказано?».
Таким образом, YBA — это не просто поколение британских художников, а эстетико-политическое явление, корнями уходящее в меняющееся общество конца XX века и реагирующее на него с максимальной откровенностью.
Таким образом, YBA — это не просто поколение британских художников, а эстетико-политическое явление, корнями уходящее в меняющееся общество конца XX века и реагирующее на него с максимальной откровенностью.
Крис Офили
Художник нигерийского происхождения, одна из ключевых фигур движения YBA. Его искусство отличается смелым синтезом африканской символики, поп-культуры и религиозных мотивов, а также провокационным использованием необычных материалов — от блёсток и смолы до вырезок из порножурналов и слоновьего навоза. Работы Офили нередко становятся объектами культурных и политических споров, особенно в контексте цензуры, религиозной морали и расовой политики.
«Святая Дева Мария»
«Светая Дева Мария» (1996) — Крис Офили (фрагмент)
Одна из самых известных его работ. На ней изображена чернокожая Мария в стилистике африканской иконографии. Византийский облик сочетается с провокационными элементами: порнографическими коллажами, орнаментами и слоновьим навозом. Картина вызвала бурную реакцию на выставке «Sensation» в Бруклинском музее (1999): мэр Нью-Йорка Джулиани обвинил художника в богохульстве, требовал лишить музей финансирования и закрыть его. Работа подверглась нападкам и вандализму, а религиозная цензура приобрела институциональный характер.
Офили подчёркивал, что не стремился к провокации, а хотел осмыслить святой образ в африканском контексте. Его цель — сблизить Деву Марию с культурой диаспоры и показать святое через телесное. Скандал сделал картину символом борьбы за свободу искусства и против расовых и религиозных предрассудков.
«Афродизия»
«Афродизия» (1996) — Крис Офили (фрагменты)
Данная работа не вызывала столь острой реакции, как «Святая Дева Мария», но также содержит элементы, потенциально подверженные цензуре — в первую очередь использование эротических фрагментов и образов, которые пересекают границы допустимого в общественном пространстве. Картина представляет собой визуальный манифест афроцентричной эстетики, в котором сексуализированные изображения используются как способ критики фетишизации чернокожих тел, особенно женских.
Хотя работа не была официально запрещена, она может восприниматься как спорная — особенно в институциях с консервативной аудиторией. Офили сознательно балансирует на грани между зрелищем и социальным разоблачением, превращая визуальный язык массовой культуры в инструмент сопротивления.
Трейси Эмин
Яркая представительница, известная своей радикальной исповедальностью. Её произведения часто становятся поводом для ожесточённых споров о границах искусства и подвергаются цензурной критике — как официальной, так и со стороны СМИ и широкой публики. Эмин не боится выносить на поверхность темы, считающиеся табу: сексуальность, насилие, психическое здоровье и женская телесность.
«Все, с кем я когда-либо спала 1963-1995»
«Все, с кем я когда-либо спала 1963–1995» (1995) — Трейси Эмин
Инсталляция представляет собой палатку, внутри которой художница вручную вышила имена 102 человек, с которыми она «спала» — в смысле близости, а не исключительно сексуального контакта. Работа вызвала шквал критики в британской прессе после выставки на «Sensation» в Лондоне (1997). Её обвиняли в нарциссизме, вульгарности и размывании границ искусства.
Появлялись предложения не допускать подобные произведения в музейные коллекции, что является формой культурной цензуры — особенно по отношению к феминистскому искусству, которое не укладывается в традиционные рамки «высокого» искусства. Эта инсталляция стала вызовом обществу: что считается приемлемым в публичном пространстве, и кто решает, где проходит эта граница?
«Моя кровать»
«Моя кровать» (1998) — Трейси Эмин
Второй знаковый проект Эмин — реконструкция её реальной кровати во время депрессивного эпизода — стал объектом как восхищения, так и резкого отторжения. Реакция критиков включала обвинения в «мусоре, выставленном как искусство», и призывы исключить работу из претендентов на премию Тёрнера. Некоторые СМИ предлагали ограничить доступ к таким инсталляциям, особенно несовершеннолетним, что отражает попытки навязать моральные рамки через культурные институции.
Тем не менее, Эмин защищала право на художественную исповедь и подчеркивала важность честности, особенно в изображении женского опыта и ментального здоровья. «Моя кровать» стала важным примером того, как личное становится зоной общественного конфликта — и как искусство может быть инструментом сопротивления не только политической, но и культурной цензуре.
Дэмиен Херст
Одна из центральных фигур движения, прославившийся своими радикальными инсталляциями на тему смерти, тела и научного контроля. Его работы часто включают в себя настоящие останки животных, медицинские материалы и формы музейной консервации, что вызывает постоянные дискуссии о границах этики и эстетики в искусстве. Херста регулярно обвиняют в аморальности, эксплуатации смерти и шоковой стратегии, а его произведения становятся объектами споров о цензуре как в СМИ, так и в музейной среде.
«Разделённые мать и дитя»
«Разделённые мать и дитя» (1993) — Дэмиен Херст
Одна из самых известных и провокационных работ Херста — инсталляция с распиленными коровой и телёнком в аквариумах с формальдегидом. Зритель может пройти между их половинами, что превращает религиозный образ Мадонны с младенцем в анатомическое зрелище.
После показа на выставке «Sensation» в Лондоне работа вызвала резонанс: её обвиняли в богохульстве, живодёрстве и нарушении моральных норм. Поднимались вопросы о допустимости показа подобных объектов в музеях, особенно для несовершеннолетних.
Херста защищали как художника, поднимающего важные темы — смерть, тело, сакральное. Особенно резко инсталляция воспринималась в религиозных и консервативных кругах. Несмотря на споры, «Разделённые мать и дитя» стала знаковой для британского современного искусства и символом конфликта между искусством, этикой и общественными границами.
«Тысяча лет»
«Тысяча лет» (1990) — Дэмиен Херст
Одна из ранних и самых шокирующих работ Херста. «Тысяча лет» — стеклянная витрина с мертвой коровьей головой, мухами, личинками и инсектицидной лампой. Мухи рождаются, питаются, умирают от тока — создавая цикл жизни и смерти в реальном времени.
Инсталляция вызвала протесты, особенно со стороны зоозащитников, и обсуждения о допустимости натурализма в искусстве. Её критиковали за жестокость и использование страдания как эстетики.
Тем не менее, «Тысяча лет» считается важным философским высказыванием о бренности, распаде и биологическом механизме жизни. Смерть здесь — не застывшая, а происходящая. Работа поднимает вопросы: допустимо ли наблюдать смерть как искусство и где проходит грань между наблюдением и соучастием?
Сара Лукас
Её практика строится на провокационном, часто ироничном использовании повседневных предметов для критики гендерных стереотипов, сексуализации женского тела и двойных стандартов в культуре. Лукас активно работает с объектами, найденными материалами, бытовыми вещами, трансформируя их в образы, которые одновременно шокируют и вызывают смех. Её искусство — это столкновение пошлости и концептуальности, юмора и политического высказывания. Работы Лукас часто оказываются в центре скандалов, обвинений в вульгарности и непристойности, что поднимает вопрос о границах допустимого в феминистском искусстве и о роли цензуры в интерпретации женской репрезентации.
«Два жареных яйца и кебаб»
«Два жареных яйца и кебаб» (1992) — Сара Лукас
Одна из самых известных и скандальных работ. Она представляет собой инсталляцию, где еда выложена в виде женской груди и гениталий. Это нарочито грубая аллюзия на женское тело, пародирующая культурные клише сексуализации и красоты.
Работа вызвала волну критики за «вульгарность» и «отсутствие вкуса», некоторые выставки отказывались её показывать или сопровождали предупреждениями. Это спровоцировало дискуссии о двойных стандартах: мужская нагота — «искусство», женская интерпретация — «оскорбление».
Лукас подчёркивала, что это не просто провокация, а критика культуры потребления женского тела. Сегодня инсталляция считается иконой постфеминистского искусства и примером того, как искусство может нарушать табу и менять культурные нормы.
«В натуральную величину»
«В натуральную величину» (1994) — Сара Лукас
Инсталляция — матрас, апельсины, огурец, ведро и капронки — образует абсурдную сцену, аллюзию на гетеросексуальный акт. Здесь нет тел и страсти — только символы и ирония, подрывающие привычные представления о сексуальности и гендере.
Работа вызвала споры: её критиковали за «вульгарность» и исключали из выставок как «неподходящую» для широкой публики. Хотя наготы нет, визуальные намёки оказались достаточными, чтобы запустить механизмы культурной цензуры.
Лукас высмеивает стандарты эротики и показывает, как женская телесность становится табу, если выходит за рамки эстетического «нормального». Сегодня инсталляция воспринимается как ключевая работа постфеминистского искусства, ставшая вызовом культурным и визуальным нормам.
Заключение: Цензура как двигатель творчества
Цензура — не только ограничение, но и стимул к поиску новых форм. Художники «Молодые британские художники» доказали, что давление и осуждение лишь усиливают силу искусства. Их провокационные работы не просто шокировали, а вскрывали то, что общество предпочитает замалчивать.
Именно цензура превращала их произведения в культурные события: протесты, запреты и скандалы лишь подчеркивали их актуальность. Попытки заглушить такие высказывания только усиливали их эффект. Где проходит граница между свободой и оскорблением? Кто решает, что «слишком много»?
Опыт YBA показывает: чем сильнее попытка подавить, тем мощнее ответ. Искусство не становится слабее от запретов — оно становится точнее. Там, где общество отводит глаза, художник смотрит в самую суть. Цензура, вопреки своей функции, не уничтожает искусство — она заставляет его говорить громче.
Источники
Нил Коллинс. Молодые британские художники (YBA) // Gallerix. URL: https://gallerix.ru/pedia/history-of-art--young-british-artists/ (дата обращения: 15.05.2025)
Конни Дэн. Крис Офили // Britannica. URL: https://translated.turbopages.org/proxy_u/en-ru.ru.abdbdca8-682aaff1-d8a70e57-74722d776562/https/www.britannica.com/biography/Chris-Ofili (дата обращения: 15.05.2025)
Stefanie Graf. 10 Artworks That Made Tracey Emin Famous // TheCollector, 2022. URL: https://thecollector.vercel.app/10-artworks-that-made-tracey-emin-famous/ (дата обращения: 15.05.2025)
Сара Кент. Дэмиен Херст. Хозяин своей судьбы // Третьяковская галерея, 2016. URL: https://www.tg-m.ru/articles/2-2016-51/demien-kherst-khozyain-svoei-sudby (дата обращения: 16.05.2025)
Kathryn O’Regan. Sarah Lucas explained in 5 perversely brilliant art works // Sleek, 2018. URL: https://www.sleek-mag.com/article/sarah-lucas-new-museum/ (дата обращения: 16.05.2025)
https://cz.pinterest.com/pin/365987907225485156/ (дата обращения: 18.05.2025)
https://glenn-brown.co.uk/exhibitions/85 (дата обращения: 18.05.2025)
https://www.thecollector.com/damien-hirst/ (дата обращения: 18.05.2025)
https://www.independent.co.uk/arts-entertainment/art/features/marc-quinn-kew-gardens-interview-b2537878.html (дата обращения: 14.05.2025)
https://www.everypainterpaintshimself.com/article/ofilis_the_holy_virgin_mary_1996 (дата обращения: 14.05.2025)
https://www.sartle.com/artwork/afrodizzia-chris-ofili (дата обращения: 15.05.2025)
https://www.haikudeck.com/memory-art-and-design-presentation-WM4ugS0fLM#slide20 (дата обращения: 15.05.2025)
https://www.dazeddigital.com/art-photography/article/47068/1/tracey-emin-my-bed-being-turned-into-a-comedy-special-sky (дата обращения: 16.05.2025)
https://www.sothebys.com/en/articles/the-astrup-fearnley-museet-and-a-legacy-of-masterful-collecting?_amp=true (дата обращения: 16.05.2025)
https://www.tate.org.uk/art/artworks/hirst-mother-and-child-divided-t12751 (дата обращения: 18.05.2025)
https://www.whitecube.com/artworks/a-thousand-years (дата обращения: 18.05.2025)
https://www.dazeddigital.com/art-photography/article/41690/1/guide-to-controversal-yba-sarah-lucas-au-naturel-new-museum-exhibition (дата обращения: 18.05.2025)
https://hammer.ucla.edu/exhibitions/2019/sarah-lucas-au-naturel (дата обращения: 18.05.2025)
