Концепция
В XIV-XV веках религиозное искусство активно развивалось по всему миру: в Древней Руси с приходом христианства начался расцвет храмовой живописи, а в искусстве Италии брало своё начало Раннее Возрождение, в основу полотен часто шли библейские сюжеты.
Но, несмотря на опору на одинаковый сюжет, работы в этих регионах выходили абсолютно разные. Иконы выполнялись условно, святые на них были изображены статично и спокойно, навевая ощущение лёгкости и покоя, а картины Итальянского Ренессанса вызывали яркие эмоции, раскрывали сюжеты экспрессивно.
При их сравнении, разница художественного подхода при работе с библейскими сюжетами становится особенно выразительной.
В чём же заключались эти различия, как они характеризовали живопись региона в целом? Какие цели себе ставили авторы при создании работ, как это выражалось?
Религиозный жанр искусства продолжает быть актуальным и в наше время, так как многие работы великих иконописцев и по сей день служат примером мастерам-современникам, а итальянская живопись стала важной ступенью в развитии мирового искусства в целом.
Поэтому, мне захотелось обратиться к истокам этого жанра, чтобы посмотреть, как различались пути его развития во всём мире. Для этого мною были выбраны два региона, расцвет искусства в которых проходил параллельно, а работы крайне различались. Так, мой выбор остановился на Древней Руси и Италии.
Ключевой вопрос, что я ставлю перед собой: чем работы иконописцев Древней Руси отличались от религиозной живописи Раннего Возрождения Италии?
Среди художников Раннего Возрождения выбирались наиболее яркие представители своей эпохи, а также самые выразительные полотна. Из искусства Древней Руси были выбраны наиболее уникальные, профессионально выполненные образцы в рамках своей иконографии.
Исследование разбито на главы, позволяющие поэтапно рассмотреть работы под разными углами, выделяя их уникальные черты. В первой главе анализируются приёмы, используемые художниками для передачи состояния персонажей. Во второй главе анализируется специфика работы с колоритом и светотенью. Третья глава раскрывает особенности работы с композицией и перспективой в каждом из регионов.
Ключевыми параметрами для выбора источников информации была их авторитетность, а также глубина раскрытия темы. Мною были использованы как книги для получения базовых знаний, так и статьи современных искусствоведов. Так, мне удалось произвести наиболее широкий анализ данного жанра.
Глава 1. Экспрессивность и бесстрастие.
Язык тела, мимика, жесты — всё это ясно позволяет понять эмоциональное состояние персонажа, раскрыть его переживания. Однако, при изображении одних и тех же библейских сюжетов, художники Итальянского Ренессанса и Древней Руси изображали святых по-разному.
Силуэт — первое, что считывает зритель, бросая взгляд на картину.
Чтобы добиться эмоциональности изображения, художники Раннего Возрождения выбирали для своих полотен экспрессивные позы. Того же нельзя сказать об иконах из Древней Руси: святые изображались сдержанно, почти безэмоционально, что делалось с целью передачи внутреннего просветления и одухотворения [4]. Обратимся к примерам:
Мазаччо, «Распятие», 1426 г. // Фра Анджелико, «Распятие», ок. 1420 г.
На обеих работах художников Италии XV века Иисус Христос написан реалистично, опирающимся туловищем на крест, из-за чего его фигура выглядит тяжело и увесисто. Грузный силуэт распятого на кресте Спасителя создаёт угнетающее, трагичное настроение. Исхудалость, сухость тела Христа вызывают у зрителя сострадание, горечь, страх.
Дионисий, «Распятие», 1500 г.
На иконе Дионисия иначе: пропорции намеренно нарушаются, тело конструируется из плавных линий, туловище изгибается, из-за чего Христос визуально кажется «парящим». Это помогает в раскрытии духовной составляющей картины: невесомость фигуры показывает невозмутимость и благоговение Спасителя, пошедшего на жертву [4].
Дионисий, «Распятие», 1500 г. — фрагменты
Как и Христос, фигуры святых изображаются статично, сдержанно. Намёком на внутреннее переживание становятся практически незаметные движения: Богоматерь подносит руку к лицу, смотря на распятого Христа, а Иоанн Богослов опускает взгляд вниз, его колени слегка согнуты.
Святые испытывают скорбь, однако, это не придаёт иконе настолько же мрачного, трагического настроения, как на итальянских полотнах, ведь они не предаются страданиям. Это позволяет акцентировать внимание на духовной значимости события.
Мазаччо, «Распятие», 1426 г. // Джотто ди Бондоне, «Распятие», ок. 1315 г. — фрагменты
Примером иного подхода становится картина Мазаччо: Мария Магдалина изображена стоящей на коленях, с низко опущенной головой и руками, вскинутыми в небо. Весь силуэт святой передаёт её крайнее отчаяние, горе.
Так и на полотне Джотто святая изображена обвивающей руками деревянный крест, явно испытывая страдание. Акцент делается на эмоциональном состоянии героев, а не на духовной составляющей.
Мимика героев также занимает важную роль в передаче эмоционального состояния. Рассмотрим некоторые произведения в деталях.
Пьетро Лоренцетти, «Несение креста», 1320 г. // «Успение», 1497 г. — фрагменты
При сравнении становится очевидно, что художники Италии уделяют особое внимание прорисовке лиц и изображению мимики персонажей. Святые, заливающиеся слезами, изображены с приоткрытыми ртами, и, в целом, реалистично и детально прорисованы.
Иконописцы Древней Руси же изображают лица довольно однообразно. Намёком на грусть, которую испытывают герои иконы, становятся лишь слегка прищуренные глаза и немного скошенные брови.
«Святые Борис и Глеб», вторая половина XIV в. — фрагмент
При создании портретов и иконописцы Древней Руси, и итальянские художники стремились к узнаваемости героев. Однако, из-за особенностей стиля, иконы с трудом передают индивидуальные черты внешности святых, и это не является их основной задачей. При создании икон нет настолько же острой необходимости в изображении персонажа узнаваемым по лицу: эту роль выполняет одежда, соответствующая канону [6], а также подписи.
Фра Анджелико, «Святые Франциск и епископ», ок. 1420 г. — фрагмент
Примером другого подхода становится картина Фра Анджелико: видно стремление художника узнаваемо изобразить святых. Герои имеют разную полноту, тон кожи подобран индивидуально, а форма носа, глаз и ушей различается.
Так, главным различием в трактовке библейских сюжетов в Древней Руси и в Италии становится то, что художники Ренессанса стремятся раскрыть эмоции героев, поэтому их образы выходят яркими, динамичными, экспрессивными. Герои изображаются портретично.
Целью русских иконописцев является же, в первую очередь, изображение конкретного события и раскрытие его духовной составляющей, поэтому святые изображаются статично, практически безэмоционально, либо крайне сдержанно. Узнаваемость персонажей достигается через подписи или характерные одежды.
Глава 2. Колорит.
Такой же значимой для передачи настроения картин деталью является её колорит. Если яркие, чистые цвета создают впечатление радости и лёгкости, то мрачные оттенки в сочетании с выразительными тенями могут придать даже самой статичной работе угнетающую атмосферу.
Итальянские мастера следовали реалистическим традициям, потому в работах практически не было «чистого» цвета — пигмента, ни с чем не смешанного.
Простые цвета использовались лишь как акцентные. Посмотрим на примерах:
Паоло Уччелло, «Святой Георгий и дракон», ок. 1470 г. — фрагмент // «Чудо Георгия о змие», вторая половина XV в.
