Музыкальная визуализация в американской анимации 1920-30-х годов
Рубрикатор
1. Концепция 2. Путь к звуку: «bouncing ball» и первые караоке 3. Рождение синхронизации: «Танцующий» кадр и принцип «Mickey Mousing» 4. Анатомия как инструмент: Гротеск и пластика в служении ритму 5. Заключение
Концепция
Начало эпохи звукового кино датируется примерно 1927 годом, когда состоялась премьера первого полнометражного художественного фильма с синхронным звуком — «Певец джаза» («The Jazz Singer»). «Звук пришел в кино» — эта историческая формула, описывающая конец эпохи немого кинематографа, для анимации означала не просто приход, а настоящую революцию.
Если в игровом кино звук, прежде всего, обогатил нарратив, добавив диалоги и реалистичность шумов, то для анимации он стал тем самым недостающим элементом, который вывел ее на уровень самостоятельного синтетического искусства. Звук позволил создавать новые виды взаимодействия зрителя с экраном, разнообразил сюжетные линии эмоциональностью и динамикой. Истинным прорывом стало не просто озвучивание, а фундаментальное переосмысление связи изображения и звука, где музыка перестала быть фоном и превратилась в главного дирижера, композитора и сценариста визуального ряда.
Появление звука стимулировало развитие музыкального сопровождения фильмов, открыв новых возможностей для художников и режиссёров. Анимационные студии стали внедрять оригинальные подходы к интеграции музыки и изображений, создавая целые жанры, основанные на взаимодействии визуальных эффектов и музыкальных композиций.
Золотой век американской анимации охватывает приблизительно три десятилетия, начиная с конца 1920-х годов и заканчивая началом 1960-х. Именно в этот период появились знаменитые анимационные герои, такие как Микки Маус, Дональд Дак, Багз Банни и многие другие. Ведущие киностудии, среди которых выделяются Warner Bros., Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) и конечно же студия Уолта Диснея, выпускали большое количество короткометражных мультфильмов, демонстрируя огромный потенциал анимации как самостоятельного вида искусства.
Одним из ключевых направлений развития была интеграция музыкальных элементов в структуру сюжета. К примеру, серия «Silly Symphonies» от Disney начала выпускать картины, специально предназначенные для демонстрации симфонической музыки в анимационном формате. А «Merrie Melodies» и «Looney Tunes» от Warner Bros. включали в свои короткометражные работы музыку из популярных фильмов компании в качестве рекламы. Эти эксперименты оказали значительное влияние на формирование стиля, жанра и методов производства последующих поколений аниматоров.
Изучение музыкальной визуализации в американском анимационном искусстве периода 1920-30-х годов позволит глубже понять культурные процессы той эпохи, раскрыть механизмы воздействия звука и изображения на аудиторию, а также оценить вклад мультипликационных студий в становление современной кинодрамы и музыкальной эстетики.
Объектом изучения выступают ключевые анимационные серии того периода — «Silly Symphonies» Уолта Диснея, «Merrie Melodies» студии Warner Bros., а также «Song Car-Tunes» и короткометражные фильмы о Бетти Буп от Fleischer Studios. Именно в этих работах были заложены и отточены основные приемы музыкальной визуализации, определившие дальнейшее развитие медиума.
Методология исследования строится на сравнительном визуальном анализе, позволяющем выявить общие тенденции и уникальные подходы разных студий. Фокус будет направлен на четыре ключевых аспекта: использование «bouncing ball» и персонажей в первых звуковых анимациях, технику синхронизации движения и звука и использование гротеска и пластики анатомии персонажей для передачи ритма и тембра.
В результате, такой подход позволит продемонстрировать эволюцию от буквальной иллюстрации песни или мелодии к сложному диалогу, где изображение не просто сопровождает, а интерпретирует и обогащает музыкальное произведение, со временем выступая на первый план.
Путь к звуку: bouncing ball и первые караоке
Довольно продолжительный период истории анимация была немой в силу технических сложностей реализации стыковки звука и изображения.
Метод озвучить визуальный ряд предложил Ли де Форест в 1923 году, представив звуковые фильмы с использованием системы «Фонофильм», ранее запатентованной им. Однако, на старте автор не получил должной популярности своего продукта, поскольку внедрение принципиально новой системы закономерно требовало глобальных изменений внутри кинотеатров, что, в свою очередь, влияло на заинтересованность киностудий продуктом. В том же 1923 году, композитор и режиссер Х. Ризенфельд знакомит Фореста с братьями Флейшер, которые на тот момент имели свою собственную студию.
Получив на руки новую технологию, братья Флейшер разработали серию «Song Car-Tunes», фильмы из которой сложно отнести к традиционному кино в связи с отсутствием сюжета и действующих лиц. Скорее, это был новаторский формат, который сейчас можно назвать прародителем караоке.
Суть формата заключалась в том, что на экране, синхронизируясь с музыкой, своевременно появлялся текст, по которому прыгал мячик, чтобы зрители сфокусировались на нужных словах и попадали в такт мелодии.
«Ko-Ko Song Car-Tunes: By The Light of the Silvery Moon» — 1926
Изначально место мячика занимала обыкновенная точка, создаваемая при помощи световой указки. Сама идея создания какого-нибудь элемента, помогающего зрителям уследить за текстом и ритмом, принадлежит Максу Флейшеру, который и до этого в своей жизни имел опыт использования световой точки в качестве указки для акцентирования на деталях. Вскоре следом за точкой появился тот самый bouncing ball, реализация которого оказалась проще и эффективнее предшественницы.
Периодически, чаще всего ближе к концу песни, мячик мог превратиться в небольшого персонажа, выполняющего не просто прыжки, а полноценные трюки и тематические действия.
«Ko-Ko Song Car-Tune: Tramp, Tramp, Tramp» — 1924
«Song Car-Tunes: My Old Kentucky Home» — 1926
Или появлялась пара или группа персонажей, визуализирующих песню и отыгрывающих небольшие сценки для поддержания атмосферы.
«Ko-Ko Song Car-Tunes: By The Light of the Silvery Moon» — 1926
Для привлечения большего внимания к серии и увеличения вовлеченности публики в процессе просмотра, Флейшеры решили добавить в фильмы персонажа, который бы стал полноценным действующим лицом, и обратились к уже известному на тот момент образу клоуна Коко. Персонаж выступал в роли дирижера и шоу-мена одновременно. Сначала он рисовал мелом на доске музыкантов, которые оживали и отправлялись на сцену, а затем поднимал над головой табличку с названием песни и призывал публику к активному участию в хоровом пении.
«Ko-Ko Song Car-Tune: Tramp, Tramp, Tramp» — 1924
В 1926 году Флейшеры прекратили сотрудничество с Форестом. После нескольких лет финансовых сложностей в 1928 году братья подписали контракт с «Paramount Pictures», благодаря чему смогли продолжить музыкальную серию фильмов, однако на этот раз под другим названием — «Screen Songs». К тому моменту появились аналоги системы звукозаписи, которые и стали использовать Флейшеры в новой серии [1].
В более поздних выпусках серии «Screen Songs» стали появляться видеовставки с исполнителями песен. Bouncing ball по-прежнему использовался и даже упоминался в заставке, однако теперь текст песни был помещен либо на фоне видео с выступлением артиста или стилизованных декораций.
«Screen Song: Down Among the Sugar Cane» — 1932 «Screen Songs: Rudy Vallee Melodies» — 1932 «Screen Songs: You Tru Somebody Else» — 1932
Формат эволюционировал: у короткометражных фильмов появились полноценные анимационные вступления и финалы, а также стали внедряться элементы взаимодействия между живыми актёрами и анимированными персонажами.
«Screen Songs: Rudy Vallee Melodies» — 1932
«Screen Songs: You Tru Somebody Else» — 1932
Рождение синхронизации: «Танцующий» кадр и принцип Mickey Mousing
Студия Уолта Диснея, бывшая в авангарде этих экспериментов, быстро осознала, что синхронизация изображения и звука — это не просто технический трюк, но и мощное выразительное средство. В ответ на этот вызов была создана серия «Silly Symphonies», задуманная как «причудливое дополнение к музыкальным произведениям» [2], с помощью которого можно было оттачивать нарратив и анимацию, свободные от формата комедийного сериала с постоянными звездами. Именно в этой студийной среде, нацеленной на поиск гармонии между изображением и музыкой, и сформировался базовый принцип, позднее получивший название «Mickey Mousing».
Это прием, подразумевающий точное совпадение действия на экране с ритмом, мелодией и акцентами музыкальной партитуры [3]. Он стал фундаментальным языком, на котором впоследствии заговорила вся мировая анимация, превращая кадр в визуальную партитуру, где каждый элемент подчиняется дирижирующему жесту композитора.
В «Танце скелетов» (1929) принцип Mickey Mousing применяется в своей самой прямой, почти примитивной форме. Здесь нет подтекста или сложного повествования — каждый визуальный элемент существует исключительно для озвучивания партитуры. Движения скелетов строго синхронизированы с музыкальным тактом. Их шаги, повороты головы, взмахи костяных рук идеально попадают в ритм.
Аниматоры используют саму физиологию скелетов для визуализации звука. Щелчки челюстей, стук костей друг о друга, удары тазобедренными суставами — все эти действия не просто анимированы, они являются зримым воплощением перкуссии. Зритель буквально видит звук маракасов, ксилофона и кастаньет.
Скелеты постоянно перемещаются по экрану, формируя ритмически меняющиеся композиции. Они выстраиваются в линии, круги, рассыпаются и собираются вновь. Эти геометрические перестроения визуально дублируют структуру музыкального произведения.
«Silly Symphonies: The Skeleton Dance» — 1929
«Silly Symphonies: The Skeleton Dance» — 1929
Резкие переходы на крупные планы с играющими на собственных ребрах или на хвосте кота скелетами часто совпадают с музыкальными акцентами в виде сольных партий отдельных инструментов, усиливая их эффект.
«Silly Symphonies: The Skeleton Dance» — 1929
Подобный довольно интересный с точки зрения визуализации звучания музыкального инструмента эпизод можно увидеть и в «Silly Symphonies: Autumn». Здесь игра на ксилофоне интерпретируется как очистка початка кукурузы зубами героя. Вся сцена стилизована под музыкальную шкатулку.
«Silly Symphonies: Egyptian Melodies» — еще один хороший пример «танцующего» кадра. Композиция и монтаж в этом мультфильме построены по принципу нарастания, ведущего к визуально-музыкальной кульминации. Мультфильм начинается с медленного, таинственного вступления — паук пробирается в гробницу, движения плавные, музыка напряженная. По мере оживления мумий и изображений ритм ускоряется: сюжеты из шествий и скачек перерастают в драки и погони, кадр наполняется все большим количеством «танцующих» элементов, создавая визуальный хаос, который точно соответствует нарастающему темпу и громкости музыки.
«Silly Symphonies: Egyptian Melodies» — 1931
Апофеозом становится массовый танец, больше походящий на хаос. Каждый персонаж, каждая часть декораций движется в своем ритме, но все вместе они образуют сложный визуальный оркестр, настоящую симфонию движения.
«Silly Symphonies: Egyptian Melodies» — 1931
Анатомия как инструмент: гротеск и пластика в служении ритму
В 1930-х годах бывшие аниматоры компании Дисней, Рудольф Айзинг и Хью Харман, приступили к созданию собственных вселенных, так или иначе пародировавших «Silly Symphonies», — «Merrie Melodies» и «Looney Tunes» соответственно. В то время как второй мультсериал был рассчитан на аудиторию дошкольного-младшего школьного возраста, первый ориентировался на взрослую, поскольку включал в себя песни популярных фильмов Warner Bros. и зарубежной эстрады [4].
«Merrie Melodies», «Looney Tunes» (заставки) — 1930
В музыкальном репертуаре фильмов серии «Merrie Melodies» встречались и оригинальные работы американских композиторов. Например, песня «Smile, Darn Ya, Smile», которая после выпуска одноименного анимационного фильма стала широко популярна не только в США, но и за рубежом. Это событие подкрепляет один из ключевых аспектов существования франшиз — рекламу включаемой в эпизод музыки. В мультфильме песню исполняют разные герои на протяжении всего хронометража.
В исполнении песни второстепенными персонажами можно увидеть нарочито открытые рты. Искажение анатомии и настолько активная деформация лиц героев совпадает с протяжными нотами в песне, подчеркивая структуру мелодии. Идентичный прием есть и в других фильмах вселенной «Merrie Melodies».
«Merrie Melodies: Smile, Darn Ya, Smile!» — 1931
«Merrie Melodies: One More Time» — 1931
«Merrie Melodies: You Don’t Know What You’re Doin» — 1931
«Резиновая» анатомия служит универсальным инструментом для визуальной расшифровки музыкальной партитуры. Растягивающиеся и сжимающиеся тела персонажей становятся зримым воплощением стаккато и легато, где резкая деформация соответствует отрывистому, акцентированному звуку, а плавное, волнообразное движение — протяжной, певучей мелодии.
Эта музыкальная логика распространяется на всю кинетику персонажа: его походка и пластика конечностей напрямую транслируют характер мелодии. Отрывистая походка, состоящая из серии резких рывков или прыжков, визуализирует ритмическое стаккато. В то же время плавные, текучие движения рук и ног, лишенные резких суставных изломов, идеально соответствуют мелодическому легато.
«Merrie Melodies: Pagan Moon» — 1932
«Merrie Melodies: Goopy Geer» — 1932
Дисней в свою очередь стремился к большей реалистичности пластики в своих работах, хотя и не избегал «резиновой» анатомии в тех эпизодах, в которых это было необходимо или уместно. Например, в той же серии «The Skeleton Dance» у скелетов то и дело растягиваются руки или ноги, что в целом невозможно в реальности в силу твердой структуры костей, зато отлично играет на руку для визуализации определенных музыкальных эффектов и запоминающихся гротескных образов.
«Silly Symphonies: The Skeleton Dance» — 1929
В 1934 году Рудольф Айзинг и Хью Харман прекратили сотрудничество с Леоном Шлезингером, в результате чего и «Merrie Melodies», и «Looney Tunes» остались при продюсере, но без упоминаемых и узнаваемых персонажей, встречавшихся в некоторых сериях. Вопрос о создании новых героев и маскотов франшиз встал особенно остро на фоне активно развивающейся тогда студии братьев Флейшер, которые к тому моменту успели представить миру культовую героиню Бетти Буп [4].
В 1933 году именно с этой героиней в главной роли выходит анимационный фильм «Белоснежка» от Fleischer Studios. Гротеск здесь пронизывает все уровни повествования, трансформируя сказочный сюжет в психоделический карнавал.
В «Белоснежке» также много моментов синхронизации музыки и анимации. В самом начале эпизода королева выполняет похлопывающие движения руками и параллельно топает ногами в такт музыке, впоследствии движение ее кистей и ступней тоже будет подчеркивать трель в музыкальном сопровождении.
«Betty Boop: Snow White» Fleischer Studios — 1933
Кроме этого, персонажи часто шагают, попадая в метр. Например, гномы, несущие гроб с Бетти, подобно маршу, синхронно шагают в такт музыке, что в итоге поддерживает общую атмосферу напряженности.
«Betty Boop: Snow White» Fleischer Studios — 1933
Но нельзя сказать, что абсолютно каждое действие в картине зависимо от звука. Даже наоборот, изображение уже не подстраивается под музыкальную композицию, а вдохновляется ею и отводит на второй план, оставляя за собой первенство.
Интересно на контрасте с общей сумбурностью и комичностью смотрится партия клоуна Коко. Его походка и пластика скорее дополняют характер, манеру исполняемой песни, нежели ее техническую сторону. Во время соло персонаж ни без помощи ведьмы меняет свой облик, обращаясь в призрака, но продолжает петь, и теперь его номер становится по-новому харизматичным и текстурным.
«Betty Boop: Snow White» Fleischer Studios — 1933
На протяжении всей песни после превращения Коко переживает еще несколько метаморфоз, которые будут перекликаться с изображениями на фоне происходящего. Заканчивает пение герой неожиданным образом, застывая в виде статуи.
«Betty Boop: Snow White» Fleischer Studios — 1933
В эпизоде «Betty Boop — Blunderland» 1934 года события разворачиваются по известному сценарию: Бетти попадает за кроликом в волшебную страну, где открывает для себя множество странностей данного мира, а затем просыпается.
Во второй половине картины представлен целый парад следующих друг за другом образов, каждый из которых выступает воплощением своей музыкальной темы. Здесь гротескные образы функционируют не просто как странные фантазии, а как точные визуальные аналоги музыкальных структур, превращая партитуру в нечто осязаемое.
Странные, хаотично и неожиданно подобранные образы воплощают звучание музыкальных инструментов. Стуки и щелчки изображаются с помощью клешней раков и танцующих раковин, звук на грани звона и вибрации раздается в момент удара персонажа на пиле. Тема с солирующими медно-духовыми инструментами нижнего регистра показана через образ моржа, перепрыгивающего с одной стороны качели, на которой размещены аквариумы с рыбками, на другую. Торопливая мелодия с передана через движения двух героев, которые как бы бегут друг за другом, мельтеша ногами, и при этом периодически машут дубинками вокруг себя в надежде попасть в соперника. Замах происходит всегда на сильную долю в такте, что усиливает акцент на ней. Финальный женский образ представляет легкую, беспечную мелодию в исполнении духовых инструментов с высоким регистром, выполняя несложные танцевальные движения в попытке в кокетство, завершившейся нелепым падением.
Заключение
Американская анимация 1930-х годов стала мощным креативным полигоном для разработки и оттачивания принципов не только музыкальной визуализации, но и закрепленных в будущем именно за анимацией приемов, относящихся уже к обособленному от музыки выражению эмоций и созданию ситуации с определенным настроением.
Студия Walt Disney в «Silly Symphonies» утвердила фундаментальный принцип тотальной синхронизации — «Mickey Mousing», — возведя его в ранг органичного симфонизма. Здесь музыка дирижировала не только движением персонажей, но и всей визуальной средой, превращая природу и архитектуру в единый гармоничный оркестр. В противоположность этому, аниматоры Warner Bros. увидели в музыке источник взрывной, сатирической энергии. Их подход, основанный на «резиновой» анатомии и гротескной пластике, превращал тела персонажей в визуальную перкуссию, идеально передающую рваный, истеричный ритм джаза и социальной сатиры.
Особняком стоит наследие Fleischer Studios, где музыкальная визуализация достигла вершин сюрреализма. Пластика Бетти, с её текучим легато, и хаотичные, импульсные трансформации окружающего её мира создавали уникальный аудиовизуальный симбиоз, где мелодия и ритм вели между собой визуальный диалог.
В результате анимация 1930-х не просто иллюстрировала музыку, а подняла её визуализацию до уровня сложного художественного языка. Отработанные в ту эпоху приемы — от буквального «Mickey Mousing» до сюрреалистического гротеска — заложили фундамент для всего последующего развития не только анимации, но и смежных областей, таких как музыкальный клип, реклама и современное цифровое искусство. Это доказывает, что синтез изображения и звука, рожденный в золотой век анимации, остается неиссякаемым источником вдохновения и актуальным инструментом творчества по сей день.
Наталья Геннадьевна Кривуля. К истории создания первой звуковой анимации. Песенные серии братьев Флейшеров // Вестник ВГИК. 2018. № 1 (35). URL: https://cyberleninka.ru/article/n/k-istorii-sozdaniya-pervoy-zvukovoy-animatsii-pesennye-serii-bratiev-fleysherov (дата обращения: 20.11.2025).
Philip Marlowe. Walt Disney’s Silly Symphonies // Сайт imdb.com [Электронный ресурс]. URL: https://www.imdb.com/list/ls098602788/ (дата обращения: 20.11.2025).
Mickey Mousing // Сайт Wikipedia.org [Электронный ресурс]. URL: https://en.wikipedia.org/wiki/Mickey_Mousing (дата обращения: 20.11.2025)
Надежда Воронцова. «Merrie Melodies"/"Веселые мелодии» — эволюция культового мультсериала студии Warner Brothers // Сайт spletnik.ru [Электронный ресурс]. URL: https://spletnik.ru/merrie-melodiesveselyye-melodii-evolyutsiya-kultovogo-multseriala-studii-warner-brothers-324806 (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?v=RxOKVoqqN28 (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?v=_wX1_acp53U (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?v=FmW0pDxf5N8 (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?v=9icxZ0lRTKw (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?v=-8-Nyhgs5QQ (дата обращения: 20.11.2025)
https://en.wikipedia.org/wiki/File:Mickey_Mousing_in_The_Skeleton_Dance_(1929).webm#file (дата обращения: 20.11.2025)
https://yandex.ru/video/preview/15784497004230744157 (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?v=sgtuq_wPLIQ (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?v=nlkQKBVU2_4 (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?app=desktop&v=xuQc-Zi9eq0 (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?v=VUdLkIAfCKY (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?v=xcLCIYMXE40 (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?v=6KVKawPgX8g (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?v=nfWWnGZhmjM (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?v=lTsWpEVc7Mk (дата обращения: 20.11.2025)
https://yandex.ru/video/preview/13437560498452384548 (дата обращения: 20.11.2025)
https://www.youtube.com/watch?v=VFWzzptHJ58 (дата обращения: 20.11.2025)
