Глава II. Коммерческая анимация, от киноприема до young-adult
Рубрикатор
— Макс Флейшер и Уолт Дисней. Разделение анимации
— Анимация на больших и малых экранах
— Анимационные каналы нового века
Макс Флейшер и Уолт Дисней. Разделение анимации
Анимация зародилась всего на пару десятилетий позже кинематографа и развивалась параллельно с ним. Первоначально анимация была частью кино с живыми актерами, внося разнообразие в действие. Многие приемы и техники перешли в анимацию именно из кино, в частности комедии буффонады, которая определила вектор развития анимации на десятилетия вперед. Анимация стала продолжением комедий про «бродяги Чаплина» только с животными в главных ролях, так появились первые крупные серии мультфильмов объединенных единым главным героем. Несмотря на то, что первоначально анимация использовалась в сочетании с живыми актерами, первыми крупными спонсорами анимации стали печатные издания, которые продвигали своих авторов при помощи нового вида искусства. Таким образом анимация стала продолжением панелей воскресных комиксов. Примечательно, что подобные мультфильмы часто были крайне прямолинейны с точки зрения истории и стремились зацепить зрителя новизной жанра, а не интересным или смешным сюжетом. Для разнообразия и отвлечения зрителя от недочетов истории, ранняя анимация часто сочеталась с живой съемкой с участием актеров.
«Little Nemo»// 1911// Winsor McCay
«Little Nemo»// 1911// Winsor McCay
«Little Nemo» оригинальный комикс// 1906// Winsor McClay
«The Animated Grouch Chaser»// 1915// Raoul Barre
Использование комиксных «баблов» для обозначения речи героя вместо классических интертитров
Комиксные традиции прочно закрепились в ранней анимации, начиная от попыток изменить классический вид интертитров, и заканчивая правилами нарративного и визуального оформления историй. Будучи свободным от физических ограничений актера, мультипликация вскоре приобрела свои собственные характерные черты. С появлением звука анимация смогла окончательно обрести завершенную форму самостоятельного вида экранного искусства. Наследуя комиксную эксцентричность и неестественность, мультфильмы стали позволять своим героям быть более гипертрофированными и эмоциональными. 12 принципов анимации, созданные в 1930 годах на студии Уолта Диснея четко ставят перед художниками задачу сделать персонажей визуально чересчур выразительными, а каждое их движение до комичности наигранным. Мультфильмы перешли от простых историй и визуального дополнения в самостоятельные произведения, а произведениям нужен герой. Наиболее известными авторами таких анимационных серий, связанных одним героем стали Макс Флейшер и Уолт Дисней.
Макс Флейшер начинал творить еще в 1910-х годах, однако известность ему принесли не мультфильмы, а новаторство. В 1915 году он изобрел анимационную технику, позволяющую сделать плавную анимацию даже с самыми замысловатыми движениями и ракурсами, ключом стала живая съемка, движения актера записывались на пленку, после чего художники переносили его движения на анимационного персонажа перерисовывая их, эта техника стала известна как ротоскопирование, или просто «ротоскоп». В 1924 году Флейшер попытается создать свою собственную студию, однако студия не сыскала успеха и вскоре закрылась из-за долгов. Тогда молодой аниматор заключил контракт с Paramount который ограничил творческую свободу и инновационные порывы строгими корпоративными нормами. После завершения контрактных обязательств, Флейшер снова основывает собственную студию и выпускает свои мультфильмы совместно с другими издательствами. Примерно в этот момент Флейшер начинает поиск и создание своих культовых персонажей, которые позволят студии выгодно продавать свои мультфильмы. Такими героями стали Бетти Буп и Моряк Папай из одноименных серий мультфильмов. Бетти Буп стала первым и наиболее противоречивым персонажем Флейшера. Экстравагантная, кокетливая, сексуализированная, но при этом наивная героиня заигрывала не только с другими персонажами, но и со зрителями.
«Она была идеальной флэппершей, которая могла флиртовать и дразнить, оставаясь при этом невинной». Леонард Малтин, кинокритик, сценарист, перевод цитаты.
«Is my palm read?»// 1933// Max Fleischer
Делая серии про Бетти, Флейшер ориентировался на более взрослую аудиторию, эти мультфильмы изобиловали сценами с сексуальным подтекстом, курением и другими атрибутами взрослой жизни. Многие критиковали Бетти за столь непристойное поведение и считали эти анимационные эпизоды сродни бульварным романам, яркой обложкой за которой скрывается пустота. Тем не менее в них Флейшер впервые активно использовал собственные нововведения, а в силу привлекательности образа эти серии отлично продавались и выпускались Paramount в 1933–1938 годах.
«Betty Boop’s Ker-Choo»// 1933// Max Fleischer
«The Old Man of the Mountain»// 1933// Max Fleischer
Моряк Папай с другой стороны был достаточно типичным представителем анимационного героя той эпохи. Сильный уверенный и слегка недалекий мужчина вышел из-под пера художника-комиксиста Элзи Крайслер Сегара, в рамках комиксных стрипов «Thimble Theater». К моменту первых экранизаций герой уже приобрел определенную популярность и узнаваемость. Помимо узнаваемого главного героя, в серии мультфильмов про моряка Папая Флейшер также прибегал к использованию новых технологий, например трехмерный метод создания локаций, когда сооружался макет окружения, в котором находится герой и поверх него на камеру крепились отрисованные изображения анимационного персонажа, создавая глубину пространства.
«Popeye The Sailor I’ll Never Crow Again»// 1941// Max Fleischer
«Popeye the Sailor Meets Sindbad the Sailor»// 1936// Max Fleischer
Еще одним значимым аниматором раннего периода был Уолт Дисней. Родившийся в небогатой семье в Канзасе, Дисней был крайне амбициозным и целеустремленным человеком. Вернувшись с первой мировой войны он сразу же приступил к созданию мультфильмов для местной театральной выставки, однако успех пришел к нему только в 1928 году, когда после долгих проб и ошибок его студия предоставила первый в мире мультфильм с синхронизированной звуковой дорожкой «Пароходик Вилли». Мультфильм сразу же стал всемирно известным, как и его главный герой, Микки Маус. Дисней сразу же стал производить больше мультфильмов схожих с пароходиком Вилли, используя Микки как главную звезду, как делал и Флейшер.
«Steamboat Willie»// 1928// Walt Disney
«Mickey Mouse Plane Crazy»// 1928// Walt Disney
Со временем аниматоры Диснея разработали других персонажей которые взаимодействовали с Микки, утка Дональд, пес по кличке Плуто и другие герои пополнили каст мультфильмов. В отличии от других студий, Дисней и его команда разработали характер и реакцию каждого персонажа с целью сделать их особенными и запоминающимися, у героев появились разные характеры, особенности речи и голоса и реакции на те или иные ситуации. Сохраняя приверженность комедии гэгов, строящихся вокруг нелепых ситуаций и шуток, Дисней также думал как придать персонажам больше индивидуальности, сделать их более «объемными».
«Mickey Mouse Mickey Cuts Up»// 1931// Walt Disney
«Mickey Mouse Ye Olden Days»// 1933// Walt Disney
«Mickey Mouse Two Gun Mickey»// 1934// Walt Disney
Анимация была развлечением для публики наравне с кинематографом, однако все начало меняться в 1934 году, когда студии и издательства были вынуждены подчинятся так называемому кодексу Хейса, вводящему запреты на показ некоторых тем и сюжетов на экранах. Этот свод правил стал ответом на возмущение общественности безнравственности кинематографа. Этот цензурный свод правил поставил перед анимационными студиями один из главных вопросов: «Для кого мы делаем это?». До 1930х анимация разделяла ту же целевую аудиторию, что и кинематограф и была направлена во многом на взрослого зрителя, однако кодекс Хейса ввел запрет на ряд тем вынудив аниматоров искать нового зрителя. Макс Флейшер пытался адаптировать свои мультфильмы под новые реалии, Бетти стала более скромной и тактичной, Папай перестал бранится и выпивать, однако этих шагов оказалось недостаточно и в начале 1940-х годов Флейшер со своим братом были уволены из собственной студии. Уолт Дисней же разглядел новый потенциал в детской аудитории, выпущенный в 1937 году мультфильм «Белоснежка и семь гномов» не только стал коммерческим успехом и доказал, что анимация может соперничать с полнометражными фильмами, но и предопределил вектор развития анимации. Дети были более благодарной публикой, а формат движущихся картинок идеально подходил для рассказа ярких и живых историй и сказок. Таким образом к сороковым годам двадцатого века благодаря успеху «Белоснежки» и других работ Уолта Диснея, а также цензуре, анимация стала жанром преимущественно предназначенным для детей и оставалась в этом русле долгие годы.
«Snow White and the Seven Dwarfs»// 1937// Walt Disney
Анимация на больших и малых экранах
Период с 1910-х до конца 1930-х годов принято называть периодом «театральной» анимации. Большая часть мультфильмов выходила именно в кинотеатрах и предназначалась для показа там, поэтому даже у небольших по хронометражу эпизодов непременно были собственные афиши, завлекавшие зрителей. Изменения настали после второй мировой войны, когда телевидение стало более распространенным на территории США. В 1946 году телевизионные приборы были примерно в 8000 домах, а в 1960 их количество увеличилось до 45,7 миллионов. В связи с увеличивающимся спросом на телевизионный контент, голливудские студии начали создавать отделы, занимающиеся производством контента для домашнего просмотра. На подобные программы чаще выделялись меньшие бюджеты и многие аниматоры пришедшие на такие проекты были менее квалифицированными и опытными чем театральные специалисты. Главным отличием телевидения от театрального проката стала возможность выпускать длительные серии мультфильмов, история могла рассказываться на протяжении нескольких эпизодов чтобы сохранять интригу и заставлять зрителя не переключать канал.
Poster «Snow White and the seven Dwarfs»// 1937// Walt Disney
Poster «Popeye the Sailor Meets Sindbad the Sailor»// 1936// Max Fleischer
«Телевидение могло стать либо нашей погибелью, либо нашим возможным спасением…» Джозеф Роланд Барбера, аниматор, продюсер, перевод цитаты.
Первым анимационным сериалом, предназначенным для телепередачи стал «Кролик Крестоносец», выходивший с 1950-го по 1959 год и насчитывающий свыше 400 эпизодов. Серии были объединены в небольшие сюжетные арки по 15-20 серий, каждая из которых повествовала об одном из деяний кролика и его компаньонов, качество анимации было достаточно посредственным, но аниматоры крайне удачно прятали нехватку анимации за звуковые эффекты и закадровым голосом, который и вел рассказ. Телевизионная анимация больше полагалась на историю, которую стремилась рассказать, нежели на визуальную насыщенность, задачей было заставить зрителя смотреть и ждать новых серий следя за историей и персонажами.
«Crusader Rabbit»// 1950// Alexander Anderson, Jay Ward
Не менее значительную роль в развитии телевизионной анимации сделали Уильям Ханна и Джозеф Барбера. В 1957 году они выпустили мультсериал «Шоу Раффа и Редди» в котором герои были более проработаны чем в «Кролике Крестоносце», они представляли собой достаточно архитипичный дуэт простого, наивного и доброго пса и маленького находчивого котенка. Такая проработка позволила рассказывать истории через диалоги и действия персонажей, а не закадровым голосом. Этот успех был закреплен в следующем крупном проекте студии «Шоу Мишки Йоги» который позволил им закрепится и стать доминирующей студией на телевиденье. Студия Ханна-Барбера стала первой кто специализировался именно на телевизионном контенте и конкретно анимационных сериалов. Их успехи были настолько впечатляющими, что в конце 1950-х годов студия попыталась выпустить первый анимационный телесериал направленный на взрослую аудиторию и хотя продюсеры и дали добро на производство проекта, тем не менее большая часть крупных телеканалов отказались спонсировать данную идею в связи с высокими рисками. Тем не менее в 1960 году «Флинстоуны» вышли в эфир и столкнулся с неоднозначной реакцией аудитории, часть зрителей посчитали мультсериал недостаточно серьезным, в то же время отмечая юмор который был основан на классической буффонаде и не был чересчур тонким или жестоким. К 1963 году сериал стал более детским перейдя из взрослой комедии положений в семейное шоу для детей.
«Ruff and Reddy»// 1957// Joseph Barbera, William Hanna
«The Yogi Bear Show»// 1961// Joseph Barbera, William Hanna
«The Flintstones»// 1960// Joseph Barbera, William Hanna
После успеха студии Ханна-Барбера другие уже существующие компании, а также новые аниматоры стали рассматривать домашний показ, включая эпизоды предназначенные для выхода на VHS кассетах, как основную сферу работы. В 1969 году вышло шоу, сформировавшее целое поколение и существующее до сих пор, пародия на «Охотников на приведений», шоу «Скуби-Ду, где ты!», ставшее главным и наиболее долгоживущим проектом студии. К 1980-м годам студия Уолта Диснея создала собственный телеканал по которому транслировала собственные мультфильмы и анимационные сериалы. В 1987 году вышел знаменитый мультсериал «Утиные Истории», который использовал персонажей схожих с героями полнометражных и старых анимационных шоу, а спустя 4 года начал выпускаться мультфильм в схожей стилистики, но нацеленный на более взрослых детей «Черный плащ». Телевизионная анимация стала отдельным самостоятельным жанром, студии выделяли на развитие своих отделов создающих мультфильмы для домашнего просмотра бо́льшие бюджеты, а правительственные организации начали внимательнее цензурировать подобный контент.
«DuckTales»// 1987// Walt Disney studio
«Scooby Doo Where are you?»// 1969// Joseph Barbera, William Hanna
«Darkwing Duck»// 1991// Walt Disney studio
Анимация заняла прочные позиции в телеэфирах став частью американской культуры. Субботние утренние программы стали не только символом домашнего быта, к которым спешили дети всех штатов, однако это влекло за собой закрепление анимации в качестве жанра предназначенного для детей, еженедельные эфиры продолжающиеся с 1957 года сформировали четкий образ что мультфильмы это развлечение для детей, подведя черту в развитии анимации 20ого века.
Анимационные каналы нового века
В новое тысячелетие телевизионная анимация вошла с гордо поднятой головой. Кодекс Хейса был давно забыт и отменен, а девяностые сильно развязали руки создателям в плане цензуры. Несмотря на то что общественность все еще смотрела на мультфильмы как на детское развлечение, уже выросло целое поколение людей которые не только смотрели мультфильмы в детстве, но и любили и хотели их создавать. Анимация уже не была новшеством, но появление компьютеров создало новое поле для экспериментов, многие техники устарели или нуждались в усовершенствовании, как и сами жанры устоявшиеся в анимации. Телевидение было одним из наиболее удобных полей для реализации, теперь выпущенный в эфир эпизод значил не меньше чем целый полнометражный фильм и многие шли в анимацию чтобы воплотить свои идеи именно на телеканалах. Несмотря на то, что в сетке вещания большинства каналов были секции, выделенные под анимацию, появились и такие, которые вещали только или преимущественно мультфильмы. В данном исследовании я разберу три наиболее значимых и в то же время абсолютно непохожих друг на друга телеканалов, которые наглядно продемонстрировали три различных подхода к продюсированию и цензурированию контента.
Disney Channel
В 1977 году исполнительный директор Walt Disney Production выдвинул идею создания собственного кабельного телеканала, в эфир которого пойдут работы студии и спустя 6 лет канал начал вещание. Этот канал развивался достаточно планомерно, начав как премиальный канал с 16 часовым графиком вещания и реструктурирующий в круглосуточный эфир к 1986 году, в этот же период сетка была поделена на три сегмента: Playhouse Disney, блок утренних программ направленных на детскую аудиторию, Zoog Disney, блок с реалити шоу нацеленными на подростков до 15 лет и Vault Disney, вечерний эфир в который показывали классические мультфильмы студии. К началу XXI Века Zoog и Vault были убраны из эфира, а студия сфокусировалась на производстве комедийных шоу и мультсериалов, вместо драм и реалити шоу. Анимационное подразделение Диснея было ограничено многолетней политикой бренда, но в то же время имело узнаваемых персонажей, которые позволяли добится почти гарантирвоанного успеха. Первые шоу были ориентированы на детей, «Клуб Джунглей», «Геркулес», «Король Лев: Тимон и Пумба», но с появлением конкурентов с необычными гротескными шоу в эфире появились и мультфильмы, не опиравшиеся на предыдущих известных героев: «Пеппер Энн» и позднее «Рыбология», «Ким-пять-с-плюсом» и «Американский дракон Джейк Лонг» стали ответом на анимационные шоу Nickelodeon и Cartoon Network.
«Тимон и Пумба»// 1995-1999// Disney Television Animation
«Пеппер Энн»// 1997-2000// Сью Роуз
«Американский дракон: Джейк Лонг»// 2005-2007// Джефф Гуд
Nickelodeon
В 1977 году в Огайо начало трансляцию локальное телешоу «Nick Flicks», со временем получившее весь дневной эфир. Первоначально показывающее старые шоу ориентированные на привлечение взрослой ностальгирующей аудтиории, однако к 1990-м годам канал уже полноценно занял место в сетке вещания и начал производство собственных шоу, в том числе анимационных. Шоу Nickelodeon отличались сочетанием авторского стиля с правилами канала, фокусом на реалити шоу и комедийных проектах. Ранние проекты такие как «Эй Арнольд!», «Ох уж эти детки!», а также культовый «Губка Боб квадратные штаны» сделали каналу славу одного из самых популярных и значимых анимационных телеканалов как для зрителей, так и для создателей. Не менее значимыми были шоу-антологии «Oh Yeah Cartoons!» и позднее «Random! Cartoons», которые позволили многим начинающим аниматорам получить реализацию своих проектов.
«Эй Арнольд!» // 1996-2004// Крейг Бартлетт, Стив Викстен, Джо Ансолабехере
«Губка Боб Квадратные Штаны»// 1999-н.в.// Стивен Хилленбёрг
Cartoon Network
В 1990 году студия Hanna-Barbera представила собственный анимационный телеканал Cartoon Network. Он должен был не только стать еще одним источником получения прибыли, но и был создан чтобы усилить влияние студии на индустрию телевизионной анимации в целом. Имея большой репертуар ранних проектов, Cartoon Network быстро начал набирать аудиторию, а соперничество с Nickelodeon, как финансовое, так и идейное, оба телеканала стремились привлечь зрителя уникальными и необычными шоу, позволило выработать собственный стиль. Ранние шоу отличались визуальной необычностью, доходящей до абсурда, и достаточно грубый юмор, который имел место быть и в других проектах студии. Вместе с «Флинстоунами» и «Скуби-Ду» в эфире начали выходить такие примечательные шоу как «Лаборатория Декстера», «Удивительные злоключения Флэпджека», «Чаудер», «Джонни Браво» и «Суперкрошки».
«Лаборатория Декстера»// 1995-2003// Геннди Тартаковски
«Джонни Браво»// 1997-2004// Ван Партибл
«Суперкрошки»// 1998-2014// Крейг Мак-Кракен
Анимация проделала огромный путь от простого элемента кинематографа до самостоятельного вида искусства. Долгие годы коммерческие мультфильмы искали аудиторию, которая была бы достаточно платежеспособной, чтобы давать их проектам финансовый успех, и в то же время тех, кому бы было интересно смотреть их истории. Телевизионные проекты стали частью повседневности, оттеснив полный метр на второй план. Просмотр фильма в кинотеатре превратилось из единственно доступного способа увидеть анимационные проекты, в событие которое должно было занять выходные для целой семьи. Телеканалы стали искать нового зрителя, чтобы адаптироваться к новым условиям. Аниматорами были не просто художники, но те кто смотрел мультфильмы, для кого «Флинстоуны» были настолько же родными как собственные соседи, они не просто знали как сделать мультсериал, но любили это и вкладывали свое видение в новые проекты. Мир вступал в новую эру, и вместе с этим изменялась анимация, дети выросли и хотели новые, другие мультфильмы, которые соответствовали бы их взглядам и вопросам, которые встречались на их пути. Телевидение встало на ноги и крепко вошло в жизнь обычного зрителя, а вместе с появлением кабельных программ и интернета американские проекты получили возможность покорить не только континент пилигримов и индеек, но и весь мир. Безграничные возможности и значительная доля свободы– вот что дал XXI век для начинающих творцов.
