Искусство художников-аутсайдеров через призму их социального статуса
«The parts of what I saw that affected me the most was trash, garbage, and debris. The things that humans threw away. Where were they going to go? What were they made of?»
— американский художник-самоучка и музыкант Lonnie Bradley Holley
Рубрикатор
i. Введение — формулировка темы, обоснование выбора и постановка ключевых вопросов
ii. Основная часть — художники-аутсайдеры, описание материалов и контекста
iii. Заключение — обобщение результатов и формулировка основных выводов
iv. Библиография
v. Источники изображений
Концепция
Тема данного визуального исследования затрагивает художественную практику американских художников-аутсайдеров, работающих с различными найденными материалами — такими как металлолом, бытовые и ненужные вещи. Важно разобраться, почему именно такой выбор предметов оказывается основой искусства авторов и как их использование становится формой отражения маргинальности и социального статуса художников и их среды.
Интерес к этой теме у меня возник во многом потому, что само понятие аутсайдерского искусства до сих пор остается для меня в чем-то новым и неизведанным. Мне кажется, что именно через анализ материальной стороны — того, что художники берут в руки и превращают в объект — можно лучше понять глубинные смыслы их высказываний. К слову, сам термин «аутсайдерское искусство» имеет довольно примечательную историю: его корни уходят к французскому понятию Art Brut, которым ещё в 1940-х пользовался Жан Дюбюффе, а в англоязычном поле этот термин закрепился после публикации Роджера Кардинала в 1972 году. Сегодня им обозначают художественные практики, возникающие вне академической среды, институций и профессионального художественного сообщества.
В рамках исследования мне интересно проследить, как художник-аутсайдер приходит к выбору конкретного материала: что заставляет его брать именно выброшенные вещи, как бытовой мусор превращается в художественный объект, и каким образом сам материал становится метафорой положения автора — его социального опыта, культурной периферийности или маргинальности. Поэтому, можно сказать, что данное визуальное исследование о том, почему именно из таких вещей создаются настоящие объекты искусства и какой смысл за ними стоит.
Принцип отбора материала строится на том, что для исследования я выбираю американских художников-аутсайдеров, чья практика основана на работе с найденными объектами и бытовыми предметами.
Для аналитической части я буду опираться на зарубежные источники: каталоги выставок и коллекций, научные статьи и эссе. Важную роль сыграют англоязычные журналы, посвящённые художникам-аутсайдерам, и исследовательские издания, в которых анализируется связь между материалами, которые используют художники, и их социальным контекстом. Использование преимущественно иностранных источников объясняется тем, что именно в англоязычном пространстве аутсайдерское искусство исторически изучалось и коллекционировалось наиболее активно, поэтому там сосредоточена большая часть академической и музейной документации.
Главный вопрос данного исследования заключается в том, как использование найденных, выброшенных и бытовых материалов американскими художниками-аутсайдерами отражает маргинальность и социальный статус их авторов и среды.
Моя гипотеза заключается в том, что выбор таких вещей — металла, бытовых предметов, вышедших из употребления объектов — является не только художественным решением, но и способом выразить опыт маргинальности или особенности социального происхождения (например, рабочий класс, периферийные регионы). Иными словами, материал становится своеобразной социальной метафорой в их творчестве.
Художники-аутсайдеры
Hawkins Bolden
рус. Хокинс Болден
Хокинс Болден (1914–2005) — американский художник-аутсайдер из Мемфиса, штат Теннесси, известный своими чучелами и скульптурами из найденных объектов.
Болден родился в семье смешанного происхождения — креолов и афроамериканцев. В возрасте около семи лет он ослеп из-за травмы головы, полученной в бейсбольной игре. После этого Болден страдал эпилептическими приступами и фактически не получил формального образования. Его жизнь с детства была ограничена физическими и социальными барьерами: он не ходил в школу, его опекали родственники, а самостоятельное передвижение требовало постоянного физического напряжения. Эти обстоятельства напрямую повлияли на его способ восприятия окружающего мира: художник развил крайне чувствительное тактильное восприятие.
Хокинс Болден дома в Мемфисе, штат Теннесси на юге США. Фотография Теда Дегенера
Художник большую часть жизни прожил в одном доме в Мемфисе, не женился, жил скромно и практически не контактировал с «формальным» художественным сообществом. В этом контексте, найденные материалы, такие как выброшенные предметы и бытовой мусор, становились для него доступным ресурсом, через который он мог выражать свой жизненный опыт.
Хокинс Болден, Без названия, 1980-е, 47×24,5×7,5 дюймов. Материалы: листья, солома, металл, проволока
Одна из интересных работ художника — джинсы, наполненные листьями и соломой. Это ткань ассоциируется с рабочим классом, с повседневностью, с трудом. Используя именно джинсы, Болден, возможно, обращается к своей собственной идентичности, к «рабочей одежде», что усиливает ощущение социальной принадлежности.
Джинсы не новые, вероятно, они старые, бывшие в употреблении. Это делает работу еще более приземленной и личной: художник мог сам их носить или собирать старую одежду из своего окружения. Фонд «Souls Grown Deep» говорит о том, что многие конструкции Болдена были сделаны из его личной одежды («fashioned from his own effects, especially clothing»).
То, что общество может считать старой, ненужной, устаревшей одеждой, для самого автора имеет большой потенциал — как материальный, так и символический ресурс для творчества.
Двор Хокинса Болдена в Мемфисе, штат Теннесси, 1987. Фотографии Уильяма С. Арнетта
С середины 1960-х годов Болден начал создавать скульптуры-чучела для отпугивания птиц в своем саду. Он использовал металлические крышки, кастрюли, консервные банки, ведра, обрезки ковров и тканей, проволоку и многое другое. Эти предметы он находил на улицах, в аллеях и даже в подземных помещениях под собственным домом. В этом можно увидеть отражение его социального положения: у него, вероятно, не было доступа к привычным, традиционным художественным материалам, или они просто не были приоритетом — он работал с тем, что было под рукой. Болден собирал материал и хранил его в темном, сыром подполье, передвигаясь там на четвереньках и наощупь.
Используя различные инструменты, художник сверлил отверстия для глаз и ртов, создавал языки, уши и волосы из тканей и других подручных материалов.
Его пугала первоначально были созданы для того, чтобы защищать огород от птиц, но в концептуальном плане они становятся «стражами»: метафорически — они охраняют его пространство, его дом.
Поскольку Болден жил в районе с возможной маргинализацией (бедный городской квартал), эти фигуры могут рассматриваться как нечто символическое: «я создаю защиту, я не одинок».
«I make them so they can see good: two eyes here, and one way up on top of the head. The third eye sees a whole lot, you know» — говорил Хокинс в одном из своих интервью. Этот третий «глаз» особенно интересен: он символизирует скорее не физическое зрение, а внутреннее, возможный духовный взгляд, интуицию, что важно, вспоминая травму головы художника из-за которой он полностью лишился зрения.
Инсталляция Хокинса Болдена «Пугала», галерея SHRINE в Нью-Йорке. Фото Николаса Найта
Работы Хокинса Болдена, Без названия, 1986
Хокинс трансформировал объекты, которые ранее считались мусором, в художественные формы. Он создает красоту из ограниченных ресурсов, демонстрируя способность маргинальной личности к творческому сопротивлению и переосмыслению среды.
Материалы, используемые Болденом, также отражают афроамериканскую культурную память и связь с афро-атлантическими традициями: некоторые авторы и кураторы видят в работах Хокинса связь с африканскими тотемными формами, как будто его чучела не просто отпугивают птиц, а выполняют роль охранительных духовных фигур. Использование металла и вещей повседневного обихода создает метафору «прикосновения» к повседневности рабочего класса и культурной периферийности.
Noah Purifoy
рус. Ноа Пурифой
Ноа Пурифой (1917–2004) — афро-американский художник и скульптор, соучредитель Центра искусств Уоттс Тауэрс и создатель Художественного музея Ноа Пурифоя под открытым небом в пустыне.
Родился Пурифой в 1917 году в Сноу-Хилл, Алабама. Он получил образование в педагогическом колледже (Alabama State Teachers College, окончил в 1943 году), а затем магистерскую степень по социальной службе (Atlanta University, 1948). Во время Второй мировой войны служил в ВМС США.
С началом своей художественной карьеры Ноа обратился к ассамбляжу (техника создания композиций из объемных предметов и их обломков) и превратил это в ядро своего творчества. Одной из его самых значимых ранних работ стала серия, собранная после восстания в Уоттсе 1965 года: художник использовал обгоревший мусор, осколки, обломки. Он создал ассамбляжи, которые легли в основу выставки «66 Signs of Neon» (1966).
Этот жест — превращение разрушения, хаоса и боли улиц в художественные объекты — был глубоко политическим: он считал, что искусство может быть средством коммуникации и социального осмысления.
В конце 1980-х он покинул Лос-Анджелес и переехал в пустыню Мохаве, недалеко от национального парка Joshua Tree. Там, на участке примерно 10 акров, он более 15 лет создавал крупномасштабные скульптуры и инсталляции, собранные полностью из найденных материалов: велосипедных рам, бытовой техники, обломков мебели, проводов, покрышек, тканей и многого другого. Этот открытый музей — «Outdoor Desert Art Museum of Assemblage Sculpture» — стал главным проектом всей его жизни.
Ной Пурифой, «Joshua Tree», 1989 / «Тряпки и старое железо I» (по мотивам Нины Симон), 1989
Пурифой переместился в пустыню, где материалы были ограничены, и он собирал то, что мог найти. Так, например, была создана работа «Joshua Tree». Дерево Джошуа — символ пустыни, выживания в суровых условиях. Через этот художественный объект автор как бы говорит: «даже выброшенные вещи — могут укорениться и вырасти во что-то значимое». Материалы становятся метафорой жизненной стойкости, маргинального существования и самореализации.
Другой его проект, выполненный в том же 89 году, «Тряпки и старое железо I» по мотивам Нины Симон. Отсылка к Нине важна, ведь она была не только певицей, но и символом афро-американской борьбы, культуры, самоидентификации. Ноа, используя тряпки и старое железо, переплетает музыкальную, культурную память с физическими остатками.
Выбор именно таких материалов, это не просто эстетика бедности, а акт признания ценности «ненужного»: он утверждает, что обветшалые вещи — как личности, которые общество может игнорировать — имеют значение, имеют голос и могут быть трансформированы.
Пурифой «конструировал работы из остатков потребительской культуры», коннотируя то, как темнокожие американцы «используют свою изобретательность перед лицом нужды». Вещи, используемые в работах автора, — это не просто мусор, а символ адаптации, сопротивления и творчества в ограниченных условиях.
Музей Ноа Пурифоя под открытым небом в пустыне Мохаве, Joshua Tree, Соединенные Штаты
Важно также заметить, что художник не стремился к тому, чтобы его работы находились в музейных залах: он видел их как живые объекты, взаимодействующие с природой, и допускал, что со временем элементы будут разрушаться под воздействием солнца, ветра, пыли. Изменение структуры и цвета было частью замысла. Такие рассуждения отражают его философию: природа и время это соавторы его творчества.
Ноа Пурифой, «Access», 1993 / «Кружевной занавес», 1993
Одна из более поздних картин художника, сделанная в 93 году, под названием «Access». «Доступ» — уже само слово несет социальный подтекст: доступ к ресурсам, к возможностям. В контексте аутсайдерского искусства и маргинальной среды это может быть критикой неравенства: он берет вещи, к которому многие не имеют доступа, и перепрофилирует их в искусство, делая его «доступным» для всех.
«Taking junk, keeping its originality and making it into something else, can help make people realize that their junk, their lives, can be shaped into something worthwhile»
Thornton Dial
рус. Торнтон Дайл
Торнтон Дайл (1928-2016) — американский художник, получивший известность в конце 1980-х годов.
Торнтон родился 28 сентября 1928 года в Эмелле, округ Генри, штат Алабама — на бывшей хлопковой плантации, в семье, корни которой уходят в систему арендного земледелия. С раннего детства он работал: уже в возрасте 6 лет помогал на полях, собирая хлопок и пас коров. Образование Дайла было крайне скудным, он покинул школу после третьего-четвертого класса. Примерно в 1941 году переехал в город Бессемер, неподалеку от Бирмингема.
Торнтон Дайл, Без названия, 1987, от 33 ¼ до 38 ¼ дюймов. Материал: эмаль на металле
Дайл вырос в бедности, в семье арендаторов земли. Его жизненный путь был связан с физическим трудом, промышленными работами и металлообработкой. В этом контексте выбор металла, промышленных обломков, дерева и других подобных вещей, можно интерпретировать как метафору его личной истории — рабочего класса, маргинального положения.
Материалы, которые зачастую «не годились» для художественного использования, становятся в работах художника средствами переосмысления. Его работа на заводе Pullman Standard дала ему навыки обработки металла, конструирования, соединения элементов, что также повлияло на художественный язык: ассамбляжи Дайла часто имеют технический, конструктивный характер и комбинированные материалы.
Торнтон Дайл, Без названия (Собака), 1987, 22×29×18 дюймов. Материал: эмаль на металле
Художественная карьера Дайла началась лишь после того, как он встретился с куратором-исследователем Уильямом Арнеттом (William S. Arnett) в конце 1980-х. Хотя он творил уже раньше, именно благодаря этой встрече ему удалось выйти на художественную сцену.
Его произведения — в основном большие ассамбляжи, скульптуры и работы на холстах, насыщенные найденными материалами: металл, деревянные доски, войлок, ткань, веревка, обрывки одежды, железо и многие другие.
Так, например, работа «Shadows of the Field» (2008) хранится в коллекции The Metropolitan Museum of Art (Нью-Йорк), выполненная из тряпья, сетки, металла и досок. Она отсылает к полям хлопка и истории труда афро-американцев.
В своем творчестве автор часто фокусируется на вопросах расы, классов, труда, истории американского Юга, неравенства, а также на личных воспоминаниях и коллективной памяти. Он подчеркивает, что его работы «говорят о том, что неправильно в жизни».
«The Beginning of Life in the Yellow Jungle», 2003 / «Construction of the Victory», 1997/ «Don’t Matter How Raggly the Flag, It Still Got to Tie Us Together», 2003 / «Stars of Everything», 2004
Работа «The Beginning of Life in the Yellow Jungle» — своего рода метафизическое размышление о происхождении жизни. Желтый цвет, по мнению исследователей, у Дайла — символ «прихода всего человечества».
Использование выброшенных вещей в картине художника показывает, что новая жизнь возникает из обломков, метафора трансформации и восстановления.
Фигура куклы может быть интерпретирована как «новорожденное человечество», а перчатка над ней, как «рука творца» или «вмешательство» в создание жизни, что добавляет картине духовный, околорелигиозный контекст.
Картина «Don’t Matter How Raggly the Flag, It Still Got to Tie Us Together» представляет из себя порванный флаг — это метафора социальных и политических разломов в Америке. При этом флаг все еще «связывает» людей.
Под поверхностью флага есть два фигуральных образа: один темный, другой светлый, символизирующие расовое различие, но при этом они «завязаны» флагом. Это говорит о совместной истории, об общей судьбе, несмотря на различия. Это желание солидарности, несмотря на разорванность (флаг) и прошлые раны.
Флаг, как национальный символ, часто используется в патриотической риторике, но у Дайла он не идеализирован. Это показывает, что национальная идентичность сложна, и частью этой истории являются травмы, неравенство и расовое разделение.
Работа, выполненная годом позже — «Stars of Everything». Орел, это классический символ Америки. Он изображен утомленным, растущим из хлама, в рваном костюме, связан ковровыми обрывками и верёвками, что может символизировать социальное угнетение, старую рану, бремя истории.
Ярким элементом картины являются звезды, сделанные из банок краски. Это можно считать, как сатиру на звездность и славу и искреннее стремление к признанию и успеху.
Это произведение может читаться как рефлексия над успехом, но этот успех не чистый: он построен на мусоре и трудах, что делает его одновременно и триумфом, и бременем.
Торнтон Дайл, Без названия, 1987. Материал: металл и эмаль на дереве / Без названия, 1987
Использование фабричных деталей, мотков проволоки и металлической арматуры — это символ индустриального труда, автоматизации, рабочего класса, а также бесправия, эксплуатации и экономического неравенства.
Выброшенные вещи, из которых собираются работы автора, намекают на те социальные категории, которые были лишены институциональной поддержки и признания.
Двор Торнтона Дайала, 1988 г. Фото: Уильям Арнетт
Leroy Johnson
рус. Лерой Джонсон
Leroy Johnson (1937–2022) — филодельфийский художник, чья практика охватывала живопись, коллаж и ассамбляжные скульптуры.
Художник долгое время жил и работал в Филадельфии и описывал себя как «Urban Folk Artist» и «Outsider Artist». В его творчестве городской ландшафт выступает одновременно картой и метафорой, содержанием коллективного бессознательного. Он стремился «свидетельствовать» через искусство, отражая не только эстетические, но и социальные, моральные и духовные вопросы.
Джонсон получил степень магистра по программе Human Services в Lincoln University в конце 1980-х и работал социальным работником, консультантом по реабилитации, педагогом для детей с инвалидностью и администратором школы.
Профессиональный опыт Джонсона усиливал его роль «документалиста» городской жизни: многие авторы отмечают, что он не просто собирал предметы, а видел в них истории, контексты и символы, от граффити до выцветших знаков, и целенаправленно включал эти следы в свое творчество, превращая материалы в объекты, которые требуют эмоционального и интеллектуального считывания.
Многие работы Джонсона созданы из предметов, найденных во время повседневных прогулок по городу — от пластика и картона до глины и фотографий. В бумажных работах отмечаются такие необычные детали, как кукурузная шелуха, ленты и даже флаги, используемые для того, чтобы проводить исторические и политические параллели.
Лерой Джонсон, «Environmental Terrorist», 2000-е, 18×12×8 дюймов
Название проекта «Environmental Terrorist» само по себе провокационное. Оно может указывать на критику экологических/социальных разрушений как акта «терроризма» со стороны тех, кто загрязняет или разрушает среду, возможно, затрагивая бедные и маргинализованные сообщества.
Использование найденных объектов может быть символом того, что окружающая среда — не чистая, она наполнена мусором, выброшенными вещами и эти остатки действительно «терроризируют» городские районы.
Джонсон, как активист-художник и городской экспрессионист, мог намеренно называть себя или свои конструкции «террористами среды», чтобы подчеркнуть свою роль разоблачителя или провокатора. Через искусство он привлекает внимание к социальным и экологическим проблемам, которые часто остаются незамеченными.
Лерой Джонсон, «Действуй сейчас», 2000-е, 9 ¾×9 ¾×11 ¾ дюйма
Другая работа Джонсона «Действуй сейчас», выполненная в 2000-х годах. «Act Now» это явный призыв к действию. В контексте маргинальности это может быть обращение Джонсона к зрителю (и к обществу в целом): «нужно действовать сейчас», возможно, на уровне социальной справедливости, экологической ответственности или гражданской активности.
Такой призыв может быть особенно важен и значим для более бедных сообществ: «действуй сейчас», не откладывая, потому, что любые ресурсы ограничены, а проблемы остаются.
Лерой Джонсон, «Маленький домик», 2000–е, 33×48,3×21,6 см
Лерой Джонсон, «You been had», 2000–е, 17×16 ½×8 дюймов
Название «You Been Had» (в переводе — «Тебя подвели/обманули») несет в себе сильный социальный и политический подтекст: это может быть заявление о том, что определённые группы (маргинализованные, обездоленные) подверглись обману: системному, экономическому, расовому.
Работа, вероятно, собрана из материалов, найденных в городе, что символически подкрепляет идею: выброшенные вещи могут быть частью истории эксплуатации, забвения.
«As an African American artist who witnessed the civil rights movement and the impact of racist policies on communities he loved, Johnson took particular pleasure in depicting the richness of Black life»
Некоторые авторы описывают работы Лероя, как «бескомпромиссные портреты Филадельфии», «лабиринты отсылок», элементы которых выполнены из реальных вещей — вывесок, выцветших знаков и граффити, сложное прочтение которых воспринимается в его работах не как дефект, а как нечто знаковое.
Персональная выставка работ Лероя Джонсона. Фотографии: Констанс Менш
Joe Minter
рус. Джо Минтер
Джо Минтер родился 28 марта 1943 года в Бирмингеме, штат Алабама, восьмым из десяти детей в семье. Его отец, Лоренс Минтер, служил во время Первой мировой войны, но после возвращения столкнулся с расовой дискриминацией и не смог найти работу по профессии, в результате чего устроился смотрителем кладбища в Бирмингеме. Семья Минтера жила в скромных условиях, и он с детства усвоил мысль о том, что нужно по максимуму использовать то, что у тебя есть. В будущем это отразилось на его подходе к искусству.
Джо Минтер, «Девятифундовая сталь», 1989, сварной металл с шарами для боулинга и шиной, 54,5×30×19 дюймов
Джо работал на низкооплачиваемых должностях: был официантом в закусочной, работал санитаром в больнице. В 1965 году он был призван в армию США, служил специалистом по генераторам. После демобилизации вернулся в Бирмингем и начал работать с металлом — сборка школьной мебели, строительство. Однако длительный контакт с асбестовой пылью во время работы привёл к проблемам со зрением, и в итоге Минтер вынужден был уйти с физической работы.
Ключевым поворотом в его жизни стало «видение от Бога», которое, по его словам, произошло в конце 1980-х. Именно после этого он начал заниматься проектами, несущими в себе социальные послания, и принял имя «Peacemaker» (миротворец).
Он решил посвятить своё искусство рассказу о нелёгкой афроамериканской истории, особенно о тех людях, которые пострадали в большей степени: рабах, бойцах пехоты, тех, чьи имена часто остаются неупомянутыми в официальных нарративах.
Выставка работ Джо Минтера
Джо работает как ассамбляжист и скульптор, создавая свои работы из деревянных досок, металла, фрагментов устаревшей мебели и других найденных объектов.
African Village — это масштабный проект, созданный собственноручно художником Джо Минтером на его участке в Бирмингеме.
Это часть двора художника, где он с конца 1980-х годов постепенно создает сотни инсталляций из найденных предметов. Он говорит, что его вдохновляет Бог, его работы часто содержат библейские цитаты, кресты, религиозные символы. Он называет себя миротворцем, и его миссия — через искусство передать послание любви, мира, исторической памяти.
Джо Минтер, «In Control of the Mule», 1989, 58×35×27 дюймов / «We Lost Our Spears», 1989, 51×29×35 дюймов
Часто в его работах используются цепи. Это не просто материал, это мощный символ — «я использую цепи, чтобы сказать о том, что многие африканцы прибыли в Америку в цепях» (по его словам).
Многие работы художника посвящены памяти рабства, истории афро-американцев, борьбе за гражданские права.
В работе «Slave Ship» Джо превращает металлическую конструкцию в визуальный рассказ о трансатлантической работорговле. Он использует цепи, ржавый металл, найденные предметы — материалы, которые сами по себе несут следы времени, разрушения и тяжёлого труда. Цепи здесь не просто элемент конструкции: они становятся прямым напоминанием о том, как миллионы людей были привезены в Америку в оковах.
Металл, ржавчина — все это создает чувство удушающей клаустрофобии, словно зритель сам заглядывает внутрь корабля, набитого человеческими телами.
В «Mass Grave» Минтер словно продолжает разговор, начатый в «Slave Ship». Здесь он создает пространство, похожее на кладбище памяти, где в груде выброшенных, сломанных вещей спрятана история превращения людей в «ресурсы».
Внутри металлической конструкции лежат ржавые детали, инструменты, камни, детская игрушка-лошадка, рабочие перчатки и другие вещи. Каждый предмет выступает в роли фрагментов судьбы. Они лишены функции, сломаны, забыты, точно так же, как были сломаны и уничтожены жизни миллионов людей.
Использование цепей в проекте напоминает, что даже смерть не освобождала от рабства. Красный кирпичный крест на земле, это не просто символ христианской веры, но и напоминание о тех, кто умер без имени и без могилы. Над всей композицией развивается изорванный американский флаг, знак того, что сама страна была построена поверх этого массового захоронения двух культур: африканской и коренной американской.
Джо Минтер, «Geese in Formation», 2001, сварной металл, 41×30×34 дюйма
Lonnie Holley
рус. Лонни Холли
Лонни Холли родился 10 февраля 1950 года в Бирмингеме, штат Алабама. Он был седьмым из 27 детей в семье. Его детство было сложным: уже с пяти лет он работал, подбирал мусор в автокинотеатре, мыл посуду, готовил, а также жил в нескольких приёмных семьях.
Именно эта тяжелая история, отсутствие «нормального» детства — стала одной из движущих сил его творческой жизни. Еще в ранние годы его научили сохранять то, что больше никому не нужно: дед, бабушка и дядя показали ему, как можно использовать выброшенные вещи, и это стало фундаментом для его художественного языка.
Лонни Холли, Memorial at Friendship Church, 2006, металл, пластиковые цветы и ленты, 38×31×27 дюймов
В конце 1970-х Холли начал заниматься резьбой: после трагического пожара, в котором погибли двое детей его сестры, он вырезал надгробия для них из такого материала, который оставался как промышленный продукт от литейных заводов Бирмингема.
Именно эта работа стала его первым значимым художественным актом, а точнее актом памяти и траура. Согласно Kenneth Caldwell, он начал с надгробий, затем перешёл к другим формам, включая скульптуры из найденных объектов.
Одним из устойчивых образов в его работах являются профиль или лицо: он создает человеческие фигуры из проволоки, делая их часто полыми или абстрактными. Это состояние «неполноты» отсылает к теме стирания идентичности, исторического забвения, а также попытке воссоздать себя и других с помощью использованных предметов.
В 1981 году он показал несколько своих скульптур Ричарду Мюррею, который в то время был директором Birmingham Museum of Art. Этот показ привел к включению работ Холли в выставку «More Than Land or Sky: Art from Appalachia» в Национальном музее американского искусства.
Лонни Холли, «Leaving You Alone», 2004, 83×66 см
В статье «Power Figure» (Edel Assanti) он прямо говорит: объекты очень важны, потому что, по его мнению, если «мы выкидываем всё, что драгоценно, мы создаём собственную гибель».
Он исследует заброшенные места — свалки, площадки — и находит там материалы, насыщенные историей и памятью. Он использует самые разные вещи: проволока, электрические кабели, бусы, джинсы, флаги, пластиковые украшения и т. д.
Так, например, работа «Leaving You Alone» 2004 года это ответ на одну из самых страшных трагедий человечества — цунами в Азии. Услышав о детях, оставшихся одних, чьи родители были унесены волной, он передал их боль через собранные им объекты. Холли использует ржавые вешалки и детскую одежду, чтобы выразить тему травмы и одиночества. Вешалки, искореженные и покрытые ржавчиной, напоминают о разрушительной силе воды, символизируя последствия цунами, которое унесло жизни и оставило детей одних. Детская одежда становится призрачным образом утерянной невинности и родительской заботы. Вся композиция, собранная из старых предметов, превращается в настоящий мемориал.
Выставка работ Лонни Холли «I Snuck Off the Slave Ship», 12 июня — 2 апреля, 2017
Лонни Холли, «Weighed Down by the Hose», 2008 / «Chain Gang», 2018 / «Do Not Write on This», 2007
Темы его искусства очень личные и одновременно универсальные: детство, семья, память, раса, насилие, смерть, искупление. В его работах можно прочитать глубокое историческое сознание: он чуток к истории афроамериканцев, проблемам сегрегации, наследию труда. Он избегает сна, потому что сны возвращают ему травмы, поэтому его творчество — это не просто память, а попытка вытащить самое тяжелое, травматичное в реальный мир через материальное.
В статье «Power Figure» он также говорит о крепкой связи с предками: материалы, которые он находит, это не просто мусор, а настоящие сокровища, хранящие память.
Заключение
Гипотеза о том, что выбор найденных вещей и бытовых материалов в творчестве американских художников-аутсайдеров является не просто эстетическим решением, а формой выражения их маргинальности и социального статуса, подтверждается. Авторы используют металл, старые вещи, мусор и обломки, не потому, что это отличная бесплатная альтернатива, а потому, что эти материалы связаны с их жизненным опытом. Предметы, которые общество может считать «ненужными», в руках таких художников превращаются в символы истории, памяти, борьбы и принадлежности. Через эти объекты они рассказывают о своей идентичности, о травмах, классовых и расовых неравенствах. При этом их работы выходят за пределы частного пространства: они протестуют, коммуницируют с обществом с помощью своего творчества и создают новые смыслы.
Источники
Hawkins Bolden // Christian Berst URL: https://christianberst.com/en/artists/hawkins-bolden (дата обращения: 14.11.2025).
The Sound of Music in Hawkins Bolden’s Scarecrows // Oxford American URL: https://oxfordamerican.org/magazine/issue-127-winter-2024/the-sound-of-music-in-hawkins-bolden-scarecrows/ (дата обращения: 14.11.2025).
Hawkins Bolden // Institute 193 URL: https://www.institute193.org/exhibitions-hawkins-bolden (дата обращения: 14.11.2025).
Hawkins Bolden’s Scarecrows Want You To Come Visit Them // Forbes URL: https://www.forbes.com/sites/briennewalsh/2021/04/29/hawkins-boldens-scarecrows-want-you-to-come-visit-them/ (дата обращения: 14.11.2025).
Noah Purifoy Outdoor Desert Art Museum // Spare Parts and Pics URL: https://sparepartsandpics.blogspot.com/2014/07/noah-purifoy-outdoor-desert-art-museum.html (дата обращения: 15.11.2025).
Noah Purifoy // Tilton Gallery URL: https://www.jacktiltongallery.com/artists/noah-purifoy?view=slider#9 (дата обращения: 15.11.2025).
Bio + Chronology // Noah Purifoy URL: https://www.noahpurifoy.com/bio-cv (дата обращения: 15.11.2025).
Exploring Noah Purifoy’s Outdoor Sculpture Museum in Joshua Tree // Njinla URL: https://www.njinla.com/blog/noah-purifoys-outdoor-sculpture-museum-joshua-tree (дата обращения: 15.11.2025).
Noah Purifoy’s «Junk Dada» Is an Art Show for the Post-Ferguson World // Vogue URL: https://www.vogue.com/article/noah-purifoy-lacma-junk-dada (дата обращения: 15.11.2025).
Thornton Dial // March Gallery URL: https://www.marchgallery.org/exhibitions/thornton-dial-the-earliest-years-1987-1989/ (дата обращения: 15.11.2025).
Thornton Dial // Andrew Edlin Gallery URL: https://www.edlingallery.com/exhibitions/thornton-dial?view=slider#8 (дата обращения: 15.11.2025).
Hard Truths: The Art of Thornton Dial // High URL: https://high.org/exhibition/hard-truths-the-art-of-thornton-dial/ (дата обращения: 15.11.2025).
Joe Minter’s African Village in America // Kelly Ludwig URL: https://www.kellyludwig.com/detour-art/2008/10/joe-minters-african-village-in-america.html (дата обращения: 16.11.2025).
More than an artist: Joe Minter, the African Village and knowing where you’re from // Create Birmingham URL: https://createbirmingham.org/more-than-an-artist-joe-minter-the-african-village-and-knowing-where-youre-from/ (дата обращения: 16.11.2025).
African Village in America // Spaces Archives URL: https://www.spacesarchives.org/explore/search-the-online-collection/jo-minter-african-village-in-america/ (дата обращения: 16.11.2025).
Joe Minter // Encyclopedia Of Alabama URL: https://encyclopediaofalabama.org/article/minter-joe/ (дата обращения: 16.11.2025).
Leroy Johnson: Crossroads // Tiger Strikes Asteroid URL: https://www.tigerstrikesasteroid.com/phl-/-leroy-johnson-crossroads/ (дата обращения: 16.11.2025).
Leroy Johnson // Margot Samel URL: https://www.margotsamel.com/exhibition/leroy-johnson/ (дата обращения: 16.11.2025).
A Changing Community and Lived Experiences Converge in Leroy Johnson’s Mixed-Media Houses // Colossal URL: https://www.thisiscolossal.com/2024/12/leroy-johnson-houses/ (дата обращения: 17.11.2025).
Joe Minter Talks About His Message Sculptures // Art News URL: https://www.artnews.com/art-news/artists/joe-minter-message-sculptures-1234618746/ (дата обращения: 17.11.2025).
Joe Minter // March URL: https://www.marchgallery.org/artists/joe-minter/ (дата обращения: 17.11.2025).
Copying the Rock (Lonnie Bradley Holley) // Wikioo URL: https://wikioo.org/pt/paintings.php?refarticle=D4D59H&titlepainting=Copying%20the%20Rock&artistname=Lonnie%20Bradley%20Holley (дата обращения: 17.11.2025).
Lonnie Holley // Displacements URL: https://displacements.org/artists/lonnie-holley/ (дата обращения: 17.11.2025).
Inside the Wonder // Salvation South URL: https://www.salvationsouth.com/inside-the-wonder-of-lonnie-holley/ (дата обращения: 17.11.2025).
Lonnie Holley // Outsider Art Fair URL: https://www.outsiderartfair.com/artists/lonnie-holley?view=slider#3 (дата обращения: 17.11.2025).
Lonnie Holley // Contemporary Art Daily URL: https://www.contemporaryartdaily.com/project/lonnie-holley-at-atlanta-contemporary-10271 (дата обращения: 17.11.2025).
Noah Purifoy’s Sophisticated Assemblage // Pbs SoCal URL: https://www.pbssocal.org/shows/artbound/noah-purifoys-sophisticated-assemblage/ (дата обращения: 17.11.2025).
Hawkins Bolden // Christian Berst URL: https://christianberst.com/en/artists/hawkins-bolden (дата обращения: 14.11.2025).
Hawkins Bolden // Institute 193 URL: https://www.institute193.org/exhibitions-hawkins-bolden (дата обращения: 14.11.2025).
Hawkins Bolden’s Scarecrows Want You To Come Visit Them // Forbes URL: https://www.forbes.com/sites/briennewalsh/2021/04/29/hawkins-boldens-scarecrows-want-you-to-come-visit-them/ (дата обращения: 14.11.2025).
Noah Purifoy Outdoor Desert Art Museum // Spare Parts and Pics URL: https://sparepartsandpics.blogspot.com/2014/07/noah-purifoy-outdoor-desert-art-museum.html (дата обращения: 15.11.2025).
Noah Purifoy // Tilton Gallery URL: https://www.jacktiltongallery.com/artists/noah-purifoy?view=slider#9 (дата обращения: 15.11.2025).
Exploring Noah Purifoy’s Outdoor Sculpture Museum in Joshua Tree // Njinla URL: https://www.njinla.com/blog/noah-purifoys-outdoor-sculpture-museum-joshua-tree (дата обращения: 15.11.2025).
Thornton Dial // March Gallery URL: https://www.marchgallery.org/exhibitions/thornton-dial-the-earliest-years-1987-1989/ (дата обращения: 15.11.2025).
Hard Truths: The Art of Thornton Dial // High URL: https://high.org/exhibition/hard-truths-the-art-of-thornton-dial/ (дата обращения: 15.11.2025).
More than an artist: Joe Minter, the African Village and knowing where you’re from // Create Birmingham URL: https://createbirmingham.org/more-than-an-artist-joe-minter-the-african-village-and-knowing-where-youre-from/ (дата обращения: 16.11.2025).
Leroy Johnson: Crossroads // Tiger Strikes Asteroid URL: https://www.tigerstrikesasteroid.com/phl-/-leroy-johnson-crossroads/ (дата обращения: 16.11.2025).
Leroy Johnson // Margot Samel URL: https://www.margotsamel.com/exhibition/leroy-johnson/ (дата обращения: 16.11.2025).
A Changing Community and Lived Experiences Converge in Leroy Johnson’s Mixed-Media Houses // Colossal URL: https://www.thisiscolossal.com/2024/12/leroy-johnson-houses/ (дата обращения: 17.11.2025).
Joe Minter Talks About His Message Sculptures // Art News URL: https://www.artnews.com/art-news/artists/joe-minter-message-sculptures-1234618746/ (дата обращения: 17.11.2025).
Joe Minter // March URL: https://www.marchgallery.org/artists/joe-minter/ (дата обращения: 17.11.2025).
Copying the Rock (Lonnie Bradley Holley) // Wikioo URL: https://wikioo.org/pt/paintings.php?refarticle=D4D59H&titlepainting=Copying%20the%20Rock&artistname=Lonnie%20Bradley%20Holley (дата обращения: 17.11.2025).
Leaving You Alone — (Lonnie Bradley Holley) // Wikioo URL: https://wikioo.org/en/paintings.php?refarticle=D4D6PJ&titlepainting=Leaving+You+Alone&artistname=Lonnie+Bradley+Holley (дата обращения: 17.11.2025).
Lonnie Holley // Displacements URL: https://displacements.org/artists/lonnie-holley/ (дата обращения: 17.11.2025).
Inside the Wonder // Salvation South URL: https://www.salvationsouth.com/inside-the-wonder-of-lonnie-holley/ (дата обращения: 17.11.2025).
Lonnie Holley // Outsider Art Fair URL: https://www.outsiderartfair.com/artists/lonnie-holley?view=slider#3 (дата обращения: 17.11.2025).
Lonnie Holley // Contemporary Art Daily URL: https://www.contemporaryartdaily.com/project/lonnie-holley-at-atlanta-contemporary-10271 (дата обращения: 17.11.2025).
