Апроприация в институциональной критике
1. Рубрикатор 2. Концепция 3. Хегер и Деянов 4. Хорхе Пардо 5. Даниэль Пфлюмм 6. Вывод 7. Источники
Современное искусство довольно часто обращается к стратегиям присвоения, переработки и повторного использования существующих культурных форм. Это стало новым способом критического мышления, направленным на анализ механизмов работы искусства как системы. Мы привыкли воспринимать художника как автономного «гения», а его произведения как неподвижный объект, который наделен фиксированным смыслом, однако, апроприация разрушает это представление об уникальности произведения. Институциональная критика обращает внимание на условия существования художественного объекта: пространство музея, экономику коллекционирования, механизмы признания, авторитет кураторских решений.
Институциям искусства свойственны понятия уникальности произведения и исключительности авторства. Именно вокруг этих категорий может формироваться ценность, статус и легитимность художественного объекта. Когда художник присваивает уже существующую форму, он вмешивается в механизмы, через которые институции производят «оригинал», распределяют авторство и устанавливают иерархии. Апроприация в этом контексте является и эстетическим приемом, и способом анализа того, как система искусства создаёт ценность произведения. Через переработку готовых объектов художник демонстрирует, что смысл и статус произведения находятся в постоянном движении, завися от экономических, музейных и кураторских структур.
В этом исследовании рассматриваются стратегии апроприации у художников постпродукции: Светланы Хегер и Пламена Деянова, Хорхе Пардо и Даниэля Пфлюмма. Их объединяет работа с готовыми формами как способом анализа того, как искусство циркулирует, классифицируется, переоценивается. Каждый из выбранных художников по-своему показывает неоднозначность понятия «уникальности» и условность представления об авторском начале. Визуальная часть исследования будет направлена на выявление этих стратегий присвоения и анализ того, каким образом через апроприацию художники поднимают вопросы о роли институций в определении смысла и статуса произведения. Формы критики уникальности произведения могут быть разными и включать в себя целый спектр критических стратегий, тем не менее, каждая из этих форм убедительна в полной мере.
Хегер и Деянов
Светлана Хегер училась в Венском университете прикладных искусств и прошла последипломную подготовку в Токийском университете искусств Мусасино. Её работы демонстрировались в международных институциях, таких как Венский сецессион, Центр Помпиду в Париже, Artists Space в Нью-Йорке, Модерна Музеет в Стокгольме, Художественный музей Люцерна и других.
Plamen Dejanov and Swetlana Heger present For Rent (Ninety Blue Submarines), 1998, and Plenty Objects of Desire, project initiated in 1997
Charles and Ray Eames, molded fiberglass, enameled steel, rubber
Пламен Деянов — болгарско-австрийский скульптор, родившийся в 1970 году в Велико-Тырново. В 1989–1990 годах он изучал искусство в Национальной академии художеств в Софии, а затем продолжил образование в Венской академии изящных искусств, где в 1991–1998 годах учился под руководством Микеланджело Пистолетто. В 1995–2000 годах Деянов активно сотрудничал со Светланой Хегер, создавая совместные художественные проекты. Сегодня художник живёт и работает в Вене.
Plamen Dejanov and Swetlana Heger present For Rent (Ninety Blue Submarines), 1998, and Plenty Objects of Desire, project initiated in 1997
Польские светильники Biaglass (фото для примера)
Plamen Dejanov and Swetlana Heger present For Rent (Ninety Blue Submarines), 1998, and Plenty Objects of Desire, project initiated in 1997
Brionvega Algol 11' TVC by Marco Zanuso & Richard Sapper, 1964, 200-300€
Тут художники выстраивают инсталляцию из абсолютно разнородных вещей. В их работах мы видим предметы уже созданные, самостоятельные. Тем временем, авторы выставки собирают их, заимствуют, покупают, арендуют или вводят в оборот через сотрудничество с коллекционерами и институциями. В определенный момент в их руках объекты перестают быть оригинальными произведениями, а их восприятие обретает другую оптику.
Swetlana Heger & Plamen Dejanov Three Wishes (Plenty Objects of Desire) Air de Paris November 15 — December 20, 1997
Swetlana Heger & Plamen Dejanov Three Wishes (Plenty Objects of Desire) Air de Paris November 15 — December 20, 1997
В проекте «Plenty Objects of Desire» апроприация является способом «разоблачения» художественных и экономических механизмов институций. И это присвоение, безусловно, создает новую эстетику. Но главный его эффект — демонстрация того, как художественная институция производит смысл и ценность.
Swetlana Heger & Plamen Dejanov Three Wishes (Plenty Objects of Desire) Air de Paris November 15 — December 20, 1997
Swetlana Heger & Plamen Dejanov Three Wishes (Plenty Objects of Desire) Air de Paris November 15 — December 20, 1997
На самом деле, технически, авторов этих инсталляций намного больше. Хегер и Деянов опираются на труд дизайнеров, производителей, продавцов, коллекционеров. В итоговой экспозиции это выглядит как «работа художников», которая является результатом сложного взаимодействия множества людей и процессов.
Хорхе Пардо
Современный американский художник кубинского происхождения, ныне живущий и работающий в Лос-Анджелесе и Нью-Йорке. Пардо последовательно расширяет привычные рамки между скульптурой, архитектурой и дизайном, из-за чего его нередко шутливо сравнивают с IKEA или Мартой Стюарт. Художнику особенно интересна идея стирания границ между художественным объектом и предметом повседневного пользования. Наиболее узнаваемый элемент его творчества — светильники, выполненные в плавных, органичных формах.
Jorge Pardo Victoria Miro, London February 2 — March 24, 2018
Jorge Pardo Victoria Miro, London February 2 — March 24, 2018
Лампы Пардо — переработка бытового светильника. Тут художник отдает предпочтение эстетической характеристике предмета, жертвуя его функциональностью.
Jorge Pardo Victoria Miro, London February 2 — March 24, 2018
Jorge Pardo Victoria Miro, London February 2 — March 24, 2018
Вне институционного пространства лампы могут быть мебелью или декором, но внутри него — превращаются в полноценный арт-объект.
Jorge Pardo Victoria Miro, London February 2 — March 24, 2018
В настенных скульптурах Пардо использует декоративные панели и архитектурные элементы, которые можно встретить в фасадных решётках, мебельных конструкциях и интерьерных панно. Но перерабатывает их до состояния абстрактных визуальных структур. Иными словами, это скульптура, созданная из переформатированного архитектурного языка.
Jorge Pardo Victoria Miro, London February 2 — March 24, 2018
Jorge Pardo Victoria Miro, London February 2 — March 24, 2018
Даниэль Пфлюмм
Даниэль Пфлюмм живёт и работает в Берлине. Он считается одной из центральных фигур яркой культурной среды и андеграундной клубной сцены Берлина 1990-х годов. В своей художественной практике Пфлюмм соединяет визуальное искусство, медиа и эстетику клубной культуры.
Daniel Keller and Daniel Pflumm 21 January – 03 February 2017
Daniel Keller and Daniel Pflumm 21 January – 03 February 2017
Выставка Пфлюмма и Келлера — один из наиболее ярких примеров апроприации. Переосмысление может быть использовано для анализа современной медийной и институциональной среды. В основе их работ находятся логотипы, визуальные знаки, рекламные шаблоны, Пфлюмм присваивает их. Все эти корпоративные идентичности обычно обслуживают интересы больших компаний и глобального рынка.
Daniel Keller and Daniel Pflumm 21 January – 03 February 2017
Daniel Keller and Daniel Pflumm 21 January – 03 February 2017
Келлер приносит в выставку тему постинтернет-культуры, платформенной экономики и визуального перенасыщения, Пфлюмм — острую форму критики, основанную на перехвате корпоративных знаков.
Daniel Keller and Daniel Pflumm 21 January – 03 February 2017
Daniel Keller and Daniel Pflumm 21 January – 03 February 2017
Daniel Keller and Daniel Pflumm 21 January – 03 February 2017
Визуальная среда современности во многом сформирована крупными корпорациями, их знаки — символы власти над человеческим вниманием. Логотип в работах Пфлюмма выступает симптомом системы, чистым методом создания капиталистической визуальности.
Daniel Keller and Daniel Pflumm 21 January – 03 February 2017
Корпоративные символы выполняют те же функции, что и художественные учреждения. Они создают узнаваемость, формируют ценность и наделяют статусом. Когда логотип попадает в художественную галерею, запускается двойной процесс: художник берёт и использует корпоративный знак, а галерея, в свою очередь, включает это действие художника в свой собственный контекст.
Вывод
Анализ работ этих художников показывает, что использование уже существующих объектов, форм и визуальным кодов стало для них способом работать с устройством художественного поля. Через такие объекты авторы обращают внимание на среду, в которой искусство возникает и существует, которая делает вещь «значимой». У Хегер и Деянова это проявляется через собирание и демонстрацию предметов, обычно не имеющих художественной ценности. В проектах Хорхе Пардо использование дизайнерских и архитектурных источников становится наиболее важным способом демонстрации условности границ между дизайном и искусством. Кто обладает правом определять эти границы? У Пфлюмма другой материал — корпоративные логотипы и визуальные структуры медиа. В итоге можно сказать, что работы всех трёх художников помогают увидеть, что выставочные пространства, галереи и другие институции влияют на восприятие объектов. Апроприация становится для них лишь инструментом демонстрации «перетекания» культурных форм из одной системы в другую.
Источники
